Danger Zone
Introducing

Smokin’, One for CT, In the Still of the Night*, G!, Barron’s Theme, Mind the Tools, Gravy Waltz*, This Is all I Ask, A Night at the Duc, A Boy From Texas°

Alex Gilson (b), Paul Morvan (dm), Björn Ingelstam (tp, voc°), Amaury Faye (p), Michel Pastre (ts), Hetty Kate (voc)*

Enregistré les 12 et 13 avril 2022, Meudon (78)

Durée: 31’17’’

Gaya Music Productions 058 (L’Autre Distribution)

 

Quoi qu’on pense de l’état du jazz, l’enthousiasme de musiciens formés certes dans les conservatoires mais aussi à la réalité de la scène, connaissant l’histoire, le répertoire, jouant un jazz mainstream avec sincérité, sans chercher à réinventer la roue, fait toujours plaisir. Ils n’en sont pas moins créatifs ces jeunes lions des années 2020 qui n’étaient même pas nés à la glorieuse époque où Jack Lang subventionnait généreusement les artistes des scènes dites actuelles qui hurlaient à la ringardise devant les concerts de Cab Calloway ou de Claude Bolling. Justice du temps qui passe, c’est au final leur production discographique «innovante» qui est tombée aux oubliettes.  

Ainsi, le batteur Paul Morvan et le contrebassiste Alex Gilson, la trentaine, ont mûri leur projet pendant la période covid, avec l’envie de jouer sous leurs propres couleurs: Danger Zone, un collectif regroupant des musiciens de la jeune génération (mais pas que) célébrant le jazz des maîtres, d’Art Blakey à Nat King Cole. Le nom du groupe fait référence aux débuts sulfureux du jazz, au temps où il s’épanouissait dans les bordels de New Orleans et les speakeasies de Chicago. Sidemen remarqués notamment auprès de Charles Turner, Champian Fulton, Dmitry Baevsky, ou encore Esaie Cid, Paul Morvan et Alex Gilson sont également depuis juillet 2021 aux manettes de la jam-session du Duc des Lombards. Venu de Rennes, Paul Morvan a été formé au conservatoire et s’est installé à Paris en 2013. La même année, il se produisait à Jazz in Langourla où il avait remporté l’année précédente, avec le quintet de Ludovic Ernault, le tremplin dédié aux jeunes talents. On le retrouve sinon dans le Galaad Moutoz Swing Orchestra et plus récemment dans le quartet de David Sauzay. Originaire de la Marne, Alex Gilson débute à la guitare en autodidacte à 18 ans et fréquente les musiciens manouches, s’essayant également à d’autres instruments: le violon, la batterie, le piano et l’accordéon. A 22 ans, il met fin à ses études d’infographiste pour intégrer une école de musique à Nancy où il commence véritablement à découvrir le jazz et adopte la contrebasse. Puis, diplômé du Conservatoire de Nancy, Alex Gilson commence à participer à des tournées, voyage jusqu'à New York puis rencontre à Paris Laurent Courthaliac qui devient son mentor et le prend comme contrebassiste attitré.

Le duo s’est ici entouré du pianiste Amaury Faye qui évoluait en Belgique ces dernières années, mais qui privilégie actuellement une activité de sideman, notamment en France. Autre trentenaire, le trompettiste suédois, Björn Ingelstam, bien acclimaté désormais à la scène swing parisienne. Michel Pastre, l’aîné de la bande, apporte sa solide expérience et une expressivité toujours aussi puissante et revigorante. Enfin, invitée sur deux titres, l’Anglo-Australienne Hetty Kate participe à la variété de cet album bref (à peine plus de 30 minutes) mais de qualité. Avec un dosage savant entre bons originaux signés des différents membres de l’orchestre et standards, Introducing réussit une belle entrée en matière en maintenant de bout en bout la pulsation jazz. Le paysage musical s’étire entre swing era et bop, avec notamment une évocation évidente et très réussie d’Art Blakey sur «G!» (Paul Morvan) qui nous transporte directement dans les belles années Blue Note. Il s’agit là sans doute du meilleur titre de la série tant par l’intensité rythmique de deux leaders que par les prises de parole, tout en densité et profondeur des deux soufflants, avec un Björn Ingelstam qui ne manque pas ici de nous rappeler Lee Morgan. Au chapitre des hommages, le très dynamique «One for CT» (Björn Ingelstam) fait référence à Clark Terry, tandis que «Barron’s Theme» (Amaury Faye) est dédié bien sûr à Kenny Barron. Côté standards, Michel Pastre expose superbement la ballade de Gordon Jenkins, «This Is all I Ask», tandis qu’Amaury Faye dépose un magnifique tapis harmonique aux pieds d’Hetty Kate, pleine de justesse, sur le gospelisant «Gravy Waltz» (Ray Brown, Steve Allen). Petite curiosité finale, entre country et gospel –avec un Amaury Faye encore ici excellent –, «A Boy From Texas», morceau popularisé par Nat King Cole, sur lequel Björn Ingelstam pose sa voix de crooner. Décidément, on ne s’ennuie pas une seconde! Vite, la suite!

Pepper Adams with The Tommy Banks Trio
Live at Room at the Top

CD1: Three and One, Civilization and Its Discontents, Patrice

CD2: Oleo, 'Tis, Time on My Hands, Stella by Starlight

Pepper Adams (bar), Tommy Banks (p), Bobby Cairns (b), Tom Doran (dm)

Enregistré le 25 septembre 1972, Edmonton, AB

Durée: 54’ 54” et 52’ 03”

Reel to Real 008 (www.cellarlive.com)

 

Il existe par chance une biographie de Pepper Adams (Reflectory: The Life and Music of Pepper Adams, sous-titrée The long-simmering disapointment) écrite par Gary Carner, et si, malheureusement, elle n’est jamais parvenue jusqu’à nous, le seul titre laisse la désagréable impression que les amateurs de jazz sont passés à côté d’un artiste exceptionnel, sous-estimé. Nous sommes sur ce point en accord avec cette opinion, et si sa carrière parle pour lui, ses enregistrements en leader auraient pu être plus nombreux. C’est pourquoi, cette nouvelle exhumation de précieuses bandes de 1972 par les bons soins du producteur Cory Weeds pour ce label canadien de qualité, Reel to Real, dont c’est la vocation, est un cadeau rare fait aux amateurs du meilleur du jazz! Signalons pour mémoire locale (France), qu’en 1977, Gérard Terronès avait aussi eu le flair d’enregistrer Pepper Adams en quartet avec le trio de Georges Arvanitas (Live in Europe, Impro 02). Les écrivains du jazz qui en sont à leur centième ouvrage sur Miles, Bird, Duke ou Trane, etc., accumulation dont la pertinence n’est pas toujours la première qualité, devraient prendre un jour conscience que le jazz est une musique populaire à base large et qu’il y a d’autres belles curiosités à creuser et partager. Pepper Adams en fait partie.

Les lecteurs de Jazz Hot découvrent Pepper Adams au mois de mai 1958 par une photo pour illustrer un remplacement qu'effectue le quintet de Pepper Adams avec Donald Byrd au Half Note de New York. C’est seulement 20 ans après, en décembre 1977, dans le Jazz Hot n°344, dont la couverture et l’article principal sont consacrés au Thad Jones-Mel Lewis Big Band auquel contribue Pepper Adams depuis l'origine, qu’une interview, d’où est tirée une partie des informations qui suivent, annonce que Pepper a l’intention de quitter, sans conflit car il l’aime, ce big band, après 12 années et demie de fidélité, où il a été un soliste de premier plan. La raison en est la réalisation de projets personnels et des opportunités de tournées, en quartet, ce qu’il fera en Europe permettant à Gérard Terronès de l’enregistrer à Bordeaux le 4 novembre 1977. C'est un artiste rare qui parle, avec de belles photos d’une personnalité sympathique en plus d’être un grand artiste.

Né à Highland Park (Detroit), dans le Michigan, le 8 octobre 1930, dans une famille très modeste qui a subi la crise de 1929 et a erré comme beaucoup d’autres à la recherche de travail dans ces Etats-Unis déjà sinistrés, Pepper Adams va connaître Rochester, NY, à partir de 1943 où il écoute l’orchestre de Bud Powell et Cootie Williams comme celui de Duke Ellington, dans le foisonnement de l'âge d'or, tombant en admiration devant les grands orchestres afro-américains et artistes de culture. En 1945 à Rochester, il y rencontre ses inspirateurs, Rex Stewart et Harry Carney, qui l’ont par la suite entouré de leurs conseils et aide. A l’école, il apprend la musique, grâce au soutien maternel (il sait lire à vue dès 7 ans), le saxophone ténor, soprano, le piano et la clarinette. Son environnement musical est dévolu à la musique classique et surtout de jazz, les big bands, les petites ou moyennes formations. Pepper aime le jazz de culture, de la grande tradition afro-américaine, et on l’entend dans le feu de son jeu, dans sa sonorité, son attaque tranchante sur un instrument aussi lourd, son imagination débordante, sa conviction, son expression aussi ancrées sur le blues, le swing et les fondamentaux du jazz. Comme ses modèles, Pepper joue sa vie dans ses chorus, soutient avec respect ses leaders et possède autant de personnalité que de sens artistique pour servir la musique des autres. C’est une autre incarnation parfaite de l’artiste de jazz. Bien sûr, l’écoute et la rencontre d’Harry Carney sont sans doute à l’origine de son choix instrumental, mais il en perçoit aussi de nouvelles possibilités en tant que soliste, et rêve d’en faire un instrument leader, ce qu’il a réussi, ce disque en atteste.

Il n’est pas le seul sax baryton du jazz, mais il est sans doute l’un des rares dans ce registre afro-américain des plus aboutis qui se réalise dans le bebop. Harry Carney sera un compagnon au long cours de Duke Ellington, et Gerry Mulligan, autre grand leader sur cet instrument, son quasi-contemporain (1927), gravitera dans l’esthétique euro-américaine du jazz, une tradition de l’écriture d’un jazz savant moins expressive car plus cérébrale, moins populaire. Cette dimension «jazz de culture», rare pour un Euro-Américain, Pepper l’a acquise en jouant dès 14 ans à Rochester dans des orchestres de dancings afro-américains, devenant «professionnel» (payé) en 1944, six jours par semaine, ce qui le force à quitter la high school où il participait à un orchestre dirigé par un ancien de Jimmie Lunceford (James Smith, tp) tout en apprenant les bases de la culture classique moderne (Debussy, Ravel, Stravinsky…) et en découvrant Don Byas, Bud Powell et Dizzy Gillespie…

A la mort de son père en 1946, la famille retourne à Detroit, MI, «une chance» selon Pepper, car il y a beaucoup de musiciens comme nous l’a raconté Barry Harris. Il y côtoie Kenny Burrell, Tommy Flanagan, Barry Harris, Paul Chambers, Doug Watkins le cousin de Paul Chambers, Donald Byrd… Ces deux derniers sont dans sa formation de 1958 au Half Note. La famille Jones, Hank, Elvin et Thad, sont aussi des amis proches et l’ont toujours soutenu. Dans sa discographie, Pepper a régulièrement enregistré avec Hank Jones, Elvin et Thad de la fin des années 1950 aux années 1980 où il décède. A propos de discographie, il raconte qu’il a enregistré un premier disque sous son nom en 1948, jamais publié, avec notamment Yusef Lateef…

Ce beau monde part progressivement à New York pour acquérir une plus grande notoriété et trouver plus de travail, et c’est aussi le choix de Pepper. Il fait un court engagement avec Stan Kenton en 1955, lors d’un séjour californien où il rencontre, entre autres, Lennie Niehaus, qui lui a dédié une composition («Pepper»), Shorty Rodgers; il trouve parfois des engagements en leader de petites formations au tournant des années 1950-60, et c’est en 1957 qu’il enregistre ses premiers disques en leader. Pepper participe de 1962 à 1964 à l’orchestre Lionel Hampton, à celui de Mingus (1962-66, Blues & Roots). Il a d’ailleurs enregistré sous son nom en 1963 Pepper Adams Plays the Compositions of Charlie Mingus (label Jazz Workshop), avec Charles McPherson, Dannie Richmond et Hank Jones. Il raconte également que dans cette époque, sa sonorité ample qui emprunte aux gros sons des années 1930-40 alors que son phrasé est plus ancré dans le bebop, dérangeait parfois les «modernistes».

Quoi qu’il en soit, c’est au sein du Thad Jones-Mel Lewis Orchestra, qu’il va pendant plus d’une décennie affermir sa réputation de soliste virtuose d’un instrument aussi imposant, contribuant à la réputation et à la sonorité de ce big band qui tourne jusqu’en URSS. Les temps ont changé…

Pepper raconte que ces lundis au Village Vanguard avec cet orchestre, d’abord en répétition, puis devenu une institution prisée des amateurs, ont sans doute sauvé un club qui, des années 1960 aux années 1980, a traversé la tourmente de l’écrasement du jazz par les musiques commerciales. L’orchestre est très modestement payé, mais Pepper, comme d’autres, survivent en assurant des séances de studios quand ils n’ont pas de tournées ou d’engagements. L’horizon s’est à nouveau éclairé à la fin des années 1970 quand Pepper se lance dans une carrière en leader, mais sa vie écourtée en 1986 ne lui a guère laissé de temps.

Les qualités de lecteur, de virtuosité ont fait de Pepper Adams un artiste courtisé par les orchestres, les studios, et si sa discographie n’est pas ridicule avec plus de vingt disques en leader réalisés avec beaucoup de compagnons de Detroit en particulier (les frères Hank, Thad et Elvin Jones, Tommy Flanagan, Donald Byrd, Doug Watkins, Mel Lewis, Jimmy Knepper ,  Jimmy Rowles, Jimmy Cobbs, Teddy Charles, Herbie Hancock, Charles McPherson, Duke Pearson, Benny Powell, Roland Hanna, Ron Carter, Louis Hayes, Billy Hart, George Mraz, Frank Foster, Kenny Wheeler …), ses contributions en sideman sont tout aussi dignes d’intérêt.

Cet enregistrement ramené à la vie par Corey Weeds a été effectué au cœur de sa période avec le big band de Thad Jones-Mel Lewis, dans le cadre d’une institution universitaire canadienne d’Edmonton, à l’Université d’Alberta, le lundi 25 septembre 1972, dans le local des étudiants Room at the Top. Le séjour musical s’est étendu sur une semaine. Les universités offrent en ce temps aux musiciens quelques occasions de compléter leur planning; autres temps.

Ces deux disques retracent ce moment avec un bon son et un livret bien documenté, enrichi d’une contribution par Gary Smulyan (bar, 1956), qui a été en quelque sorte son héritier dans l’orchestre de Mel Lewis, le Vanguard Orchestra, le Dizzy Gillespie all stars Big Band, le Mingus Big Band, le Carla Bley Big Band, et d’un échange avec un baryton plus jeune, Frank Basile (né en 1978).

Pepper Adams y est brillantissime, avec cette qualité d’articulation qui donne une grande fluidité à son discours en dépit d’un son profond et d’une attaque véhémente dans la tradition parkérienne du saxophone, qui a aussi influencé les ténors et les barytons. Le trio de Tommy Banks (1936-2018), un pianiste du cru canadien, est à la hauteur du rendez-vous. Pour l’anecdote, Banks fut également sénateur de l’Etat de l’Alberta de 2000 à 2011.

Le répertoire de six thèmes proches des 20 minutes est constitué d’originaux («Civilization and Its Discontents», «Patrice»), de standards («Time on My Hands», «Stella by Starlight»), de compositions du jazz («Three and One», «’Tis» de Thad Jones, «Oleo» de Sonny Rollins), et il y est partout un grand saxophoniste inspiré.

Pepper Adams a été considéré par beaucoup de ses pairs comme l’un des meilleurs barytons de l’histoire du jazz (Coleman Hawkins, Curtis Fuller, Bob Cranshaw, Phil Woods, etc.) et c’est en ce sens qu’on peut trouver que sa reconnaissance par le public n’a pas été à la mesure de son talent. Sa vie difficile mais passionnée par le jazz depuis sa jeunesse, marquée par un accident stupide qui le handicapa dans les années 1970 et par un cancer qui l’a terrassé en 1986, à 56 ans, ne lui a guère laissé de temps.
Voilà un trésor en live qui suffit à nous rappeler le meilleur de cet artiste de jazz, hors norme sur son instrument, qui se caractérise par une immersion réussie dans la culture jazz au point qu’il a franchi le mur de verre qui sépare souvent l’expression des Afro et des Euro-Américains quant à l’authenticité, la profondeur et la maturité de l'expression, en raison de la différence des niveaux d'expérience qu'évoque James Baldwin (le vécu): il y a dans son jeu une intensité qui ne trompe pas.

Delfeayo Marsalis Uptown Jazz Orchestra
Uptown on Mardi Gras Day

Carnival Time, Uptown on Mardi Gras Day, Big Chief*, Uptown Boogie*, New Suit, All on a Mardi Gras Day, Midnight at the Zulu Ball, Street Parade, Mardi Gras Mambo, So New Orleans! (2023), They All Ask’d for You, Mardi Gras Mambo (For the Jass Cats)*

Delfeayo Marsalis (tb, lead) et selon les titres Scott Frock, John Gray, Mike Christie (tp), Andrew Baham (tp, voc), Terrance Hollywood Taplin, T.J. Norris, Ethan Santos (tb), Gregory Speedo Agid (cl), Khari Allen Lee (as, ss), Amari Ansari (as), Roderick Paulin, Scott Johnson (ts), Roger Lewis, Trevarri Huff-Boone (bar), Arnold Little III (g), Kyle Roussel, Davell Crawford (p), David Pulphus, Jason Smiley Stewart (b), William Mobetta Ledbetter (eb, b), Chris Severin (eb), Herlin Riley, Marvin Smitty Smith (dm), Alexey Marti (cga), Tonya Boyd-Cannon, Glen-David Andrews (voc) + Branford Marsalis (ts, ss)*

Enregistré les 14-15 octobre et 10 novembre 2022, New Orleans, LA
Durée: 55’ 50’’
Troubadour Jass Records 02062023 (dmarsalis.com)

 

Vous êtes déprimé par l’enchaînement bien huilé des crises sanitaire, financière, économique, sociale et de la guerre en Europe? Si votre moral ne tutoie pas les sommets du CAC 40, on vous conseille de suivre l’ordonnance du Dr. Delfeayo Marsalis! De la médecine 100% naturelle from New Orleans à base de swing, de groove, de funk, de blues, de cuivres rutilants, de rythmiques endiablées et de voix rocailleuses comme les fonds du Mississippi. Une fête du Mardi Gras comme il n’en existe qu’à Crescent City! Uptown on Mardi Gras Day célèbre ainsi la culture néo-orléanaise et une nouvelle renaissance de la ville, après les mois d’enfermement –ayant causé l’annulation du Mardi Gras 2021, une première depuis 1979– et d’incurie sanitaire généralisée –la famille Marsalis l’a vécu dans sa chair avec la disparition du patriarche Ellis–, alors même que les plaies laissées par l’ouragan Katrina en 2005 ne sont pas encore cicatrisées et ont encouragé la prédation immobilière.
Durant cette période, Delfeayo, qui, contrairement à ses aînés Branford et Wynton, n’a jamais quitté New Orleans, s’est d’ailleurs mobilisé pour venir en aide aux acteurs de la culture néo-orléanaise native avec la création d’une association, Keep New Orleans Music Alive (KNOMA), destinée à recueillir et distribuer un fonds d’aide d’urgence. Dans le communiqué accompagnant la sortie du disque, il s’en explique: «Grâce à ce travail, j’ai pu interagir avec de nombreux Big Chiefs, Big Queens et tribus indiennes. Cela m'a permis de me rendre vraiment compte de qui sont ces personnes et de leur importance dans la communauté. Bien sûr, nous aimons voir les magnifiques couleurs et les belles plumes, mais ce sont des gens qui ont été des leaders importants dans la communauté pendant la pandémie. Ils préparaient de grandes marmites de soul food et faisaient des rondes, s'occupant des personnes âgées et des infirmes. Un Big Chief m'a dit: "Nous n'avons pas beaucoup, mais nous voulons nous assurer que ceux qui ont moins que nous soient pris en charge". Cet album a été inspiré par les histoires que j'ai entendues des Big Chiefs.» Rappelons que Delfeayo n’a pas attendu le covid pour développer des dynamiques de solidarité avec notamment la création de l’Uptown Music Theatre, en 2000, et sa participation à de nombreuses autres actions pédagogiques.

Avec son Uptown Jazz Orchestra, monté en 2008, Delfeayo Marsalis convie le monde entier au carnaval, se donnant aussi pour mission de répandre les good vibes de New Orleans. A la tête d’un collectif de trente musiciens, dont Branford Marsalis invité sur trois morceaux, le tromboniste revisite les standards du jazz et du blues de Crescent City, agrémentés de quelques (bons) originaux de sa main. La formation ouvre ainsi le défilé façon big band –soutien groovy d’Herlin Riley– avec une composition d’Al Johnson (p, voc, 1939), «Carnival Time» interprétée au chant par le trompettiste Andrew Baham, un habitué du Uptown Jazz Orchestra qui a également signé les arrangements avec le leader. Autre must du répertoire néo-orléanais, «Mardi Gras Mambo» (Frank R. Adams, Chavers Elliott, Lou Welsch) est l’occasion d’un truculent solo de Delfeayo avec sourdine, soutenu par les congas d’Alexey Marti: fermez les yeux, vous êtes aux Caraïbes! Sensation vocale de ce disque, le tromboniste Glen David Andrews (1979), ici chanteur à l’expressivité soulfull, donne un show aux accents gospel sur «They All Ask’d for You» (Art Neville, Ziggy Modeliste, Leo Nocentelli, George Porter Jr.) en vis à vis avec l’excellent Scott Frock (tp) et probablement le très talentueux Davell Crawford (le livret ne détaille pas les configurations changeantes de l’orchestre sur chaque titre). C’est d’ailleurs lui qui introduit vraisemblablement aussi le célèbre «Big Chief» d’Earl King où Branford donne un virevoltant solo de ténor. Autre titre d’Earl King, «Street Parade» offre un autre espace d’expression à Glen David Andrews. Si l’orchestration du disque est majoritairement acoustique, les sonorités électriques (Fender Rhodes, basse) sont également présentes comme sur «Nuit Suit» de Wilson Turbinton (p, voc, 1944-2007) qui nous embarque vers un funk millésimé décennie 1970.

Pour ce qui est des originaux de ce disque, «Uptown on Mardi Gras Day» est chanté par l’énergique Tonya Boyd-Cannon soutenue par Davell Crawford (cette fois crédité) sous les doigts duquel on entend toute une filiation du piano blues new orleans allant de Professor Longhair à Fats Domino, en passant par Henry Butler et Dr. John. On retrouve les deux frères Marsalis sur «Uptown Boogie», une composition au rythme chaloupé où Delfeayo et Branford déroulent chacun une intervention à la hauteur. Autre réussite caractérisant le gumbo propre à New Orleans, la reprise de la chanson «So New Orleans» (présent sur le précédent disque Jazz Party) dont les paroles de Dr. Brice Miller (voc, tp), déclamées dans le style hip hop, expriment la fierté d’appartenir à une ville populaire, aux racines diverses, irriguée par la tradition jazz héritée de Buddy Bolden et Louis Armstrong –laquelle ne saurait être réduite à une attraction touristique–, une ville qui se retrouve aussi autour de son équipe de football américain, les Saints.

Vivifiant comme peu de productions actuelles le sont, Uptown on Mardi Gras Day réunit un panel de talents attestant de la vitalité intacte du phénix néo-orléanais qui rejaillit de feux vaudous du bayou. Un puissant concentré d’énergie et de combativité, revenant à l’essence même du blues et du jazz, souvent perçue à tort dans une dimension ludique d'apparence, car sous les costumes perlés et les colliers bariolés, Delfeayo Marsalis, déjà auteur d’un impertinent Make America Great Again! à la veille de la présidence Trump, offre à ses semblables une musique de résistance.

Dave Burns
1962 Sessions

C.B. Blues, Tali, Something Easy, Secret Love, Straight Ahead, Imagination, Rhodesian Rhapsody, Three-Fourth Blues*, R.B.Q.*, Automation°, Tamra°, Siam°

Enregistré en juin 1962, New York, NY: Dave Burns (tp), Herbie Morgan (ts), Kenny Barron (p), Steve Davis (b), Edgar Bateman (dm)

*Enregistré le 19 février 1962, Chicago, IL: Dave Burns (tp), Al Grey (tb), Billy Mitchell (ts), Bobby Hutcherson (vib), Floyd Morris (p), Herman Wright (b), Eddie Williams (dm),

°Enregistré le 30 octobre 1962, Chicago, IL: Dave Burns (tp), Billy Mitchell (ts), Bobby Hutcherson (vib), Billy Wallace (p), Herman Wright (b), Otis Finch (dm)

Durée: 1h 18’ 44”

Fresh Sound Records 1113 (www.freshsoundrecords.com/Socadisc)

 

Comme le remarque Jordi Pujol, le travail de Fresh Sound de préservation d’une mémoire élargie du jazz est indispensable, unique en son genre. Il ne s’agit ici ni de retrouver un trésor enfoui d’un des grands noms du jazz, œuvre déjà utile et louable, ni de rééditer des albums historiques, avec parfois quelques inédits, autres œuvres utiles à la connaissance du jazz. Non, le travail de Jordi Pujol est de restituer ce tissu dense de créateurs du jazz, de haut niveau, qui pour n’être pas toujours devenu des grands noms du jazz, n’en possèdent pas moins de talent et de créativité, et qui ont apporté cette densité artistique propre au jazz, un art surpeuplé en son âge d’or d’artistes exceptionnels, plus ou moins connus. C’est de cette émulation et de cette densité sans comparaison dans l’histoire artistique de la planète, que le jazz a puisé la force de s’imposer à un pays qui n’en voulait pas, mais plus largement à un monde qui l’a adopté en reconnaissant aussi bien sa force créatrice que son pouvoir de libération, et d’abord des esprits. Fresh Sound Records et Jordi Pujol sont effectivement parmi les rares (le seul?) à explorer, avec ce regard, cette grande base populaire du génie du jazz, né de cette pratique démocratique, dans une époque (1920 à 1960) qui a entrouvert quelques portes et fenêtres à l’air frais de la création populaire avant de les refermer à la fin du XX_^e et au XXI_^e siècles. C’est effectivement le seul producteur actuel à prendre le risque de produire intelligemment de tels albums, comme un vrai amateur et connaisseur du jazz, regroupant ce qui peut l’être avec des éléments de biographies, une vraie recherche, pour nous faire saisir que pour qu’Ellington, Gillespie ou Coltrane existent, il faut aussi ces milliers d’artistes que le jazz a enfantés, et qui ont pu laisser une belle trace par le miracle d’un circuit de production discographique du jazz assez indépendant en ces temps, dont Fresh Sound Records est la queue de comète. Il réactive cette mémoire déjà oubliée pourtant indispensable pour comprendre la première note du jazz, car le jazz est d’abord un état d’esprit, une attitude humaine devant la vie, l’art, la musique.

A l’écoute de l’ignoré Dave Burns (né dans le New Jersey en 1924 et décédé en 2009 à Freeport, NY), trompettiste de haut vol, une sorte de perfection instrumentale dans tous les registres, avec et sans sourdine, qui a côtoyé les Savoy Sultans, Dizzy Gillespie (il fit partie du big band historique de la fin des années 1940 qui se produisit à Paris en février 1948 à la Salle Pleyel), Duke Ellington Orchestra (1949-50), James Moody, Dexter Gordon, Johnny Griffin, Milt Jackson (la liste est très longue), on comprend que la richesse du jazz ne s’arrête pas à l’écoute des grands noms et de quelques enregistrements historiques, par ailleurs nécessaires. Comme le dit encore la fable de La Fontaine aux amateurs de jazz, «Travaillez, prenez de la peine, c’est le fonds qui manque le moins». Dans ce fonds «Dave Burns», regroupant ici des enregistrements parus en 1962 (à l’origine sur labels Vanguard, Argo, Smash, et sous les noms de Dave Burns, Al Grey et Billy Mitchell), Jordi Pujol a sélectionné ces enregistrements avec une pléiade d’artistes de ce début de l’année 1962, encore connus comme Kenny Barron (déjà essentiel en 1962), Bobby Hutcherson, ou déjà oubliés, malgré un vrai talent, comme le leader Dave Burns, splendide de classicisme et de maîtrise expressive, comme le ténor Herbie Morgan, au beau son d’époque (John Coltrane-Hank Mobley), les bassistes Steve Davis et Herman Wright, et à un moindre degré dans l’oubli Al Grey, Billy Mitchell (du velours sur «Tamra»).

Le répertoire est dû à Dave Burns, Kenny Barron, Billy Wallace présents sur ces séances, à Tom McIntosh (le beau «Tali»), à Gene Kee, un arrangeur qui a côtoyé Al Grey et Billy Mitchell, avec en sus quelques standards («Secret Love», «Imagination»).

La musique est une savante alchimie entre le mainstream où a baigné la jeunesse de Dave Burns et le bebop de sa génération, entre la petite formation et l’esprit big band («R.B.Q.»), un témoignage de plus que le jazz est fait de continuité et non de ruptures. Le swing, le blues et une conviction d’époque donnent à ces enregistrements la force de traverser soixante années sans une ride. Les ensembles sont magnifiques, le beau son de Dave Burns éclabousse les thèmes, l’art ne vieillit pas, et c’est aussi à ça qu’on le reconnaît quand on n’a pas assez d’expérience ou de sensibilité pour s’en apercevoir en temps réel.

Une heure de bonheur, d’un jazz de culture sans fard, à découvrir, c’est encore possible sans se noyer dans la médiocrité et la superficialité qui se généralisent en 2023: comme le disait le laboureur à ses enfants, il suffit de creuser le sillon.

John Coltrane
A Love Supreme: Live in Seattle

A Love Supreme, Pt. I – Acknowledgement, Interlude 1, A Love Supreme, Pt. II – Resolution, Interlude 2, A Love Supreme, Pt. III – Pursuance, Interlude 3, Interlude 4, A Love Supreme, Pt. IV - Psalm

John Coltrane (ts, perc), McCoy Tyner (p), Jimmy Garrison (b), Elvin Jones (dm), Pharoah Sanders (ts, perc), Carlos Ward (as), Donald Rafael Garrett (b)

Enregistré le 2 octobre 1965, Seattle, WA

Durée: 1h 15’ 28”

Impulse! 00602438499977 (Universal Music)

 

Voici pour les amateurs nombreux de John Coltrane et de son quartet légendaire, augmenté en cette occasion de Pharoah Sanders, Carlos Ward et Donald Rafael Garrett, «embarqués» à San Francisco, au détour d’une tournée américaine à l’automne 1965, comme rappelé lors de la récente disparition de Pharoah Sanders (cf. Jazz Hot 2022). Après une mémorable tournée estivale européenne (Juan-les-Pins, Paris, Comblain-la-Tour), au cours de laquelle le John Coltrane Quartet a déjà rejoué (Antibes-Juan-les-Pins, John Coltrane-Love Supreme, Esoldun-Ina/France’s Concert 106) la fameuse suite en quatre mouvements, en forme de prêche selon l’héritage familial et plus largement communautaire, un impressionnant ensemble immortalisé le 9 décembre 1964 dans le studio de Rudy Van Gelder (Impulse! AS 77), le quartet de John Coltrane est de retour aux Etats-Unis. Après la naissance de Ravi Coltrane (le 6 août 1965), le quartet reprend la route vers la Côte Ouest où le hasard de la vie d’artiste le remet en contact avec Pharoah Sanders après leur rencontre new-yorkaise (cf. article déjà cité). C’est ainsi que la troupe se retrouve à Seattle, dans l’Etat de Washington, pour une semaine déjà en partie documentée, puisqu’il existe un John Coltrane Featuring Pharoah Sanders, Live in Seattle, enregistré le 30 septembre 1965 (Impulse! AS 9202, cf. discographie de John Coltrane, Jazz Hot n°492), avec le quartet augmenté, où un autre répertoire a été abordé, tout aussi spirituel («Cosmos», «Out of This World», «Evolution») et d’autres prises de ce séjour à Seattle sont réputées «perdues» ou inédites comme «Body and Soul» et «My Favorite Things», «Afro-Blue», avec des formations variables, Donald Garrett y jouant aussi de la clarinette basse.

Le premier enregistrement de A Love Supreme a connu un succès public considérable, très étonnant à sa sortie quand on considère la nature de cette musique, un accueil qu’on n’imagine plus au XXI_^e siècle pour une musique sans complaisance, si intense, aussi exigeante et pénétrante, qui sort littéralement des tripes comme le blues le plus rural, comme le disent, dans Jazz Hot, McCoy Tyner et, dans le livret, Elvin Jones, une expérience spirituelle pour les musiciens comme pour les auditeurs-spectateurs, quel que soit l’endroit où on l’écoute, un bar, un club ou une église. C’était donc un défi, relevé, pour un public peu averti de la réalité afro-américaine de ce temps (aussi bien l’histoire culturelle, la vie quotidienne que l’actualité), au-delà du jazz habituel, mais un public sans doute plus curieux car le jazz est alors encore la grande culture musicale de l’après Seconde Guerre, malgré les débuts du rouleau compresseur de la musique commerciale; John Coltrane Quartet est déjà heureusement une légende, encore contestée mais admise.

La deuxième exposition en live, à ce jour publiée, de cette œuvre de cet été-automne 1965 a été exhumée des archives du saxophoniste Joe Brazil (1927-2008), né à Detroit, MI, qui y organisa une scène jazz dès 1951, et qui a été de longue date un participant de la scène jazz de cette génération. Il a côtoyé la plupart des musiciens de son terroir: Barry Harris, Donald Byrd, Joe Henderson, Doug Watkins, Roy Brooks, Elvin Jones, et tant d’autres! Il faut simplement relire dans Jazz Hot l’hommage à Barry Harris et ce qui concerne cette ville de Detroit si riche pour le jazz. Joe Brazil est un ami de John Coltrane, et il l’accueille chez lui lors de ses passages, en 1961, note le livret.

Grâce donc à Joe Brazil, qui en avait fait profiter quelques amis en privé avant son décès en 2008, on retrouve ici une version en quartet augmenté de trois invités qui vont durablement intégrer la formation de John Coltrane jusqu’à sa disparition, trois musiciens jetés dans le grand bain de cette musique torrentielle mais aussi émouvante, intime, retenue selon les moments, où le quartet est à son apogée expressive, sans plus aucun frein lié à la réalité du spectacle. Le bain est sans doute à la température idéale, car cet enregistrement est aussi bouleversant et majestueux que si les musiciens jouaient cette musique depuis des années. On dit cela malgré les remarques du livret qui détecte une perte de cohésion, remarque qui n’a aucun sens, d’après moi, dans ce type d’expression qui n’exécute pas une partition. Il y a bien sûr un tel fondement, une telle intensité relationnelle entre eux, une telle motivation qu’on peut rationaliser sur les repères communs pour comprendre la rapidité de l’alchimie, et même sur l’apport de volume grâce à cette formation augmentée, ce qui contribue aux moments paroxystiques, mais vu la complexité de l’ensemble, il faut aussi bien se dire que les mots et la raison sont parfois insuffisants pour décrire la création, ce qui se construit dans la durée, un fondement culturel qui plonge ses racines dans les siècles, dans des biographies complexes, dans un vécu aussi riche que dur, dans une histoire complexe en Amérique où le racisme est fondateur. Le jazz dans son ensemble est la pomme d’or d’un long cheminement où la tragédie côtoie l’imagination et la recherche de la liberté. C’est particulièrement sensible dans ce type d’œuvre. Au-delà du leader et de nouveaux arrivants, Elvin Jones, Jimmy Garrison sont simplement extraordinaires, sans doute en transe, car cette dimension intervient dans cette musique, particulièrement en live, ce qui est un des intérêts supplémentaires de ce disque. On ne parlera ni de blues, ni de swing, car le blues est la matière première et le swing, la langue naturelle de ses artistes.

Effectué à l’initiative de Joe Brazil, installé à Seattle depuis 1961 (où il décède en 2008), sur son magnétophone personnel, au Penthouse, un club de Seattle créé en 1962 par Charlie Puzzo, une étape qui vit passer Miles Davis, Aretha Franklin, Wes Montgomery entre autres et qui ferma en 1968, dont on voit la devanture dans le livret, l’enregistrement a été sans doute bien restauré, car le son est correct comme le livret, avec plusieurs textes qui resituent l’événement. La photo de couverture est de Raymond Ross, grâce aux archives de CTS/Images, notre correspondante Cynthia Sesso. A Love Supreme: Live in Seattle du John Coltrane Quartet augmenté est un enregistrement historique, une nouveauté; merci à Joe Brazil et à ceux qui contribuent à cette production, dont l’indispensable Zev Feldman!

Pierre Guicquéro Quartet
Just in Time

Broadway, I'll Be Seeing You*, Goodbye, You 'n' Me, It Could Happen to You, Just in Time*, Conception, Stranger in Paradise, Chloe (Song of the Swamp), Taylor Made

Pierre Guicquéro (tb, voc*), Jérôme Brajtman, François Brunel (g), Dominique Mollet (b)

Enregistré les 3-4 mai 2022, Meudon (92)

Durée: 47’ 54’’

Camille Productions MS102022 (www.camille-productions.com)

 

Huit ans après Back From N.O. gravé avec son PG Projet, Pierre Guicquéro propose un nouveau projet en leader, à la tête d’un quartet à la configuration inhabituelle: trombone (et chant), guitare solo, guitare rythmique (les deux électro-acoustiques) et contrebasse. Le leader, rencontré à l’occasion du concert de sortie, fin janvier, de ce Just in Time au Marcounet, nous en a précisé la genèse: «Au départ, j’avais envie de monter un trio intimiste, plutôt musique de chambre, avec en tête des références comme le trio de Chet Baker avec Philip Catherine et Jean-Louis Rassinfosse, ou Chet Baker avec Gerry Mulligan. L’idée était une formation sans batterie. Et François Brunel m’a suggéré d’ajouter Jérôme Brajtman pour passer au quartet, ce qui donne plus de possibilités de contre-chants, de thèmes. Quand on a formé ce quartet avec une deuxième guitare, on a tout de suite pensé au Ruby Braff-Georges Barnes Quartet, décliné au trombone.»
Chet Baker est encore plus directement convoqué par Pierre Guicquéro qui pour l’occasion s’est fait chanteur sur deux titres: «I'll Be Seeing You» et «Just in Time». Une première pour le tromboniste dont le timbre n’est effectivement pas très loin de celui de Chet. Même si c’est au trombone que Pierre Guicquéro est le plus profond, les parties chantées sont agréables à l’écoute et amènent légèreté et diversité à l’ensemble. La vraie réussite de cet album est d’avoir mené à bien un alliage instrumental où se mêlent l’esthétique west coast, le phrasé à la Jim Hall/Joe Pass –évoqué par Jérôme Brajtman (avec un beau développement sur «Conception»)–, une couleur Django dans l’accompagnement rythmique de François Brunel (bon solo sur «Broadway») et un excellent Dominique Mollet à la contrebasse.

Le quartet de Pierre Guicquéro revisite ainsi, à travers des arrangements très fins, pour la plupart réalisés de façon collégiale, un répertoire de standards et de grandes compositions du jazz dont une superbe version de «Stranger in Paradise» où l’expressivité du trombone de Pierre Guicquéro est particulièrement mise en valeur, relayée par un superbe solo à l’archet de Dominique Mollet enrichi du contre-chant du leader.

Buck Clayton
Complete Legendary Jam Sessions Master Takes

CD1: Moten Swing, Sentimental Journey, Lean Baby, The Hucklebuck, Robbin's Nest

CD2: Christopher Columbus, How Hi the Fi, Blue Moon, Jumpin' at the Woodside, Don't Be That Way

CD3: Undecided, Blue and Sentimental, Rock-A-Bye Basie°, Out of Nowhere, Blue Lou, Broadway, All the Cats Join In, After Hours, Don't You Miss Your Baby*

Enregistré à New York, les

14 décembre 1953: Buck Clayton (tp), Joe Newman (tp), Urbie Green (tb), Benny Powell (tb), Lem Davis (as), Julian Dash (ts), Charlie Fowlkes (bar), Sir Charles Thompson, Freddie Green (g), Walter Page (b), Joe Jones (dm)

16 décembre 1953: Buck Clayton (tp), Joe Newman (tp), Urbie Green(tb), Henderson Chambsers(tb), Lem Davis (as), Julian Dash (ts), Charlie Fowlkes (bar), Sir Charles Thompson (p, celeste), Freddie Green (g), Walter Page (b), Jo Jones (dm)

31 mars 1954: Buck Clayton (tp), Joe Thomas (tp), Urbie Green (tb), Trummy Young (tb), Woody Herman (cl), Lem Davis (as), Julian Dash (ts), Al Cohn (ts), Jimmy Jones (p, celeste), Steve Jordan (g), Walter Page (b), Jo Jones (dm)

13 août 1954: Buck Clayton (tp), Joe Newman (tp), Urbie Green(tb), Trummy Young (tb), Lem Davis (as), Coleman Hawkins (ts), Charlie Fowlkes (bar), Billy Kyle (p), Freddie Green (g), Milt Hinton (b), Jo Jones (dm)

15 mars 1955: Buck Clayton (tp), Ruby Braff (crt), Bennie Green (tb), Dick Harris (tb), Coleman Hawkins (ts), Buddy Tate (ts), Al waslohn (p), Steve Jordan (g), Milt Hinton (b), Jo Jones (dm), Jack Ackerman (tap dance)°

5 mars 1956: Buck Clayton (tp), Ruby Braff (crt), Billy Butterfield (tp), J.C. Higginbotham (tb), Tyree Glenn (tb & vib), Coleman Hawkins (ts), Julien Dash (ts), Ken Kersey (p), Steve Jordan (g), Walter Page (b), Bobby Donaldson (dm), Jimmy Rushing (voc)*

Durée: 1h 08’ 37”, 1h 17’ 22”, 1h 15’ 07”

Essential Jazz Classics 55753 (www.jazzmessengers.com)

 

Le natif de Kansas City, Wilbur Dorsey Buck Clayton (1911-1991), fait partie de la légende de la trompette et du jazz, et ces splendides enregistrements de 1953 à 1956 fleurent bon le Count Basie Orchestra, version «ancien testament» (années 1930), actualisé dans les années 1950: tout et tous ou presque nous rappellent cette formidable machine à swing, made in Kansas City, qui a eu tant d’influence sur le jazz, dans les grandes aussi bien que dans les petites (Nat King Cole, Oscar Peterson…) et moyennes formations, comme ici. Si Buck Clayton est de Kansas City, ce n’est qu’en 1938 qu’il intègre le Count Basie Orchestra sur la recommandation d’Hershel Evans, remplaçant Hot Lips Page, après un séjour, original, de trois années à Shanghaï de 1933 à 1937, interrompu par l’invasion japonaise en Chine. Buck Clayton fait partie de la tradition éclatante de la trompette de Louis Armstrong, et on l’entend encore en 1953 sur le premier thème («Moten Swing»). Il est aussi un artiste du contre-chant et des chorus de trompette avec sourdine.

Ici, comme à la fin des années 1930, la section rythmique avec Freddie Green, Walter Page et Jo Jones, la présence de Charlie Fowlkes, Joe Newman disent clairement que l’ombre de Count Basie plane sur ces séances, parfaitement évoqué au piano par Sir Charles Thompson, Jimmy Jones, Billy Kyle entre autres selon les plages. La présence des gros sons des ténors Coleman Hawkins et Buddy Tate, renforce cette couleur swing de Kansas City, et l’intervention de Jimmy Rushing complète la couleur blues de ces enregistrements comme le répertoire («Moten Swing», «Lean Baby», «Robbin’s Nest», «Rock-A-Bye-Basie», «Jumpin’ at the Woodside», «Blue and Sentimental», etc.).

Dans cet esprit, tout est perfection ici, un vrai régal dans cette synthèse basienne du jazz, avec en dénominateur commun la sonorité magnifique du leader mais aussi de ses invités de luxe, un vrai all stars quelles que soient les dates. On perçoit l’absolue liberté de ces ensembles, où, en raison du format réduit (autour de onze musiciens) par rapport au big band et de la longueur des thèmes (10 minutes à 30 minutes pour le faramineux «Christopher Colombus», ou 20 minutes pour le splendide «The Hucklebuck», longueur impossible à l’enregistrement à la fin des années 1930), en raison aussi de cette formule jam sessions sur un répertoire complètement possédé par chacun –le jazz de culture essentiel– l’ensemble des solistes s’en donnent à chœur joie en terme de blues (omniprésent), de riffs («The Hucklebuck») et d’interventions brillantes du leader et de chacun des invités, connus comme Coleman Hawkins, Al Cohn, ou moins connus comme Julian Dash, Lem Davis, Charlie Fowlkes (chorus monumental sur «The Hucklebuck»), avec toujours au service des solistes cette pulsation si déterminante de Freddie Green ou Steve Jordan, de Walter Page ou de Milt Hinton et du père des batteurs, Jo Jones, dont l’accompagnement de velours, même en big band, souligne le swing-blues aérien à la Count Basie qu’évoque avec maestria Sir Charles Thompson.

Buck Clayton, Joe Newman, Coleman Hawkins, Jo Jones avec Bennie Green, Urbie Green, Benny Powell, Trummy Young, Dick Harris, J.C. Higginbotham –quelle formidable brochette de trombonistes!– avec parfois Ruby Braff et Woody Herman, c’est la garantie d’un sommet de l’expression dans le jazz.

Ce coffret de trois CDs réunit des enregistrements réalisés à l’origine chez Columbia, soit près de quatre heures d’un jazz dans ce qu’il a de plus essentiel.

Terell Stafford (Jazz Hot n°632) compte parmi ces messengers qui perpétuent la transmission du jazz de culture jusqu’aux nouvelles générations. Formé par un disciple et hériter d’Art Blakey, Bobby Watson, le trompettiste enseigne depuis plusieurs années dans de grandes institutions et notamment à Temple University, à Philadelphie, PA, dont il dirige l’orchestre d’étudiants, le Temple University Jazz Band. Ce dernier a plusieurs enregistrements à son actif avec Terell Stafford depuis Mean What You Say (Sea Breeze Vista, 2003) qui avait notamment accueilli Jon Faddis en guest, jusqu’à Covid Sessions: A Social Call (BCM&D Records, 2020), enregistré à distance durant la période du grand enfermement planétaire. L’année suivante, la session qui réunissait de nouveau «physiquement» les musiciens pour graver Without You, No Me, était encore marquée par un protocole sanitaire strict comme en témoignent les photos du livret. Ce dernier projet est un tribute au grand Jimmy Heath, disparu juste avant la crise du covid, le 19 janvier 2020. Terell Stafford avait rencontré le saxophoniste au tournant du siècle, quand ils jouaient ensemble au sein du Dizzy Gillespie Alumni All-Star Big Band et avait conservé avec lui une relation de grande proximité. C’est aussi bien sûr pour la ville de Philadelphie l’occasion de rendre hommage à l’un de ses enfants, issu de cette extraordinaire famille Heath qui a irrigué le jazz à Philly et très au-delà. Deux invités de marque, venant également de cette scène, se sont joints à l’orchestre: Christian McBride et le regretté Joey DeFrancesco dont c’est l’un des tous derniers enregistrements.

Le disque s’ouvre avec un bon original, dynamique avec une dimension blues, «Passing of the Torch» (Passage du flambeau) composé pour l’occasion par l’altiste Todd Bashore, également professeur à Temple University et ancien élève de Jimmy Heath au Queens College, NY. Un thème qui évoque bien sûr cette transmission dont Jimmy Heath a été un inlassable artisan. Autre original réussi, «Bootsie», très swing –du jeune ténor Jack Saint Clair, un ancien élève de Temple–, en hommage à une autre figure de Philly,Bootsie Barnes, également disparu en 2020. Les deux invités ont également amené chacun un thème de leur cru. «The Wise Old Owl» de Chris McBride est dédié à John Chaney (1932-2021), l’ancien entraîneur de football américain de Temple (1982-2006), un personnage charismatique dont l’influence s’étendait au-delà des limites du campus à en croire le livret. Le titre fait référence à la sagesse du coach et à l'animal-mascotte de l’université. «In That Order» de Joey DeFrancesco est tiré de son album Trip Mode (HighNote, 2015). Ce thème mid-tempo aux accents mélancoliques met en avant le bassiste de l’orchestre, Nathan Pence. L’organiste est aux claviers sur ce titre nerveux auquel les cuivres apportent de l’ampleur.

L’œuvre de compositeur de Jimmy Heath n’est pas oubliée avec «Without You, No Me» qui donne son titre à l’album. Ce morceau avait été écrit par le saxophoniste à la demande de Dizzy Gillespie et enregistré à l’occasion de ses 70 ans sur Live at the Royal Festival Hall, London 1987 (BBC Music). Quant au très beau thème «Voice of the Saxophone», il est superbement exposé au ténor par Dylan Band qui rend ainsi hommage à la fois au compositeur et à l’instrumentiste. D’autres grandes pièces du répertoire complètent la set-list: «The Blues Ain't Nothin' (But Some Pain)» de l’organiste de Philly Shirley Scott (1934-2002) interprété avec chaleur et conviction par Danielle Dougherty (voc) qui donne également une version savoureuse de «Please Don't Talk About Me When I’m Gone» (Sidney Clare/Sam H. Stept). Présent sur «I Can't Give You Anything But Love» Chris McBride y développe un long solo tout à fait extraordinaire, faisant sonner sa contrebasse comme un instrument soliste et achevant son intervention par quelques mesures à l’archet. Un grand moment! L’album s’achève sur un «Perdido» (Juan Tizol) haut en couleurs où l’on retrouve les deux invités.

Un bon disque, dont on regrette simplement que le livret ne précise pas plus clairement les noms des compositeurs. Hormis ce détail, on peut louer le souci de Terell Stafford d’honorer avec ses étudiants l’héritage d’un maître, Jimmy Heath, de même que la mémoire d’autres acteurs du Philly Jazz. Quant aux jeunes talents repérés ici, on leur souhaite de s'épanouir dans leur parcours musical et de servir le jazz de culture comme leurs illustres aînés.

Avec Tchavolo Schmitt, c’est l’assurance d’un moment de bonheur authentique, et ce disque nous en propose car le génie de la mélodie du grand guitariste est resté intact après les deux années de silence imposé à la musique. On peut faire confiance à la liberté tzigane pour s’affranchir de ce silence autoritaire et conserver cette poésie populaire qui en fait le prix. Sur le répertoire du jazz de la tradition de Django, on retrouve Tchavolo égal à lui-même, c’est-à-dire chaleureux, direct et poète, dans le cadre d’une rencontre en trio, parfois agrandie par la présence de quelques invités. C’est Edouard Pennes, son contrebassiste sur le disque, qui est à l’origine de cette rencontre enregistrée au Studio Ferber, intervenue après une double soirée au Duc des Lombards. On comprend son souci d’immortaliser ce qui est forcément un grand moment de sa vie musicale et un document de celle de Tchavolo.

Si l’expression du grand guitariste reste aussi simplement virtuose, populaire et vraie, in the tradition, celle de Django, sans servilité, la musique dans son ensemble n’a pas toujours la profondeur, l’attaque et l’authenticité d’autres enregistrements du même Tchavolo Schmitt, comme par exemple le Miri Familia qu’on garde en mémoire. Cela dit pour information, car cet enregistrement témoigne de l’activité d’un grand artiste de la tradition de Django, M. Tchavolo Schmitt, authentique dans tous les contextes.

Allan Botschinsky Quintet
Live at The Tivoli Gardens 1996

CD1: Four, A Song for Anna Sophia, It's You or no One, I Thought About You, What's New, Donna Lee

CD2: What Is This Thing Called Love, All of You, Rhythm-a-Ning, It Might as Well Be Spring, I'll Remember April

Allan Botschinsky (flh), Bent Jædig (ts), Jacob Fischer (g), Jesper Lundgaard (b), Alex Riel (dm)

Enregistré le 6 juillet 1996, Copenhague (Danemark)

Durée: 1h 07’ 36’’ + 1h 08’ 22’’

Stunt Records 22042 (www.sundance.dk/www.uvmdistribution.com)

 

Le bon label danois Stunt Records continue de documenter la vie jazzique de Copenhague en proposant cette fois un enregistrement inédit de 1996 du trompettiste et bugliste Allan Botschinsky (1940-2020). Il y partage la scène avec un compagnon de longue date, le ténor Bent Jædig (1935-2004). Tous deux sont originaires de Copenhague et sont des acteurs importants du jazz au Danemark où ils ont joué et enregistré avec plusieurs grands musiciens d’Outre-Atlantique, à l’occasion de leurs séjours plus ou moins prolongés, notamment avec Thad Jones lorsqu’il dirigeait le fameux Danish Radio Big Band (1977-1978) et dont la trace discographique, avec l’album A Good Time Was Had By All (Metronome, 1978), permet de mesurer l’excellence de cette formation qui comptait alors, outre Allan Botschinsky et Bent Jædig, Jesper Thilo, Niels-Henning Ørsted Pedersen ainsi que d’autres «historiques» de la scène jazz danoise, tels Uffe Karskov (s, fl, 1930) et Bjarne Rostvold (dm, 1934-1989) qui sont autant de passeurs ayant permis une transmission de la pratique et du spiritdes maîtres vers les plus jeunes générations de musiciens scandinaves. Allan Botschinsky et Bent Jædig ont encore en commun d’avoir développé en partie leur carrière en Allemagne.

En effet, Bent Jædig y a résidé dans les années 1950, travaillant notamment avec Peter Herbolzheimer (tb, 1935-2010). Il rentre ensuite au Danemark pour codiriger un quintet avec Bent Axen (p, 1925-2010) qui comprend… Allan Botschinsky. Ils enregistrent ainsi en 1960 Let's Keep the Message (Debut Records). Dans les années qui suivent, Bent Jædig joue aux côtés de Dollar Brand (alias Abdullah Ibrahim) et Don Cherry, Tete Montoliu, Jimmy Woode, Philly Joe Jones, Dizzy Reece… Il grave un premier disque sous son nom (orthographié Jädig), Danish Jazzman (Debut Records), en 1967, toujours avec Bent Axen et Allan Botschinsky, mais également Niels-Henning Ørsted Pedersen et Alex Riel. Dans les années 1970 et 1980, il continue de collaborer avec des jazzmen américains comme Wild Bill Davison, Art Farmer, Stan Getz, et reste actif, également à la tête de ses propres formations, jusqu’à son décès. Preuve de l’étroitesse de sa relation avec la communauté jazz américaine, Charles Davis (ts, 1933-2016) enregistre en 2006 un Plays the Music of Bent Jædig: Our Man in Copenhagen (Fresh Sound).

Quant à Allan Botschinsky, il est le fils d’un joueur de basson professionnel et commence l’étude de la trompette classique à 11 ans. Trois ans plus tard, il entre à l’Académie danoise royale de musique. Il fait ses débuts de jazzman dans le big band de son condisciple Ib Glindemann (tp, 1934-2019), de 1956 à 1959, puis commence une carrière de soliste tout en accompagnant Dexter Gordon, Ben Webster, Stan Getz, Oscar Pettiford, Lee Konitz, Shahib Shihab ou encore Kenny Dorham. Entre 1963 et 1964, il part se former à la Manhattan School of Music et, à son retour, devient un membre régulier du Danish Radio Big Band. En 1985, il s’installe à Hambourg où il se produit à son tour avec Peter Herbolzheimer, ainsi qu’avec l’European Trumpet Summit, en plus de ses propres groupes. Il y fonde, en 1987, un label, M.A. Music, avec sa sœur Jette Botschinsky et son épouse Marion Kaempfert, tout en gravant également des sessions pour d’autres labels comme Storyville, Stunt et Telefunken. A partir des années 2000, sa santé lui rend difficile la pratique de l’instrument, mais il compose, notamment de la musique classique.

Ce Live at The Tivoli Gardens 1996 évoque aussi la mémoire d’un lieu disparu, le Jazzhus Slukeefter, un pavillon du XIX_^e siècle niché dans les jardins du parc d’attractions Tivoli, dédié à l’origine à la chanson populaire et devenu un haut-lieu du jazz à Copenhague où ont notamment enregistré Phineas Newborn, Jr. (Tivoli Encounter, Storyville, 1979, avec Bjarne Rostvold) et Hank Jones (Live at Jazzhus Slukefter, vol. 1 et 2, Storyville, 1983). En juillet 1996, c’était le clarinettiste Jørgen Svare (1935) qui en assurait la direction artistique. Le livret nous apprend par ailleurs que le concert au Slukeefter s’est tenu dans le cadre du Copenhagen Jazz Festival.

Au sein de la section rythmique, on retrouve trois excellents musiciens dont les parcours ont aussi croisé ceux des plus grands. De la même génération que les deux soufflants et partenaire ponctuel, Alex Riel (1940) a poursuivi une carrière plus éclectique, empruntant des passages par la fusion et le rock. Pour autant, dès ses débuts au milieu des années 1960 dans l’orchestre maison du club Montmartre, aux côtés de NHØP avec au piano, selon les périodes, Kenny Drew ou Tele Montoliu, le batteur a eu également l’occasion d’accompagner plusieurs légendes du jazz comme Johnny Griffin, Jackie McLean, Don Byas, Donald Byrd et, bien sûr, Ben Webster et Dexter Gordon dont quatorze enregistrements avec Alex Riel, réalisés entre 1964 et 1976, ont été édités par SteepleChase. On le verra également auprès de Wayne Shorter, Freddie Hubbard, Dizzy Gillespie, Gary Burton, Gary Peacock, entre autres. Le contrebassiste Jesper Lundgaard (1954) figure lui aussi sur le disque live de 1978 avec le DR Big Band de Thad Jones. Sa copieuse discographie –plus de quatre cents titres, avec des musiciens danois ou américains– est éloquente: on y croise Chet Baker, Paul Bley, Tommy Flanagan, Eddy Lockjaw Davis, Horace Parlan, Kirk Lightsey... Il a aussi longuement accompagné Svend Asmussen, tout comme Jacob Fischer (1967). Agé de 26 ans à l’époque de l’enregistrement, le guitariste autodidacte a déjà alors près de dix ans de carrière, dont quatre auprès du grand violoniste danois. Il a également, depuis ses débuts et jusqu’à aujourd’hui, partagé la scène avec Monty Alexander, Art Farmer, Toots Thielemans, Lee Konitz, Harry Allen de même que Scott Hamilton. Pas pressé de se mettre en avant, il a attendu 2008 pour sortir un premier album en leader, Jacob Fischer Trio Feat. Svend Asmussen (autoproduit).

Ce double album s’ouvre avec un solo crépusculaire d’Allan Botschinsky exposant le thème «Four», signé de Miles Davis, dont on perçoit clairement l’influence sur son jeu. Avec beaucoup de sensibilité et l’accompagnement délicat de Jacob Fischer, le bugliste introduit également «A Song for Anna Sophia», une jolie ballade de son cru, qui est d’ailleurs le seul original interprété. L’intervention de Bent Jædig, suave et profonde, répond superbement au leader, achevant de nous convaincre que nous avons ici affaire à deux solistes de haut niveau à l’expressivité remarquable. Partout sur ce disque, le swing est à l’œuvre, portée par une rythmique enthousiasmante dont un Alex Riel très en forme (long solo d’une grande densité sur «I'll Remember April»). Tandis qu’à côté du robuste Jesper Lundgaard, Jacob Fischer déploie ses notes avec finesse et agilité (bonne intervention sur «What Is This Thing Called Love»). Le quintet d’Allan Botschinsky nous offre ainsi deux belles heures de jazz auxquelles la chaleur du live apporte encore un supplément d’âme .

The Tnek Jazz Quintet
Plays the Music of Sam Jones

Unit Seven, Bittersuite, Some More of Dat, Lillie, O.P., Del Sasser, Tragic Magic

Kent Miller (b), Antonio Parker (as), Benny Russell (ts, ss), Darius Scott (p),

Greg Holloway (dm)

Enregistré à Springfield, VA (prob. 2019)

Durée: 38’ 39’’

Tnek Jazz (www.tnekjazz.com)

 

Contrebassiste –et violoncelliste– incontournable des décennies 1950 à 1970, Sam Jones (1924-1981) a fait les belles années du label Riverside avec lequel il a gravé une part importante de sa discographie exceptionnelle, tant par son ampleur que par sa qualité hors du commun, dans les formations de Cannonball Adderley, Thelonious Monk, Bobby Timmons, Blue Mitchell ou en leader. On le retrouve aussi auprès de Dizzy Gillespie, Oscar Peterson, Red Garland, Sonny Stitt ou encore de Cedar Walton dans des séances produites par Blue Note, Prestige, Verve, Muse… Autant dire qu’il est l’une des pièces maîtresses de ces trésors fabuleux qui ont constitué le jazz de culture dans la seconde moitié du XXe siècle. De plus, Sam Jones a laissé une œuvre de compositeur qui compte plusieurs thèmes parmi les plus joués du répertoire jazz.

C’est à un autre contrebassiste, Kent Miller, que nous devons ce tribute à la musique écrite par Sam Jones. Né en 1957 à St. Louis, MO, c’est là qu’il a suivi ses études musicales, ainsi qu’à Kansas City, MO, –un des grands terroirs du jazz– se formant notamment auprès de Wendell Marshall, un ancien de chez Ellington. En 1984, il s’installe à New York où il est engagé par Dave Burns (tp, 1924-2009) tout en prenant des leçons avec Rufus Reid, Ray Drummond puis Ron Carter. Il intègre ensuite le big band de Ray Abrams et les formations de Carl Allen, Chico Hamilton, Lynne Arriale, John Hicks, Stanley Cowell ou encore T.K. Blue. Depuis 1995, il est basé à Washington, DC et parcourt les scènes des environs. Kent Miller a sorti trois albums sous son nom sur son label Tnek Jazz entre 2016 et 2018, des enregistrement en quartet sur lesquels on retrouve déjà les membres de son Tnek Jazz Quintet, tous musiciens expérimentés et de la même génération que le leader, dont l’activité se déploie également sur la Côte Est, entre New York et Washington.

Originaire de Boston, MA et vivant à Baltimore, MD, Darius Scott a débuté au piano après ses études universitaires en découvrant Scott Joplin. Il est, tout comme Kent Miller, membre du quintet de Michael Thomas (tp) qui anime la scène jazz de Washington depuis plus de vingt ans. Natif de la capitale fédérale, le batteur Greg C. Holloway a effectué une première partie de carrière dans les orchestres de l’Air Force. Revenu à la vie civile, il a joué avec Hank Jones, Aretha Franklin, Jimmy Heath, Nnenna Freelon, entre autres. Originaire de Baltimore où il réside aujourd’hui, le ténor Benny Russell a vécu une vingtaine d’année à New York après ses études. Il y a fondé la New York Jazz Association, un ensemble de dix-sept musiciens qui a notamment compté dans ses rangs Tom Harrell, Cecil Bridgewater, Steve Turre et Onaje Allan Gumbs. Il a également occupé diverses fonctions d’enseignant à New York et Baltimore et a été chargé de différents projets culturels comme la célébration des 100 ans de Count Basie en 2004 sous l’égide du Maryland Conservatory of Music. A ces quatre mousquetaires s’ajoute l’altiste Antonio Parker, le benjamin de ce quintet. Né à Philadelphie, PA, et vivant à Washington, il a traversé l’Afrique comme «jazz ambassador» de l’USIA (United States Information Agency) et compte lui aussi quelques belles collaborations avec Betty Carter, Illinois Jacquet, Christian McBride ou encore Roy Hargrove, quatre caractères forts.

L’album démarre sur les chapeaux de roues avec «Unit Seven» –enregistré pour la première fois en 1962 par Sam Jones sur Down Home (Riverside)– dont le swing capte l’oreille immédiatement. La section rythmique, magnifiée par le drive de Greg Holloway, les notes chaloupées de Darius Scott et les lignes de basse de Kent Miller, imprime d’emblée la pulsation tandis que les deux sax exposent le thème avec conviction. «O.P.», qui provient également de Down Home, (mais avait été enregistré par le quintet de Cannonball Adderley sur Plus, dès 1961, comme l’ont révélé les «bonus» de la réédition sur CD dans les années 1980) évoque bien sûr Oscar Peterson auquel le pianiste rend hommage avec un jeu particulièrement volubile. Quant au leader, solide rythmicien, il ouvre le jubilatoire «Some More of Dat» où l’on a tout le loisir d’apprécier son beau son ample et boisé. Chaque titre de ce disque est d’ailleurs un régal, une fête autour d’un jazz d’une superbe expressivité, porté par un groupe qui célèbre avec enthousiasme son art, qui est son bien commun. Autre moment fort, «Del Sasser» –gravé par Cannonball en 1960 (Them Dirty Blues, Riverside)– introduit par le groovissime Greg Holloway, offre un terrain de jeu parfait à l’alto virevoltant d’Antonio Parker et au ténor intense de Benny Russell, également à leur affaire sur la magnifique ballade «Lillie» où Kent Miller intervient avec poésie. Ce disque se conclut sur une composition de Kenny Barron, «Tragic Magic» que le pianiste avait enregistré en 1979 au sein du trio de Sam Jones sur The Bassist! (Interplay).

The Tnek Jazz Quintet offre ainsi un nouveau témoignage de l’extraordinaire vitalité des scènes locales du jazz aux Etats-Unis, notamment sur cette côte nord-est éclipsée, vue de loin, par l’astre new-yorkais, qui pourtant regorge de musiciens de haut niveau depuis le début du jazz. L’autre mérite de cet enregistrement étant de rappeler l’immense talent de mélodiste de Sam Jones dont la mémoire mérite d’être davantage célébrée. Bravo à Kent Miller et ses complices d’en avoir pris l’initiative .

Keith Loftis
Original State

Oak Cliff, Premonition, Fall's Beauty, Brigitte's Smile, The Intangible, Smoke & Mirrors, Wifi Addiction, For The Love of You, Weaver of Dreams

Keith Loftis (ss, ts), John Chin (p), Eric Wheeler (b), Willie Jones III (dm)

Enregistré le 12 juillet 2018, New York City

Durée: 1h 11’ 13”

Long Tong Music 002 (www.keithloftis.com)

 

Même si les notes de livret et le texte de promotion ne le disent pas, ce beau disque est directement inspiré par la musique de John Coltrane, celle qui chez Prestige en particulier explorait les ballades avec déjà cette manière si particulière de faire des arpèges au saxophone ou de tenir la note sans vibrato et avec beaucoup de douceur et d’intensité.

Nul doute que Keith Loftis en a lui-même une pleine conscience, car son «Weaver of Dreams», immortalisé par son grand devancier (1959, Cannonball and Coltrane, Mercury), est non seulement une évocation de l’original, mais elle se termine par une révérence explicite sous la forme de cette fameuse harmonique en double note qui reste la signature de John Coltrane.

Ce n’est pas la seule influence sur le plan musical, mais il y a dans la musique de Keith Loftis qui compose six des neuf thèmes, une volonté certaine de se rattacher à ce courant soulful et intense du jazz post bop. Il possède une belle sonorité et sa façon de s’attarder sur le temps pour apporter les inflexions de ténor et plus d’expression en font un lyrique dans la tradition du jazz de culture.

Né en 1971, il a sensiblement le même âge que le regretté Roy Hargrove avec lequel il partage l’origine texane, puisqu’il est né à Dallas, et avec qui il a étudié à la Booker T. Washington High School of the Visual and Performing Arts; Keith et Roy étaient condisciples. Keith a eu par la suite un beau parcours, puisqu’il a accompagné entre autres Benny Carter, Cedar Walton, Frank Foster, Alvin Batiste, Clark Terry, Ray Charles, Abdullah Ibrahim, Michael Carvin, et bien sûr Roy Hargrove, cela explique sans doute l’authenticité de son expression et ses belles qualités d’instrumentiste.

Mais là ne s’arrêtent pas les curiosités de Keith, puisqu’il a joué pendant 13 ans au Carlyle Hotel aux côtés de Chris Gillespie (p, voc),  et il est aussi investi dans la musique de film (Black Out de Jerry LaMothe, sur la grande panne d’électricité de 2003 à Brooklyn). Il participe avec la chanteuse et éducatrice Ruth Naomi Floy à The Frederick Douglass Jazz Works comme aux projets de Chris McBride, projets qui replacent le jazz au cœur de l’histoire sociale américaine et de l’histoire afro-américaine particulièrement.

Tout cela pour apprécier ce qui fait le fonds culturel d’un artiste de jazz et qui nous vaut cette belle œuvre où il est magnifiquement entouré par John Chin (le pianiste né à Séoul en 1976, Corée), Eric Wheeler (le bassiste né à Washington, DC, en 1980) et l’essentiel Willie Jones III (dm) qu’on ne présente plus (Jazz Hot n°669). On pourrait penser que ce disque est un classique tant il possède les codes de cette expression et qu’il est précis dans ses références.

Le livret nous apprend que l’année 2018 où est enregistré ce disque n’est pas simple pour Keith Loftis qui a perdu son père, et on suppose que cette précision doit avoir sa part dans la profondeur de ce disque. Elle ne s’est pas non plus bien terminée, puisque Roy Hargrove, l’ami de jeunesse, a disparu en novembre. Mais l’année 2018 a laissé cet enregistrement de qualité, sur ce qui semble le label de Keith Loftis.

Du jazz contemporain qui swingue, sur fond de blues et de spiritual, on en a particulièrement besoin en nos temps sans mémoire.

Philip Catherine
75: Live at Flagey

Letter From My Mother, Hello George, Seven Teas, So in Love, Smile, Bluesette, Piano Groove, You Don’t Know What Love is, We’ll Find a Way, Grand Nicolas, Nineteen Seventy Fourths, Mare di Notte, Dance for Victor Part 1 & 2

Philip Catherine (g), Nicola Andrioli (p, kb), Bert van den Brink (p), Bert Joris (tp), Philippe Aerts (b), Nicolas Fiszman (eb, g), Antoine Pierre (dm), Gerry Brown (dm), Isabelle Catherine (voc)

Durée: 1h 18’

Enregistré le 3 novembre 2017, Bruxelles

Outnote Records 636 (https://outhere-music.com/Outhere)

 

Etrange ou opportun? Cet enregistrement live à Flagey à l’occasion du 75e anniversaire de Philip Catherine est publié pour ses 80 ans (27 octobre 2022). Quand on connait le souci de l’auteur de nous laisser des témoignages de qualité, on comprend mieux l’hésitante attente. Est-ce à dire que cette galette-souvenir ne présente aucun intérêt? Que nenni! Il faut aborder l’écoute comme un reportage où la célébration prime sur la reproduction sonore (ambiance caverneuse, mixages approximatifs ou saturés sur «Letter From My Mother»). Pour célébrer son 75e, Philip Catherine avait invité quelques amis et choisi un line-up étonnant avec deux pianos, deux basses et deux batteries: une expérience qu’il a renouvelé en 2022. Voici donc le reflet de cette audace avec ses instants de grâce, mais aussi ses racolages à force d’intros libres, de breaks, de chases, de tempos appuyés…

Discret, Bert Joris sonne en fond de scène comme s’il était gêné d’avoir été choisi («Piano Groove»). Cette présence legato, le guitariste l’avait déjà développée dans quelques enregistrements avec Tom Harrell. Sur «Hello George», les deux pianistes rivalisent en créativité; Bert van den Brink s’élance, puissant, monkien; Nicola Andrioli répond, plus léger, luxuriant; suivent des chases intéressants qui précèdent un solo remarquable de Philippe Aerts et les 4/4 autoritaires du jeune Antoine Pierre. Avec «Seven Teas» on retrouve l’écriture fine et les belles harmonies qui font la signature de Philip Catherine. C’est sur ce troisième thème en vagues montantes et descendantes qu’il lance les deux batteurs et les deux bassistes. Joli solo de Nicola Andrioli ponctué une octave en-dessous par son confrère hollandais. Les mélodies riches de Cole Porter sont appréciées par le guitariste belge («So in Love»). Comment ne pas jouer «Smile» à la suite? Après un clin d’œil à Toots Thielemans («Bluesette»), «Piano Groove» est envoyé fast tempo par Philippe Aerts ouvrant, après un solo du trompettiste sur les chases inspirés des pianistes, un nouveau solo impérial d’Aerts et les 4/4 qu’affectionne Antoine Pierre. Avec «You Don’t Know What Love is», Philip introduit sa fille Isabelle avec sa voix fluette, à la limite du décrochage. Chet’s Mood? Bert Joris, à la trompette bouchée, colorie joliment le velouté de la chanteuse. Changement de registre avec l’accompagnement shuffle de Gerry Brown et la guitare basse de Nicolas Fiszman sur «We’ll Find a Way». Accompagnements qui arrivent en contraste de la guitare réverbérée et des vagues de Nicola Andrioli aux claviers. «Grand Nicolas» ne m’apparaît pas indispensable, pas plus que «Nineteen Seventy Fourths» de John Lee qui nous ramène à la décennie jazz-rock. Avant de conclure, on revient avec bonheur sur la formule quartet (g, p, b, dm) avec «Mare di Notte»: une composition de Nicola Andrioli, sorte d’image des clapotis bleus. En codas: deux lectures du thème-signature de Philip Catherine: «Dance for Victor» avec featuring de Bert Joris (partie 1) et mise en avant de tous les partenaires (partie 2).

Résultat de la carte blanche offerte par Flagey à Philip Catherine: quatorze photographies de soixante ans de musiques partagées, de complicités et d’hommages. Il faut vivre cette écoute avec les oreilles du spectateur .

Brandon Goldberg featuring Ralph Peterson
In Good Time

Authority, Circles, Time, Nefertiti, Monk's Dream, Stella By Starlight, El Procrastinador,

Someone to Watch Over Me, Ninety-Six, Send in the Clowns*

Brandon Goldberg (p), Ralph Peterson (dm), Josh Evans (tp), Antoine Drye (tp)*, Stacy Dillard (ss, ts), Luques Curtis (b)

Enregistré les 20-22 novembre 2020, Astoria, NY

Durée: 1h 06’ 40”

Brandon Goldberg Music BSG 1002 (www.brandongoldbergpiano.com)

 

Le miracle du jazz continue d’opérer quand on écoute ce type d’enregistrement, aussi accompli, qui a pour leader un pianiste d’une quinzaine d’années (en 2020), secondé par des musiciens déjà confirmés, dont le regretté et magnifique Ralph Peterson à qui est dédié ce disque. Il y a encore et entre autres Josh Evans, trompettiste de talent (cf. Jazz Hot n°677), et un très bon Stacy Dillard aux saxophones qui a déjà enregistré en leader quatre albums –à notre connaissance– pour Criss Cross Jazz et Smalls Records en particulier, avec Orrin Evans, Donald Edwards parmi d’autres.

Le leader qui a fait son premier enregistrement (Let’s Play) à 12 ans avec rien moins que Ben Wolfe (b) et Donald Edwards (dm), est certainement un surdoué, mais si l’on se fie à cet enregistrement, c’est aussi un curieux, un savant, épris de jazz, qu’il a étudié et qu’il respecte car rien ne tourne à la démonstration dans ce disque. Tout est dans l’esprit des aînés sans volonté d’imposer son nom ou sa présence, si ce n’est qu’il en est (aussi) le producteur avec comme associé Ralph Peterson, qui introduit cet enregistrement par quelques mots, et qui n’est sans doute pas pour rien dans cette réalisation et dans le chemin choisi par Brandon Goldberg. Brandon est enfin l’auteur original («El Procrastinador») de quatre des neuf thèmes de cet enregistrement, le reste étant des standards ou des compositions du jazz («Nefertiti» de Wayne Shorter, «Monk’s Dream»…).

Nous avons affaire à un phénomène, n’en doutons pas sur le plan de la précocité, à un virtuose sur le plan instrumental, mais après tout il suffit d’écouter pour apprécier de la bonne musique de jazz qui en met en valeur toutes les caractéristiques (swing, blues, originalité comme «Stella by Starlight», poésie…), et de se dire que la maturité n’attend pas le nombre des années; c’est parfois une acquisition qui se manifeste dès les premiers mois après la naissance. Au piano, c’est un vrai régal («Monk’s Dream»), et si on peut déjà parler de miracle, on pourra parler de révélation s’il poursuit son chemin avec un tel respect de la musique de jazz et autant d’originalité. Le jazz n’a pas fini de nous surprendre, c’est la force d’un art dont les racines sont si profondes que même le totalitarisme normalisateur de la société post-covid qui s’installe n’a pas encore réussi à en brûler les racines. Brandon Goldberg pourrait bien mériter un jour son nom en termes artistiques, et c’est tout ce que nous souhaitons pour le jazz. Signalons enfin que Josh Evans, Stacy Dillard apportent à cet enregistrement tout leur engagement, et que la section rythmique est à la fête avec en particulier un Ralph Peterson fondamental!

Le disque se conclut sur un duo intense piano-trompette avec Antoine Drye sur un thème de Stephen Sondheim. Le livret nous apprend à propos de ce thème que le pianiste Benny Green est aussi pour ce jeune homme non seulement une inspiration mais un guide en jazz. Il y a parfois des miracles qui trouvent leurs explications.

Carlos Henriquez
The South Bronx Story

The South Bronx Story, Hydrants Love All, Boro of Fire, Moses on the Cross, Momma Lorraine, Soy Humano, Black (Benji), Guajeo De Papi, Fort Apache, Hip Hop Con Clave,

Carlos Henriquez (b, coro, guiro, rec), Terell Stafford (tp), Michael Rodriguez (tp), Marshall Gilkes (tb), Jeremy Bosch (fl, voc, coro), Melissa Aldana (ts), Robert Rodriguez (p, ep), Obed Calvaire (dm), Anthony Almonte (cga, coro)

Date et lieu d’enregistrement non communiqués

Durée: 1h 03’

Tiger Turn 4164275228 (www.carloshenriquezmusic.com)

 

Dirigé et produit par Carlos Henriquez, contrebassiste connu dans le jazz pour sa participation depuis plus de vingt ans au Jazz at Lincoln Center Orchestra dirigé par Wynton Marsalis, cet enregistrement propose une suite musicale, dans l’esprit ellingtonien, évoquant le quartier de son enfance, le South Bronx, peuplé par la communauté d’origine portoricaine. Il est presque inutile de préciser que cette belle composition en plusieurs tableaux mêle la tradition latine au jazz avec un savoir-faire et un naturel qui s’expliquent par son appartenance à ce quartier de New York, par ses origines portoricaines qui lui ont permis de grandir en écoutant Eddie Palmieri, Tito Puente, Celia Cruz et tant d’artistes de la musique latine, et par son implication dans le jazz depuis de nombreuses années. C’est le troisième enregistrement en leader du bassiste, et il fait suite à un précédent consacré à la rencontre de Dizzy Gillespie et de la musique afro-cubaine (Dizzy con Clave).

Les arrangements pour ce nonet respectent bien sûr les codes de la musique latine mais portent aussi la griffe du gardien du rythme du Jazz at Lincoln Center Orchestra, et bien sûr tout en racontant l’histoire de son quartier avec son accent latin, Carlos Henriquez n’en utilise pas moins les ressources du jazz comme par exemple dans «Black» où il récite cette histoire. On pourrait penser, pour changer un peu, que dans son œuvre de musique latine, Carlos Henriquez utilise la couleur jazz. En fait, la nature même de la composition tire plutôt l’ensemble vers le jazz, et finalement la couleur est plutôt latine comme on peut le constater dans «Guajeo De Papi» ou dans l’hommage au célèbre ensemble-collectif «Fort Apache» de Jerry Gonzalez. C’est donc pleinement une œuvre de jazz car Carlos Henriquez a choisi ici de raconter son histoire, celle de son enfance avec les moyens du jazz, de s’adresser à l’ensemble des Américains dans le langage qui lui est propre sur le plan artistique, le jazz, même si par moment, il retourne à ses racines musicales avec une nostalgie certaine et une véritable fierté car il sait tout ce qu’il doit à cet environnement populaire des rues du South Bronx («Hip Hop con Clave»). La synthèse entre ces mondes est comme une marque de fabrique, et Wynton Marsalis, qui possède aussi quelques-unes de ces racines dans son héritage néo-orléanais, n’est pas le dernier à utiliser cette couleur dans ses univers, et c’est sans doute pour cela qu’il a choisi Carlos Henriquez pour en faire l’une des bases de son orchestre.

Cette fresque a été jouée pour la première fois à Jazz at Lincoln Center en 2018 et a reçu un très bon accueil. Si l’orchestre comprend des musiciens latins de l’univers d’origine de Carlos Henriquez, on remarque également la présence de Terell Stafford (cf. Jazz Hot n°563) et Obed Calvaire, membres du JLCO, de Melissa Aldana, la saxophoniste ténor d’origine chilienne, installée à New York depuis 2005, fille et petite-fille de saxophonistes, qui est la première femme à avoir gagné le concours Thelonious Monk; on note aussi la présence de Marshall Gilkes, un tromboniste qui a fait le bonheur de nombreux big bands (Maria Schneider, Vanguard Jazz Orchestra…) mais aussi d’ensembles de musique latine ou latin-jazz (Machito, Chico O’Farrill, Giovanni Hidalgo…).

Le disque de Carlos Henriquez a évidemment un caractère autobiographique et c’est ce qui fait son authenticité, au-delà de sa bonne réalisation.

La musique de Duke Ellington est une richesse inépuisable ouvrant de multiples possibilités de relectures dont celle proposée ici par Claude Tissendier dont le talent d'arrangeur donne à entendre une orchestration inhabituelle: un duos d’anches combinant, selon les morceaux, sax alto, baryton, clarinette et clarinette basse, accompagnés par une rythmique sans piano, auxquels se rajoute une voix utilisée comme un troisième instrument soliste. Un travail qui se situe dans lignée de son fameux Saxomania, dont le dernier opus, New Saxomania, proposait une configuration comparable. On retrouve d’ailleurs ici les partenaires habituels de Claude Tissendier: l’excellent Philippe Chagne, la solide rythmique tenue par Jean-Pierre Rebillard et Alain Chaudron qui imprime swing et énergie (un régal sur «Smada»), ainsi que la chanteuse Laurence Allison qui intervient sur la plupart des titres dont le choix s'équilibre entre thèmes les thèmes les plus célèbres du partenariat Duke Ellington/Billy Strayhorn et d'autres moins joués.

Le contraste de registre, alto/baryton sur «Take the "A" Train», clarinette/baryton sur «Rockin’ in Rhythm» ou clarinette/clarinette basse sur «On a Turquoise Cloud», sur lequel se superpose la voix claire de Laurence Allison, donne davantage d’ampleur au quintet –qui de ce fait donne l'impression d'une formation plus étoffée–, de relief à l’interprétation et remplit sur le plan harmonique l’espace habituellement occupé par le piano. La sobriété de ces arrangements met superbement en valeur la perfection mélodique ellingtonienne, comme sur «Solitude» où Laurence Allison expose le thème avec le soutien nuancé des deux clarinettes et des balais d’Alain Chaudron. De même, le beau dialogue entre l’alto et le baryton sur «Isfahan», ainsi que «Morning Glory» où raisonnent les mesures profondes de Jean-Pierre Rebillard, mettent en avant les remarquables qualités d’expression de Claude Tissendier et Philippe Chagne.

Une évocation du Duke qui démontre de nouveau le caractère particulier du jazz où chacun peut puiser, chercher, formuler de nouvelles propositions qui viennent enrichir son corpus où d'autres viendront puiser à leur tour. Un savoir-faire à l'ancienne où le patrimoine, loin d'être remplacé, est le matériau même de l'imagination.

Autre all-stars, le Black Art Jazz Collective propose avec Ascension un répertoire bop de haut-vol, entièrement original, à l’exception d’une composition de Jackie McLean, «Twin Towers», sans lien avec le 11-Septembre puisque ce morceau a été écrit dans les années 1990 pour ses étudiants de la Hartt School (Hartford, CT). Ces titres sont principalement soit des tributes aux maîtres, soit des rappels à la Mémoire. Larry Willis est ici de nouveau honoré avec «Mr. Willis» de James Burton III qui y fait une intervention pleine de sensibilité. Le tromboniste (la quarantaine) est, à l’instar de Wayne Escoffery, un ancien élève de la Hartt School, puis de la Juilliard School où il enseigne aujourd’hui. Il est passé par les big bands les plus prestigieux, ceux de Ray Charles, Jazz at Lincoln Center, Lionel Hampton, Roy Hargrove et Count Basie Orchestra. Sensiblement du même âge, Victor Gould a dédié son «Iron Man» bien évidemment à Harold Mabern (Eric Alexander avait écrit pour lui un morceau du même nom, mais sans parenté mélodique, «The Iron Man»). Il a démarré sa carrière avec Donald Harrison, Wallace Roney, Branford Marsalis, Ralph Peterson, Jr., parmi d’autres. Son beau jeu percussif, qui fait également mouche au Fender («For the Kids» de Jeremy Pelt), est en parfaite osmose avec la section rythmique complétée par Rashaan Carter (1986) et Mark Whitfield, Jr. (1990). Formé auprès de Buster Williams, Reggie Workman et Ron Carter, le robuste bassiste a notamment accompagné Wallace Roney, Sonny Simmons, Marc Cary et David Murray. Le batteur, fils du guitariste Mark Whitfield, a tenu les baguettes pour Kenny Garrett, Sean Jones, Charnett Moffett ainsi que Chico Freeman. Il a remplacé Ralph Peterson, Jr. qui nous a quittés dans le quartet de Wayne Escoffery (cf. interview).

Jesper Thilo Quartet
80: Live at JazzCup

Oh Gee!, Body and Soul, Just Friends, If I Had You, Blue 'n' Boogie, Sweets to the Sweet, Tenderly, I Remember April, Memories of You, Like Someone in Love, Stardust, Lester Leaps In/Montmartre Blues
Jesper Thilo (ts, cl*), Søren Kristiansen (p), Daniel Franck (b), Frands Rifbjerg (dm)
Enregistré les 4-5 février 2022, Copenhague (Danemark)
Durée: 1h 16’ 09’’
Stunt Records 22062 (www.sundance.dk/www.uvmdistribution.com)

Jesper Thilo est une figure de la scène jazz danoise. Né à Copenhague le 28 novembre 1941, d’une mère actrice-pianiste et d’un père architecte, il débute à la clarinette à l’âge de 11 ans et, de 14 à 19 ans, joue (aussi du trombone) dans diverses formations de jazz traditionnel. Bien que déterminé à devenir musicien de jazz professionnel, il étudie la clarinette classique à l’Académie danoise royale de musique tout en intégrant, de 1960 à 1964 puis de 1967 à 1974, l’orchestre d’Arnved Meyer (tp, 1927-2007) qui fut le fondateur et l’animateur d’une institution indépendante au rôle central dans la vie jazzique danoise, le Danish Jazz Center (1971-1997). C’est d’ailleurs lui qui convainc Jesper Thilo de passer au saxophone et lui donne l’occasion d’accompagner ceux qui seront ses deux modèles sur cet instrument: Ben Webster et Coleman Hawkins desquels il s'inspire pour sa sonorité ronde et puissante. Benny Carter, Harry Edison et Roy Eldridge compteront également parmi les grands guests de l'Arnved Meyer Orchestra durant cette période au cours de laquelle Jesper Thilo développe aussi une carrière personnelle, cofondant en 1965 un quintet avec Torolf Mølgaard (tb, 1939) et Bjarne Rostvold (dm, 1934-1989). De 1966 à 1989, il est également membre du DR Big Band (Danish Radio Big Band), notamment sous la direction de Thad Jones (tp, 1923-1986), entre 1977 et 1978, lequel finira ses jours à Copenhague. Dans les années 1980, on entend également Jesper Thilo aux côtés d’Ernie Wilkins (s, 1922-1999) –autre musicien américain qui a passé ses dernières années au Danemark–, de Will Bill Davidson (cnt, 1906-1989) et de Niels Jørgen Steen (p, 1939), un ancien «collègue» de chez Arnved Meyer. Depuis, Jesper Thilo se consacre principalement à ses propres formations et continue de bâtir une solide discographie rythmée par des rencontres prestigieuses avec Kenny Drew (Swingin' Friends, Storyville, 1980), Clark Terry (Tribute to Frog, Storyville, 1980), Harry Edison (Jesper Thilo Quintet Featuring Harry Edison, Storyville, 1986), Al Grey (Al Grey & Jesper Thilo Quintet, Storyville, 1986), Sir Roland Hanna (This Time It's Real, Storyville, 1987), Hank Jones (Jesper Thilo Quintet Feat. Hank Jones, Storyville, 1991), Tommy Flanagan (Flanagan's Shenanigans, Storyville, 1993), Johnny Griffin (Johnny Griffin and the Great Danes, Stunt, 1996), Alvin Queen (This Is Uncle Al, Music Mecca, 2001), Ken Peplowski (Happy Together, Nagel Heyer, 2002) ou encore Scott Hamilton (Scott Hamilton Meets Jesper Thilo, Stunt, 2011).
Sur ces deux albums, Jesper Thilo se produit avec son quartet habituel, doté d'une bonne rythmique. Le pianiste Søren Kristiansen (1962) s’inscrit dans la tradition d'Oscar Peterson et vient d’ailleurs de sortir un album intitulé The Touch: Plays the Music of OP & NHØP (Storyville). Outre Jesper Thilo, il accompagne depuis de longues années une autre grande personnalité de la scène danoise, Jørgen Svare (cl, 1935) et a également eu l’occasion de jouer avec des légendes telles qu’Harry Sweets Edison, Al Grey, Clark Terry, James Moody et Art Farmer. Le bassiste suédois Daniel Franck (43 ans), installé au Danemark depuis 1997, a à son actif une consistante discographie en sideman et a cumulé les collaborations de dimension internationale: Joey Calderazzo, Kenny Werner, Kirk Lightsey, Jonathan Blake, Benny Golson, Scott Hamilton, Kurt Elling, Tootie Heath, Eric Alexander… Son frère, Tomas, est saxophoniste ténor. Enfin, le batteur Frands Rifbjerg (1964) a étudié au Kongelige Danske Music Conservatory avec Thad Jones et poursuivi sa formation à New York. Il a notamment accompagné Clark Terry, Horace Parlan et Phil Woods. Au vu du parcours des protagonistes, les conditions étaient largement remplies pour donner deux très bons enregistrements, d'autant que le répertoire joué, pour l’essentiel des standards, est irréprochable.

Swing Is the Thing a été enregistré en 2019 au studio The Village Recording de Copenhague. Il débute sur une superbe version de «Just Friends», introduit par les roulements de batterie du subtil Frands Rifbjerg qui maintient la pulsation swing de bout en bout de l'album. Jesper Thilo expose le thème avec une magnifique fluidité. Le langage parlé ici est indéniablement celui du jazz de culture, tel que les grands musiciens européens sont capables de le porter, avec engagement, swing et vitalité. Outre le dialogue particulièrement dynamique entre le ténor et la batterie sur ce premier titre, on peut également apprécier le jeu très aéré de Søren Kristiansen qui donne lieu à de belles interventions, notamment sur «I'll Never Be the Same» qui compte un chorus mettant en valeur la sonorité charnue et tout en reliefs de Daniel Franck. Le reste du disque est du même tonneau, y compris lorsque le quartet donne à entendre une version jazzée d'un classique de la chanson danoise, «Det Var En Lørdag Aften (It Happened One Saturday Night)» qu’on pourrait attribuer sans peine à Cole Porter! Le titre «Nature Boy», propose une émouvante interprétation livrée par Jesper Thilo à la clarinette, avec sa fille, Rebecca Thilo Farholt, invitée sur ce morceau.
80: Live at JazzCup est le souvenir discographique des concerts donnés pour les 80 ans de Jesper Thilo au club JazzCup. On y retrouve les mêmes qualités que sur le disque précédent, avec un Jesper Thilo d'une remarquable intensité dans l'expression, soutenu avec énergie par sa section rythmique, tout aussi convaincante dans ses prises de parole en solo. Ici la chaleur du live ajoute encore au plaisir de la musique, servie avec maestria, d’un suave «Body and Soul» jusqu’au blues fiévreux de «Blue 'n' Boogie» et «Montmartre Blues» qui clôt l’album. On y trouve aussi une autre version de «Just Friends» avec un supplément d'âme dû à la scène. 

Jesper Thilo est l’un des grands du jazz en Europe et nous rappelle l'enracinement de la scène jazz en Scandinavie. Il ne faut pas se priver d’en découvrir la richesse.

Randy Napoleon
Rust Belt Roots

S.O.S.*, When They Go°, Grant's Tune*, The Man Who Sells Flowers°, Beaux Arts*, Jean De Fleur°, Sunday Mornin'°, Doujie°, The Tender Gender°, The Presence of Fire°, Listen to the Dawn*, Lyresto°, Wes Like°, The Man Who Sells Flowers
Randy Napoleon (g), Xavier Davis*, Rick Roe° (p), Rodney Whitaker*, Paul Keller° (b), Quincy Davis*, Sean Dobbin° (dm)
Enregistré les 28 mai et 3 juillet 2018, Ann Arbor, MI
Durée: 1h 15’ 32’’
OA2 Records 22193 (www.originarts.com)

Nous avons découvert Randy Napoleon à l’occasion de l’hommage que Jazz Hota rendu à Freddy Cole lors de sa disparition en juin 2020.
Né en 1978 à Brooklyn, NYC, Randy a grandi à Ann Arbor, MI (à proximité de Detroit), et fait ses premiers pas sur scène au sein du Ann Arbor Pioneer High School dirigé par Louis Smith. D’autres musiciens de la région ont également contribué à le former et à lui permettre de forger son identité musicale. En 1999, Randy Napoleon s’établit à New York et commence à tourner avec Benny Green (2000-2001), le Clayton-Hamilton Orchestra (2003-2004) et Michael Bublé (2004-2007). Dans la foulée, il démarre sa collaboration avec Freddy Cole auquel il restera fidèle jusqu’à son décès. Depuis 2013, il est revenu vivre dans le Michigan pour enseigner à l’université. Rust Belt Roots (allusion à la «ceinture de rouille»: les Etats industriels des Grands Lacs en déclin) est son septième album sous son nom. Il y rend hommage à trois guitaristes majeurs, tous originaires du Midwest: Wes Montgormery (Indianapolis, IN), Grant Green (St Louis, MO) et Kenny Burrell (Detroit, MI). Le répertoire choisi est majoritairement puisé parmi leurs compositions (avec un titre de Buddy Montgomery (p,vib), le plus jeune frère de Wes), le reste provenant de bons originaux signés du leader.

L’enregistrement de l’album s’est fait en deux temps, avec deux rythmiques distinctes mais tenues par des musiciens venant tous du Michigan. On connaît Xavier Davis en particulier pour sa participation au big band de Chris McBride et au Black Art Jazz Collective. Son frère batteur, Quincy, a accompagné notamment Tom Harrell, Benny Green et Hank Jones. Tandis que Rodney Whitaker était dans les groupes de Marcus Belgrave, Terence Blanchard et Roy Hargrove. On retrouve ce premier ensemble sur le morceau d’ouverture, le très dynamique «S.O.S.» (Wes Montgomery) que le guitariste introduit avec une vélocité et des accents dans l'esprit du grand Wes. Le groove de la section rythmique se manifeste également sur «Beaux Arts» (Buddy Montgomery) avec un Randy Napoleon tout en subtilité et élégance comme sur «Listen to the Dawn» (Kenny Burrell).

La seconde équipe est constituée de deux figures de la scène jazz du Michigan, parmi celles qui ont accompagné les débuts du jeune Randy Napoleon: le pianiste Rick Roe enseigne depuis plus de trente ans à l'université et en cours privés, tandis que Paul Keller, parmi d’autres activités, dirige son propre big band tous les lundis à Ann Arbor depuis 1989. Tous deux ont environ la soixantaine, et ils ont eu l’occasion de jouer avec des musiciens de dimension internationale, à l’instar du batteur Sean Dobbins (1975), qui se produit régulièrement avec ses Modern Jazz Messengers et son Organ Quartet. Tout aussi swinguant, ce second quartet met en valeur plusieurs beaux thèmes: le pétillant «Doujie» (Wes Montgomery), l’intimiste «The Tender Gender» (Kenny Burell) ou le réjouissant «Sunday Mornin'» (Grant Green) avec un bon solo blues de Paul Keller. Randy Napoleon y déploie un jeu imprégné de la tradition de la belle guitare de jazz, alliant une virtuosité certaine à l'indispensable couleur blues qui confirme le sous-titre du disque: «Plays Wes Montgomery, Grant Green & Kenny Burrell». On prend également plaisir à écouter les titres de son cru, comme la jolie ballade «The Man Who Sells Flowers», en solo à la fin du disque. Entre énergie bop, swing et soulfullness, Randy Napoleon porte avec ses complices un jazz in the tradition d'une belle facture.