A 76 ans, Howard Johnson s’offre le luxe d’une éternelle jeunesse musicale et réunit une nouvelle fois sa bande de tubistes. Leur harmonie date de longues années et la joie et la force de se retrouver sonnent de grands airs. Il est bon de rappeler le parcours d’un des tubistes mais aussi compositeur majeur qui a donné ses lettres de noblesse à un instrument? trop souvent cantonné à marquer le tempo. Appelé à New York en 1963 par Eric Dolphy, le tout jeune Howard (22 ans) débarque dans la capitale du jazz et se fait remarquer par des compositeurs qui ne cesseront de faire appel à ses services. Ses lettres de noblesses acquises auprès de Charlie Mingus, il se met au service de Gil Evans, de Carla Bley et de tant d’autres patrons de grands orchestres. A noter qu’il ne délaissera jamais le blues et, dès 1971, il est auprès de Taj Mahal. Une carrière exemplaire qui le fait apparaître dans des dizaines d’albums et qui le pousse à monter son propre ensemble. Sans cesse précurseur, il compose et arrange des dizaines de titres et aime puiser dans un répertoire populaire qu’il adapte à ses formations.
Dans ce nouvel opus, les tubas, accordés sur différents tons, sont les rois et chacun a droit à sa partie de bravoure. Il est difficile de comparer entre eux ces mousquetaires du souffle car tous, par leur nom, leurs qualités, leurs expériences, ont contribué à l’histoire de leur instrument. Si Bob Stewart est le seul à avoir vraiment mené aussi une carrière de leader, tous sont des sérieux candidats de l’olympe des cuivres embouchés, des brass gros volumes comme on les appelle. Howard Johnson signe deux des compositions «Testimony» et «Little Black Lucille», rend hommage, à McCoy Tyner, «Fly With The Wind» et «High Priest», à Carole King «Natural Woman» sans oublier le pianiste Bon Neloms avec «Evolution». L’album s’écoute sans temps mort, avec un immense plaisir, du début à la fin, et paraît bien court. L’atmosphère générale baigne dans le blues et l’ensemble revisite les étapes qui marquent sa carrière. L’album se conclue sur «Way Back Home» comme un hymne au retour à la maison de la soul, à l’égal d’un «Sweet Home Chicago». Un final où se succèdent Bob Stewart, Dave Bergeron et Howard Johnson; on remonte le Mississippi jusqu’à Chicago dans une tradition revisitée. Un précieux album qui nous prouve une nouvelle fois que des musiciens, même d’un âge avancé, peuvent nous faire vibre.

Family, Alto Manhattan, I Know That You Know, Body & Soul, Inception, Guess I’ll Hang My Tears Out to Dry, A.M, Holiday, Viva la Famalia
Steve Slagle (as, fl), Laurence Fields (p), Gerald Cannon (b), Bill Stewart (dm) + Joe Lovano (ts, mezzo ss), Roman Diaz (cga)
Enregistré le 6 aôut 2016, Paramus (New Jersey)
Durée: 52'
Panorama Records 006 (www.steveslagle.com)

Malgré une longue carrière de plus de quarante ans, Steve Slagle reste hélas un des altistes contemporains les plus mal connus et dont néglige de plus les qualités de flûtiste. Arrivé à New York en 1976, il est sollicité aux pupitres de grands orchestres,de Machito à Carla Bley, en passant par Woody Herman, Lionel Hampton ou Cab Calloway… et se singularise auprès de Steve Kuhn, Ray Barreto. Au milieu des années quatre-vingt, il se produit avec ses propres groupes –dans lesquels figurent Mike Stern–, il apparaît régulièrement aux côtés de Joe Lovano, et codirige à partir de 2000 le Stryker/Slagle Band. Il enregistre et tourne avec le chanteur brésilien Milton Nascimento et le Charlie Mingus Big Band (quatre albums) où il assure un temps le rôle de chef d’orchestre et d’arrangeur; il travaille même avec Elvis Costello et Dr John. Il revêt souvent son habit de formateur et intervient notamment dans les «clinics» du Thelonious Monk Institute.
Pour son dix-septième album, Steve Slagle a réuni ses fidèles accompagnateurs et invité son ami Joe Lovano sur trois titres. Alto Manhattan est le nom latino de l’Upper Manhattan, cette partie de New York que Steve Slagle appelle sa maison. Une évocation de son quartier à travers des compositions originales, certaines inspirées par la musique cubaine, et des reprises «Body & Soul» ou «Guess I’ll Hang My TearsOut to Dry», thème moins connu de J. Styne et S. Cahn, ainsi qu’un hommage à McCoy Tyner avec «Inception». La totalité de l’album est d’excellente tenue. On soulignera son style envolé qui aime accélérer les tempos. Le groupe est très soudé autour de son patron et les invités, Roman Diaz aux congas et Joe Lovano aux saxophones ténor et mezzo-soprano contribuent de tout leur savoir-faire à la réussite de cet album. Tous les titres recèlent leur propre intérêt et on peut apprécier en particulier les deux derniers où Steve Slagle prouve ses talents de flûtiste. Un excellent artisan qui mérite que l’on s’attarde sur son travail d’orfèvre.

Awo, Plus Plus, Nobody’s Perfect, Sadness, Fox in the Wood, Hey Open Up, A Bacchus, On the Phone
Lionel Martin (ts, as, ss), George Garzone (ts), Mario Stanchev (p), Benoît Keller (b), Rampo Lopez (dm)
Enregistré en mars 2015, St Genis L’Argentière (Rhône)
Durée: 47'
Cristal Records V001/5 (Sony Music)

Madness Tenor, nom en référence à John Coltrane et Sonny Rollins, dont on retrouve la filiation dans les deux premiers titres époustouflants, «Awo», pour Coltrane, et «Plus Plus», pour Rollins. Les deux sax, parfaitement soutenus par un trio dévastateur, célèbrent cette rencontre entre l’Europe et l’Amérique, réunion rendu possible par le Jazz Forum Festival de Stara Zagora en Bulgarie, d’où est originaire Mario Stanchev, le Festival à Vaulx Jazz et le Théâtre des Pénitents de Montbrison. Si on connaît bien dans l’hexagone le travail, les groupes et les expériences multiples de Lionel Martin, Mario Stanchev, Benoit Keller et Ramon Lopez, il est bon de rappeler le rôle de George Garzone, pédagogue émérite et jazzman absolu. Professeur au Berklee College of Music et à la New Scool for Jazz and Contemporary Music, entre autres, il a enseigné à nombre de pointures, tels Joshua Redman, Branford Marsalis,Mark Turner et a joué avec Joe Lovano, John Patitucci, Gary Peacock, Dave Holland ou Dave Liebman.
Son curriculum vitae n’a en rien intimidé la fine équipe qui l’accueille et balaie tout préconcept qui pouvant opposer les musiciens des deux côtés de l’Atlantique. Cet album est un hymne à la liberté, l’entente et la complicité des souffleurs est épaulé à tout moment par la vitalité du groupe qui nous emporte dans un vent violent. Toutes les compositions sont originales mais nous apparaissent déjà comme des titres inscrits dans la mouvance de la musique libertaire, celle puisée aux sources du free jazz. L’album est fort du début à la fin et on ne peut que basculer dans cet univers de bataille d’où jaillit un son de tonnerre. Pas de temps mort, on écoute tous les titres dans une fusion jubilatoire et l’on regrette de n’avoir pu assister en live à un concert face à cette tempête. Nul besoin d’isoler un titre ou une félicitation à un des musiciens, il faut prendre le groupe en bloc et accepter le choc.

When Lights Are Low, Titmouse, Mood Indigo, Lotus Blossom, Blues in My Heart, If Dreams Come True, Key Largo, Cocktails for Two, ‘Deed I Do, Love You’re Not the One for Me
Jean-François Bonnel (as, cl), Chris Dawson (p), François Laudet (dm), Charmin Michelle (voc)
Enregistré en novembre 2015
Durée: 52’
Arbors Records 19452 (http://arborsrecords.com)

Dans un style impeccable, Jean-François Bonnel exprime sa passion pour le répertoire et le musicien qu’était Benny Carter. Jeune étudiant et sans un sou en poche, il monta à Paris pour écouter ce maître et il put assister à un concert en club. Tout juste assis en face de l’orchestre, émerveillé, il n’osa aller saluer le saxophoniste mais resta à jamais marqué par ce souvenir. Ce moment magique le guidera dans sa carrière pour exprimer au mieux l’authenticité du jazz qu’il entend défendre. Jean-François Bonnel n’est plus un débutant. A presque 60 ans, il présente un parcours des plus riches. De ses débuts avec le Hot Antic Jazz Band (qui se produit aux Etats-Unis avec en invités Benny Waters, ts, et Jabbo Smith, tp), à la découverte de Cécile McLorin Salvant, qui se forme dans la classe de jazz qu’il dirige au conservatoire d’Aix-en-Provence, Jean-François, pédagogue et multi-instrumentiste (as, cl, tp, g) mène discrètement une carrière complète.
Pour cet enregistrement, spécial à son cœur, il a invité deux amis d’Outre-Atlantique, Chris Dawson (p) et Charmin Michelle (voc), et le fidèle et excellent François Laudet qui a été son compagnon lors des tournées avec Benny Carter (Saxomania). Les musiciens ont décidé de se priver d’un contrebassiste, laissant ainsi une plus grande place à la rythmique. Le répertoire a été vite choisi: en l’occurrence, les titres préférés de Benny Carter et, en particulier, ceux déjà interprétés par la chanteuse rencontrée au sein du Tuxedo Big Band. Le titre qui sert d’introduction, «When Lights Are Low», est la composition la plus connue de Benny Carter, qu’il écrivit à l’époque où il vivait à Londres; on peut en compter plus d’une centaine de versions enregistrées et celle-ci ne démérite en rien. Charmin Michelle promène avec une justesse extrême sa belle voix sur les versions de «When Lights Are Low», «Mood Indigo», «Lotus Blossom», «Blues in My Heart», «Key Largo», «Love You’re Not the One for Me», apportant son feeling et sa joie qui dynamisent ce beau programme. Les trois autres musiciens, présents sur la quasi-totalité des titres, gambadent allégrement, illustrant de leur talent sobre et élégant un disque bien plus qu’agréable. Il suffit d’écouter «Deed I Do» pour se rendre compte de l’entente qui stimule cette séance en studio. Un bel hommage qui permet de découvrir des musiciens dont le rôle demeure essentiel dans l’échange des générations et la transmission d’une véritable tradition. On ne peut que saluer cette heureuse initiative du label américain Arbors Records qui aux côtés de Bucky Pizzarelli, Al Grey, Bob Dorough, publie ici l’enregistrement un artiste français. Un seul regret, l’intéressant petit livret, signé d’Ed Berger, co-auteur de Benny Carter. A Life in American Music, est disponible seulement en anglais.

Rituel’s Blues, Ne Coupez Pas, En Sortant de l’école, The Jim’s Song, A la bonne heure, Manoir de mes Rêves, One for Ben, Motif, Chuchotements, Valse pour Auguste
Paul Pioli (g), Pierre Fenichel (b), Fred Pasqua (dm)
Enregistré en décembre 2016, Marseille (Bouches-du-Rhônes)
Durée: 52'
Autoproduit 01-2017/AP (www.paulpioli.com)

Bonne surprise venant du sud de la France,le nouvel opus du guitariste marseillais Paul Pioli, Lignes, qui a précédé de peu l’album de l’aixois Jean-François Bonnel, les deux étant de sérieux compères depuis des lustres. Guitariste sachant rester discret, Paul Pioli n’en présente pas moins une carrière de près de quarante ans qui l’a vu s’associer au guitariste Jean-Paul Florens en duo (son premier LP Caramel), au Trio Rituel ou encore à la regrettée flûtiste Dominique Bouzon. Grand admirateur de Wes Montgomery, dont il emprunte le toucher, jouant sur les cordes sans médiator, il a su au fil du temps s’en délivrer en affirmant un jeu plus personnel. Sa grande collection d’albums historiques a nourri sa curiosité, en même temps qu’il s’ouvrait aux guitaristes new-yorkais entendus dans les clubs de la Grosse Pomme ou sur la scène du Cri du Port (le rendez-vous des amateurs phocéens) avec, entre autres, Kurt Rosenwinkel, John Abercrombie,Joe Beck, Ben Monder, Gilad Hekselman… Bon pédagogue, il sait transmettre sa technique et son savoir, et ses cours accueillent de nombreux jeunes (et moins jeunes) musiciens qui veulent parfaire leur éducation jazzique. Entre concerts et cours, le temps passe vite et les rencontres multiples ont forgé un musicien très sollicité, qui tantôt en leader ou en invité, va de scène en scène, le plus souvent sudistes. On peut rappeler les superbes rencontres avec les vétérans américains Tony Pagano, Ben Aronov ou George Brown, ou celles avec la jeune garde en devenir : Thomas Bramerie, Bernard Jean, sans oublier Cécile McLorin Salvant qu’il a accompagnée à ses débuts.
Sur cet album concept, il est épaulé par son groupe régulier qui avec la solidité d’une Cadillac, tient la route tant dans l’accompagnement que dans les moments de soliste. Le répertoire choisi alterne entre anciennes compositions totalement revisitées et de belles découvertes; souvent nostalgiques, elles évoquent d’anciens disparus: «The Jim’s Song», «One for Ben», mais aussi des grands moments de rencontres «En sortant de l’école» (hommage à Prévert?), «Valse avec Auguste». A l’exception de l’éternel «Manoir de mes rêves», de Django Reinhardt, la totalité des titres est signée et arrangée par le leader. Porté par le cours d’un fleuve tranquille, la musique nous guide en toute sérénité dans les méandres de l’univers de Paul Pioli, dont la douceur apparente cache un formidable travail de précision.

Timid Statues, Molenbeek, Inspirit, Wayfare, Releae, Within, Far and Wide, Beyond the Frame, Pasarela, Dreamcatcher, Hideout, Carpe Noctem
Diederik Wissels (p, synth, loops), Nicolas Kummert (ts), Thibault Dille (acc, synth, loops) +Victor Foulon (b), Emily Allison (voc)
Enregistré en octobre 2016, Bruxelles (Belgique)
Durée: 56' 47''
Igloo Records 283 (Socadisc)

Fit, Dim, Far, Wet, Low, Bag, She, Try, Bow, Day, Fog
Claudio Fasoli (ss, ts), Michael Gassman (tp, flh), Michelangelo Decorato (p), Andrea Lamacchia (b), Marco Zanoli (dm)
Enregistré entre janvier et mai 2017, Cavalicco (Italie)
Durée: 56' 12''
Abeat Records JZ 178 (www.abeatrecords.com)

Way to Go Out, September Song, My Heart Belongs to Daddy, My Funny Valentine, Star Eyes, Love for Sale, But not for Me
Gonzalo Tejada, (b), Joaquín Chacón (eg), Chris Kase (tp)
Enregistré le 8 octobre 2011, Bilbao (Espagne)
Durée: 57'
Moskito Rekords 012 (www.jazz-on.org)

Donner en concert sept pièces enregistrées par Chet Baker, tel est le projet du contrebassiste Basque Gonzalo Tejada. Comme pour toute la série «Muestra BBK», il s’agit d’un live. Reprenant le schéma du trio de Chet dans les années cinquante (David Wheat, g, et Russ Savakus, b), le disque parcourt des titres enregistrés par le trompettiste à diverses périodes. L’intérêt est d’avoir donné une unité à tous ces thèmes, les reliant par un fil conducteur, le style de Cris Kase mais aussi la remarquable prestation de Chacón qui apporte une touche très moderne. Dans tous les cas, les deux musiciens bénéficient d’un appui de premier de Gonzalo Tejada. «Way to Go Out» possède un formidable swing impulsé par Kase. «September Song»débute avec l’archet de Tejada et la guitare égrène ses notes derrière la trompette. Magnifique. L’oreille doit s’attacher à écouter la contrebasse sur «My Heart Belongs to Daddy» car un effort est à faire tant les deux autres instruments sont très attirants! Toujours l’archet pour attaquer «My Funny Valentine» et propulser la trompette (applaudissements fournis). La guitare se fait discrète puis termine par un beau solo, ce que propose aussi le contrebassiste. Kase brille encore sur «Star Eyes», tandis que «Love for Sale» est introduit (longuement comme plusieurs autres thèmes) par l’archet. Toutes ces introductions permettent d’apprécier pleinement les qualités de Tejada. Au fil des morceaux on s’aperçoit que Joaquín Chacón est un guitariste sous-estimé. Sur ce thème son solo déchaîne le public! Le concert s’achève sur «But not for me». Les Gershwin n’auraient pu qu’apprécier ces sept minutes de jazz qu’offre le trio, très en osmose et déployant un swing entrainant. Un disque indispensable pour les amateurs de la scène jazz espagnole, au demeurant quasiment introuvable dans les bacs des disquaires.

Intro, El Caminero, El 13 de la Suerte, Alter Ego, Colina, El Republicanón, Fantasía Erótica
Pablo Martín (b), Perico Sambeat (as), Toni Belenguer (tb), Abe Rábade (p), Bruno Pedroso (dm)
Enregistré le 15 octobre 2011, Bilbao (Espagne)
Durée: 1h 11’
Moskito Rekords 015 (www.jazz-on.org)

Basque formé en partie à Vienne mais ancré dans sa terre natale, Pablo Martín est un contrebassiste d’une génération différente de celle de Gonzalo Tejada. C’est un musicien plein d’idées adorant le live, collaborant avec des chorégraphes, des danseuses de danse contemporaine ou de flamenco. Il maîtrise parfaitement la musique dite classique et s’amuse avec Bach. Il a rassemblé pour cet enregistrement, dans la salle BBK Bilbao, les deux Valenciens Perico Sambeat et Toni Belenguer (tb), le Galicien Abe Rábade, formé à la méthode Kódaly dès ses 4 ans, et dont il reste beaucoup de traces dans son jeu créatif. Le batteur est le voisin Portugais Bruno Pedroso.
Cet album, qui a des parentés avec un autre disque de Martín, El Caminero, est un bon disque de jazz alliant swing et dynamisme. Martín, auteur de toutes les compositions –signalons-en la qualité–, offre plusieurs soli, telle l’introduction de «El 13 de la Suerte», un thème qui prend des accents flamenco au détour de quelques phrases. Martín entraîne avec vigueur ses partenaires de la section rythmique, lesquels assurent la permanence d’un bon swing. Les trois compères se connaissent parfaitement pour avoir très souvent travaillé ensemble. De cette section rythmique, Rábade sait jaillir pour exprimer sa propre personnalité dans de bons soli («El 13 de la Suerte») et aussi toute sa fantaisie.Perico –qui parfois s’aventure dans des chemins variés histoire de ne pas céder à la routine– s’exprime ici dans le registre qui nous semble le plus proche de ce qui fait sa force, c’est à dire un jeu straight dans lequel il excelle. Annoncé à l’alto il joue aussi du soprano et de la flûte selon les thèmes. Ses improvisations sont de qualité, notamment sur «Colina» (as), sans doute un thème en hommage à Javier Colina le contrebassiste, également sur «El Caminero» (fl, ss) mais pourquoi restreindre car c’est du bonheur tout au long du disque. Toni Belenguer, souvent partenaire de Sambeat, se hisse à son meilleur niveau pour rivaliser avec le saxophoniste. C’est une réussite. On remarque ses soli sur«El Republicanón», «El Caminero» dans un dialogue avec Perico, «El 13 de la Suerte». La «Fantasía Erótica» ne nous parait pas des plus érotiques! et c’est sans doute le thème le moins attrayant rythmiquement bien que Martín s’y mette personnellement en valeur. Le meilleur titre étant «Alter Ego», sur laquel tous les intervenants s’illustrent en donnant ensemble le meilleur d’eux-mêmes. La plus belle des compositions offertes par Pablo Martín.

Eighty One, Belén, You Don’t Know What Love Is, Verdad Amarga, Assmaudi, Cinco Hermanas
Javier Colina (b), Ariel Brínguez (ss, ts), Albert Sánz (p), Dani García (dm)
Enregistré le 7 octobre 2013, Bilbao (Espagne)
Durée: 1h 06’
Moskito Rekords 016 (www.jazz-on.org)

Five Minute Blues, Never Again, Of a Certain Age*, The Cat Hatter, Do For You?, If You Never Come to Me*, Resolvence of the Old, Weather Forecast, Moxie Inside, Hey-It's Me You're Talking To
Lance Bryant (ts, voc), Christian Fabian (b), Jason Marsalis (dm) + Gates Thomas (kb)*
Enregistré en novembre 2016, Paramus (New Jersey)
Durée: 57’ 59”
Consolitated Artists Productions 1057 (www.christianfabian.com)

Un disque de jazz par des musiciens qui font le corps de cette musique. Pas d’interrogation sur l’origine, il s‘agit d’un jazz direct «mainstream d’aujourd’hui», c’est-à-dire, ayant intégré dans le discours les éléments post coltranien et colemanien (Ornette), avec blues, swing et une belle expression naturelle, joué par des musiciens enracinés «Of a Certain Age». Jason Marsalis est toujours aussi précis, brillant et plus relâché dans ce contexte, d’une belle musicalité qui respire. Son jeu de batterie est vraiment un régal. Le bassiste est dans l’esprit de cette musique, suivant assez souvent le discours linéaire du sax à l’unisson ou en contre-chant, un discours qui pourrait s’apparenter parfois à la postérité colemanienne des années soixante, ante Free Jazz, avec moins de systématisation, de tension, et plus de lyrisme et de qualité mélodique, qui se rapproche aussi de Sonny Rollins dans ses trios sans piano du tournant des années soixante, avec un son moins puissant. Lance Bryant, natif des environs de Chicago, a étudié au Berklee College of Music. Il a fait partie du big band de Lionel Hampton dans les années 1990, a participé au film de Spike Lee, Malcolm X, et a accompagné Jon Hendricks, Wallace Roney, Abdulah Ibrahim, James Williams, parmi beaucoup d’autres… Cet enregistrement est donc original, ancré dans une histoire, sans volonté d’épater, un bon moment de musique par de bons musiciens de jazz dans l’esprit. Le saxophoniste chante sur deux thèmes, d’une voix naturelle, et avec le soutien d’un clavier. Un jazz serein avec des moments plus relevés comme «Resolvence of the Old», un peu plus tendu et de belle facture.

Tous deux professeurs à l'école de jazz «Art Expression», à Saint- Cannat (Bouches-du-Rhône), le pianiste Roger Mennillo –également fondateur et programmateur du beau festival Jazz à Beaupré, ceint en ce lieu enchanteur– et le saxophoniste Ugo Lemarchand publient un hommage à Ben Aronov (1932-2015). Ce pianiste américain a eu son heure de gloire à partir des années soixante à New York, accompagnant Frank Sinatra, Lena Horne, Peggy Lee, et jouant avec Tom Harrel et Lee Konitz ou Zoot Sims, autant dire une «star» en pays aixois où il s'est retiré au début des années 2000. Ami et partenaire de Roger Mennillo, les deux pianistes se sont produits en duo à plusieurs reprises, face à face, chacun attelé à son Steinway, comme lors de l’édition 2007 du festival de Beaupré.
Si le répertoire de cet album est surtout constitué de standards bien connus, il reprend aussi «Béatrice», magnifique ballade de Sam Rivers très peu souvent jouée, et «Blues for Boubs», une très belle composition d'Ugo Lemarchand.La prise de son très soignée, l'entente complice entre les deux musiciens, leur grand sens de l'improvisation et leur goût des surprises et des changements de climat leur permettent d'éviter la monotonie qu'engendrent parfois les duos piano-saxophone et font de cet enregistrement parfait, un modèle à faire écouter dans toutes les écoles de jazz.

Sur sa carte de visite, Ken Schaphorst se présente comme un compositeur, interprète et surtout comme un professeur tenant la chaire du Département d’Etudes Jazz du New England Conservatory de Boston. Il enseigne effectivement la composition, l’arrangement l’analyse et dirige le NEC Jazz Orchestra. Il nous invite à écouter le septième album de son big band pour lequel il a signé toutes les compositions. Renouvellement d’un répertoire pour grand orchestre qui emporte cet ensemble sur la première ligne du front des gros volumes. Fidèles à ces mentors, il leur dédie deux titres, «Blues for Herb» pour Herb Pomeroy et «Take Back the Country» pour Bob Bookmeyer, qui a autant influencé sa musique que Duke Ellington. Aux côtés d’anciens élèves, on retrouve des pointures qui illustrent aussi en leader les pages du jazz actuel. Si l’on distingue les plus connus, tels Chris Cheek, Ralph Alessi, Uri Caine ou Brad Shepik, ils ne font ici que se mettre au service de la collectivité qui illumine un magnifique album digne des grands albums des maîtres du passé. Faire vivre un tel ensemble reste toujours très difficile: si Gil Evans ou Thad Jones/Mel Lewis arrivaient à rassembler des fidèles pour un concert hebdomadaire, la vie et surtout la qualité permanente demande un réel investissement.
L’art du compositeur et du professeur réside ici dans l’alchimie qui permet, au-delà de l’originalité du répertoire, d’apprécier musicien chevronnés et plus jeunes. Et il est fort dommage que nos festivals nationaux refusent constamment de faire la part belle à de tels groupes qui doivent en concert encore mieux s’exprimer. Si tous les titres sont dignes d’intérêt, on retient, en particulier, les trois derniers qui semblent des hymnes aux voyages lointains. «Mbira 2», sonne comme une traversée du Grand Ouest chevauchée par la guitare de Brad Shepik et le trombone de Jason Jackson. «Global Sweat», le plus long titre (9 minutes), dans un soleil saharien, fait vibrer et scintiller les cuivres. Quant à «Descent», il conclue l’album de façon triomphante dans un trilogue laissant le champ libre à Uri Caine, Ralph Alessi et Matt Wilson. Outre ses talents de chef d’orchestre, Ken Schaphorst se révèle, par ailleurs, un trompettiste de haut niveau.

Flowers est le deuxième volume et le pendant du magnifique Beautiful Life, hommage à sa fille assassinée le 14 décembre 2012 dans une école de Newtown dans le Connecticut, sorti en 2014. Si de nouveau, on retrouve sur ce disque un casting all-stars avec, en particulier, la rythmique d’airain de John Patitucci et Jeff Tain Watts, les titres qui composent ce nouvel opus ne brillent pas par la même cohérence stylistique, comme s’il s’agissait d’ébauches de compositions moins homogènes laissées de côté lors des sessions de Beautiful Life. Les morceaux interprétés par Ben Williams et Otis Brown III comportent des aspects plus roots, là où ceux de John Patitucci et Jeff Tain Watts semblent plus «flashy» et démonstratifs. Bien sûr, le timbre magnifique du leader au saxophone ténor et soprano domine l’ensemble d’une superbe incontestable, et il n’est pas question ici de mettre en cause la sincérité d’une musique à ce point empreinte d’émotion et de résilience (mention spéciale au jeu de claviers de Renee Rosnes). Même s’il est toujours difficile de donner suite à un album qui porte l’empreinte de souffrances des plus imposantes jamais éprouvées par un être humain, la volonté de sérénité affichée ici ajoute une tonalité «Christian Music» plus affirmée aux phrasés traditionnellement associés au jazz d’Amérique du Nord, en particulier sur les deux morceaux chantés «Flowers» et «Someday». L’acmé du disque est sans nul doute atteinte avec la guitare de Mike Moreno sur «Something about You». Un album des plus déroutants, mais dont certains titres tracent leur chemin tout doucement jusqu’à nous.

Attention c’est du lourd. Richard Niles, guitariste, compositeur, arrangeur et producteur dirige d’une main de fer cet ensemble tonitruant qui voyage entre jazz et rythm and blues. Dans la pure lignée d’un Blood Sweat and Tears lorgnant vers Frank Zappa, les titres s’enchainent telle une déferlante dans un esprit de fête, proche de la danse. La quasi-totalité des compositions, signées par Richard Niles, sont chantées par une dizaine de voix où chaque soliste fait preuve d’un professionnalisme tout américain. Certains titres pourraient figurer dans les charts radiophoniques mais pourquoi se priver d’une forme très populaire du jazz servi par de bons musiciens. Chaque intervention des solistes, notamment Ed Barker aux saxophones et Richard Niles à la guitare apportent un élément original sur un fond de cuivres parfaitement orchestré. Tout est bien arrangé, on a affaire à des requins de studio qui connaissent leur métier et rien n’est laissé au hasard.
Richard Niles, 65 ans, est tombé tout petit dans la marmite, son père, Tony Romano travaillait déjà pour Frank Sinatra, Bing Crosby, Cole Porter …quant à lui, il est sorti en 1975 du Boston’s Berklee College of Music avec un diplôme en composition. Il gagne ensuite l’Angleterre ou il sera le directeur musical de Cat Stevens et servira plusieurs années à la TV comme arrangeur et chef d’orchestre. On le retrouve comme producteur musical de nombreuses chanteuses; Kate Bush, Kim Wilde, Gloria Gaynor, Anita Baker, Grace Jones ou encore Killy Minogue mais aussi des groupes plus rock tels Depeche Mode. En 1980, il fonde Bandzilla pour interpréter des projets musicaux moins commerciaux mais continue d’assurer ses revenus en travaillant avec des vedettes telles; James Brown, Barry Manilow, Ray Charles, Paul McCartney, Joe Cocker ou Tina Turner mais aussi des boy bands et même Mariah Carey. Côté plus jazz, il a été partenaire de Pat Metheny, Bob Mintzer, Michel Legrand, John Patitucci… Il a enregistré deux albums en tant que guitariste «Santa Rita»(Sanctuary) and «Club Deranged» (Nucool) et il continue d’animer des émissions radiophoniques. AvecBandzilla Rises!!!, second CD du groupe, il signe un véritable album d’un polyvalent de l’industrie musicale qui a su garder une passion pour des escapades rafraichissantes.

Après Idea F et 05, voici le troisième album du XY Quartet publié par Nusica.org, jeune label italien qui en est à sa onzième production. Ce quartet repose sur deux leaders, Nicola Fazzini et Alessandro Fedrigo, fondateurs du groupe, qui se partagent également les compositions, à l’exception de deux morceaux signés par Saverio Tasca. Pour cet opus, ils se sont inspirés des cosmonautes qui ont marqué leur enfance. Ces musiciens sont nés dans les années soixante-dix, la grande époque de la conquête spatiale, et déjà, dans le volume précédent, on trouvait quelque inspiration venue de ces événements. Chaque morceau porte ainsi le nom d’un ou d’une cosmonaute.
La musique du XY Quartet a évolué vers encore plus de dépouillement, mêlant différentes influences contemporaines, qui se font oublier, tant elles sont en osmose, donnant une écriture à la fois riche et reposant sur l’art de la litote. Ces quatre-là sont tout à fait dans le courant qui se dessine chez pas mal de jazzmen italiens, courant qui semble mené par Claudio Fasoli. Tendance qu’on trouve aussi en France chez Oilvier Bogé, par exemple. Musique épurée avec un saxophoniste alto qui joue sans vibrato mais avec un son cuivré, chaud, beaucoup de présence et une belle inspiration. Le vibraphoniste a bien intégré les jeux de Milt Jackson et Gary Burton: un son très pur, du cristal, avec un positionnement harmonique exemplaire. Le batteur est léger, précis, avec de belles attaques franches. Le bassiste joue de la guitare basse, un son qui ajoute au rendu de la formation. On goûtera toutes ces qualités sur «Rakesh» avec un solo du soprano sur une tessiture resserrée, d’autant plus expressive, et un solo de vibraphone inspiré et chauffant. Le quartet fonctionne souvent sur le dialogue sax-vibraphone, comme dans «Malcolm Carpenter», dans lequel répons et unissons vont crescendo. On a une véritable écriture de groupe, avec un son unitaire où pourtant chaque musicien trouve sa propre expression sans empiéter sur l’autre; citons en exemple «Valentina T...», un équilibre parfait.Cet XY Quartet fondé il y a six ans dans le nord de l’Italie, très apprécié par la presse spécialisée transalpine, a déjà un beau passé de concerts.

Les Fils Canouche se sont formés à deux guitares en 2005, puis sous la forme d’un quartet qui a pris sa forme actuelle en 2012. Après quelques six-cents concerts, ils sortent leur quatrième disque. Ils produisent une musique à l’intersection du jazz Django, des musiques balkaniques et de la musique de Piazzola. Ces trois influences, revendiquées, font très bon ménage, avec des musiciens qui possèdent une technique d’aujourd’hui, et s’expriment sans imiter l’ancien. C’est donc un mélange assez savoureux, pas du tout world music, mais une expression contemporaine de la tradition Django.
«Tabadabada» nous vaut une splendide partie de clarinette basse; Samuel Thézé possède un phrasé fluide et véloce avec de belles inflexions. Dommage qu’il ne joue pas plus sur cet instrument. Il est tout aussi brillant sur la clarinette soprano avec un jeu assez marqué Balkans. «Croma Quedan» est une sorte de valse à cinq temps avec un beau partage des quatre garçons. Une autre valse, plus manouche, «Maura Fermand» avec une guitare du côté Django, qui doit être celle de l’invité. Restons dans la valse lente cette fois, mais swing, avec «Beya» jouée avec une grande sensibilité en duo clarinette-accordéon. «Pipeline Theory» nous emmène droit chez Piazzola et son style tango. Retour au swing façon Django avec «Swing in the Bikini», très plaisant. «Youpinouche » clôt de manière virevoltante ce disque où le clarinettiste fait décidemment merveille.
Une belle façon de revitaliser cette forme de jazz.

Pour fêter ses 30 ans d’existence, Label Bleu a proposé à Henri Texier, le musicien qui a enregistré le plus d’albums sous ce label (une vingtaine), une carte blanche. Le contrebassiste a choisi de mélanger de nouveaux musiciens du label, Thomas de Pourquery et Edward Perraud, à de vieux compagnons de musique: Michel Portal, Manu Codja, Bojan Zulfikarpasic. Mélange détonnant et parfaitement réussi pour ce concert enregistré en public à la Maison de la Culture d’Amiens.
Les morceaux sont tous de la plume d’Henri Texier, peu ou très connus, comme «Colonel Skopje», qui démarre sur un bel et long ensemble à l’unisson mettant en valeur cette splendide mélodie, brisée par quelques conciliabules des anches, une sorte d’engueulade qui s’achève sur un solo de batterie qui réconcilie tout le monde. Et «Don’t Buy Ivory Anymore», sorte de valse lente sur laquelle le pianiste et le contrebassiste s’expriment à merveille et avec délicatesse. Des atmosphères différentes, mais toujours le même son d’ensemble et le développement mélodique, atmosphères dans lesquelles le guitariste fait merveille. Que ce soit aux anches ou à la clarinette basse, Michel Portal est dans un grand jour, ainsi qu’au bandonéon sur «Y’a des vautours au Cambodge» qui débute par un long solo de contrebasse avant le chaloupé du bandonéon, à noter l’échange avec la guitare; et le solo à l’alto de Pourquery dans une veine Garbarek, en plus chaud, plus suave. «Desaparecido» nous vaut un délire des saxes, un solo rentre dedans du pianiste. Tous sont au sommet. Le concert se termine par «Noise » sur un rythme des îles; ça sent le soleil, la joie, le bonheur et le plaisir de jouer ensemble, c’est léger, lyrique et dansant. Un disque qui fête en beauté ce Label Bleu et le jazz. Longs et chaleureux applaudissements.

Originaire d'Oakland (Californie), la chanteuse Lisa Lindsley a profité d'un long séjour à Paris pour enregistrer quelques standards de l'American Song Book avec Jeff Chambers, son contrebassiste californien habituel (qui a fait ses classes avec le pianiste et vibraphoniste Buddy Montgomery) et l'appui de musiciens parisiens de grand talent: Mourad Benhammou, Laurent Marode et le Catalan Esaie Cid. Dénué de toute fanfaronnade, le résultat ne manque pas de charme. La voix est claire, bien en place, d'une grande justesse, témoin la version de «When You're Smiling», seulement soutenue par Mourad Benhammou. Pour autant, c'est l'accompagnement, de grande classe, qui fait tout l'intérêt de ce disque qui aurait été parfait dans une version instrumentale...

Bien que sa carrière soit encore peu connue de ce côté-ci de l'Atlantique, voici le vingtième album en leader de l'altiste Jim Snidero (60 ans). A ses débuts, il a tenu un pupitre dans l'orchestre de Toshiko Akiyoshi, tout comme le trompettiste du groupe, le Russe Alex Sipiagin, dans le Mingus Big Band. Le pianiste, Andy LaVerne, leur aîné, est, lui, connu depuis ses aventures avec Stan Getz, Sinatra ou Dizzy Gillespie. Quant aux benjamins de la formation, ils ne manquent pas d'expérience: le contrebassiste Ugonna Okegwo s'est illustré aux côtés de Jacky Terrasson et de Tom Harrell, tandis que le batteur Rudy Royston s'est fait remarquer auprès de Ravi Coltrane et de Branford Marsalis.

Musique «expérimentale»?... Le type de formation (soprano/contrebasse/batterie) le laisse pressentir autant que la réputation de la saxophoniste Jane Ira Bloom de «pionnière des effets électroniques» et de «grande prêtresse» de l'abstraction pour son illustration musicale de tableaux de Jackson Pollock. Pourtant, à l'écoute, aucune violence, aucun excès. On discerne même souvent une construction jazz assez classique (thème-impros- modulations-reprise du thème) et un vrai sens des mélodies. Peu connue du grand public mais adulée par ses pairs (un astéroïde porte même son nom), elle a étudié aux côtés de George Coleman et notamment joué avec Charlie Haden, Ed Blackwell et, en duo, avec le pianiste Fred Hersch. Parfaitement soutenue par deux accompagnateurs «experts», sa musique, bien que très originale, reste attrayante et limpide.