Sylvia Howard
Luv U Madly

Secret Love, Love You Madly, Sunny, Wouldn’t It Be Lovely, But Beautiful, Slow Dancing With the Blues, L.O.V.E., When Did You Leave Heaven, Beautiful Friendship, You’ve Changed, Someone to Watch Over Me

Sylvia Howard (voc), Pierre-Olivier Govin (as, ss, bar), Olivier Hutman (p, kb), José Fallot (b), Etienne Brachet (dm)

Enregistré du 3 au 5 janvier 2023, Courcité (Mayenne)

Durée: 48’ 31’’

Sergent Major Company 344 (Plaza Major Company)

 

Sylvia Howard est un diamant brut, à la voix d’une expressivité rare qui a émergée du plus profond de la culture afro-américaine et dont le talent naturel a été poli et enrichi par les années et les épreuves de la vie (cf. son interview dans Jazz Hot n°683). C’est ce qui fait la personnalité musicale de Sylvia, pas diva pour un sou, simplement vraie, sortant ses tripes sur chaque note. L’époque étant peu favorable aux personnalités indociles et à l’âme nomade –comme Rasul Siddik qui l’avait aidée à son arrivée à Paris, au début des années 2000– Sylvia Howard n’a pas eu les faveurs des grandes maisons de disques et a peu enregistré: son précédent album, le superbe Time Expired (Blue Marge), remontant à 2016… On se réjouit donc de l’initiative de José Fallot, bassiste et programmateur de la saison Jazz au Chesnay Rocquencourt (JACP), qui a proposé à la chanteuse d’effectuer une session avec une approche «plus contemporaine» des standards et des musiciens partageant cet état d’esprit. Aux saxophones, Pierre-Olivier Govin est passé par le Big Band Lumières de Laurent Cugny, l’ONJ de François Jeanneau puis celui d’Antoine Hervé, a cofondé le groupe Ultramarine avec Mario Canonge mais a aussi accompagné LaVelle et Lucky Peterson. A la batterie, on retrouve un autre partenaire régulier de José Fallot, Etienne Brachet dont le parcours éclectique l’a mené entre jazz (Biréli Lagrène, Mike Stern, Ronnie Lynn Patterson), blues-rock, gospel (Linda Hopkins) et musiques du monde. Enfin, le quintet est complété au piano par le solide Olivier Hutman dont la liste des collaborations atteste d’une carrière bien remplie: Christian Escoudé, Barney Willen, Steve Williams, parmi beaucoup d’autres, jusqu’à Denise King, amie et consœur de Sylvia.

La voilà donc en condition pour faire son miel de quelques grands thèmes du jazz avec un orchestre qui swingue impeccablement («Love You Madly») mais qui sait aussi être efficace sur les parties funky («Sunny») et sur le blues où Sylvia Howard excelle («Slow Dancing With the Blues», un régal). Mais c’est sur les ballades que la grande Sylvia donne le plus d’intensité, comme «When Did You Leave Heaven», bien servi par la section rythmique, tandis que pour les deux derniers titres, José Fallot fournit à la chanteuse un accompagnement épuré à la contrebasse (très beau «You’ve Changed») avant de la laisser conclure l’album a capella sur un magnifique «Someone to Watch Over Me» qui paraît émerger du chœur gospel d’une église.

Il serait temps que les responsables de majors et de grands festivals se débouchent les oreilles et se rendent compte du trésor qu’ils négligent. Mais on ne se fait guère d’illusion sur l’ordre de leurs priorités entre la trinité marketing-mode-rentabilité et la diffusion au plus grand nombre d'un art profond.

Ahead 844.2 (Socadisc)

François Laudet aime les big bands et doit en partie sa vocation de batteur à Sonny Payne qui tenait les baguettes chez Basie quand il eut l’émerveillement d’assister à un concert du mythique orchestre en 1973 (cf. ses interviews dans Jazz Hot n°509 et n°573). Et c’est au début des années 1990 que François Laudet réalisa son rêve de monter son propre big band avec un premier album consacré au répertoire de Buddy Rich: My Drummer Is Rich (1993, Big Blue). On peut également signaler qu’il remplaça en 1997, le temps d’une tournée européenne, Butch Miles au sein du Count Basie Orchestra –sous la direction de Groover Mitchell– avec un invité de marque qui n’était autre que Benny Carter... Quant au présent enregistrement, il a près de vingt ans puisqu’il fut capté au club de l’Hôtel Méridien (anciennement Jazz Club Lionel Hampton) en avril 2004, au cours de deux soirées comprises dans un «festival big band» mitonné, pour le centenaire du Count, par Jean-Pierre Vignola qui édite aujourd’hui ce live inédit sur son label. C’est l’occasion de se rappeler qu’à cette époque le grand hôtel de la Porte Maillot ouvrait régulièrement sa scène aux big bands –dont celui de Claude Bolling qui y passait chaque mois– et proposait également une excellente programmation blues. Mais ça, c’était avant…

Cet enregistrement du big band de François Laudet sous l’égide de Basie met en lumière un de ses collaborateurs de renom, Sammy Nestico (1924-2021) qui écrivit des thèmes et des arrangements pour le Count de 1968 à 1983 (cf. discographie détaillée de Count Basie sur cette période dans Jazz Hot Spécial 2003). La disparition de Sammy Nestico en janvier 2021 a sans doute participé à la décision de François Laudet de sortir ces bandes des cartons. Le leader lui rend par ailleurs hommage dans le livret. L’intégralité du répertoire joué ici, composé et orchestré de la main Sammy Nestico, provient donc directement de sa fructueuse association avec le pianiste de Kansas City. «Basie Straight Ahead», extrait de l’album du même nom (Dot Records, 1968) –que Laudet signale dans le livret comme une référence–, en marque les débuts. Ce morceau met en évidence le soutien très dynamique de la section rythmique –on en n'attendait pas moins– avec une Carine Bonnefoy qui imprime le swing sur chaque note, un Pierre Maingourd aux robustes lignes de basse et un François Laudet dont le drive tire tout l’orchestre. Six autres thèmes sont issus du même album: «Fun Time», «The Queen Bee» (superbe solo du toujours profond Patrick Bacqueville), le très swinguant «Switch in Time», «That Warm Feeling» (belle introduction puis solo de Nicolas Peslier), «Hay Burner» et «Magic Flea» où François Laudet nous régale de son drumming vrombissant, Thomas Savy et Nicolas Montier de leurs solos véloces et nerveux. De l’album Basie Big Band (1975, Pablo), on retrouve: «The Heat’s On» (autre titre mené à un train d’enfer par François Laudet), «Tall Cotton», «Freckle Face» (intervention tout en subtilité de François Biensan); de l’album Prime Time (1977, Pablo): «Ya Gotta Try» avec toujours le drive très énergique du batteur. Enfin, «All My Life» (à ne pas confondre avec le standard de 1936 de Sidney D. Mitchell et Sam H. Stept, même s’il en reprend les trois premières notes), n’a jamais été enregistré –à notre connaissance– par le Count Basie Orchestra mais certainement joué en concert puisque la partition publiée vers 1971 l’indique. A ce titre, le big band de François Laudet nous propose ici une forme de reconstitution en live, dans l’esprit Nestico-Basie, de ce thème qui fut d’ailleurs enregistré par d’autres big bands.

Nicolas Montier
Jazz Circus

Mad Madec Blues, Huuuu, She Winked at You, Paris sous la neige, Panama Waltz, Knock Knock Knock, Eclipse, Piece of Chance, Melancholy Dandy, Claude & Nathalie, J’ai deux amours*, Le Cirque de Caracas°

Nicolas Montier (as, ss), Patrick Bacqueville (tb), Shona Taylor, Michel Bonnet (tp), Marc Bresdin (as, cl), Matthieu Vernhes (ts, cl), Christophe Davot (g, sifflet, voc*), Jacques Schneck (p), Pierre Maingourd (b), Vincent Frade (dm) + Françoise Codol (récitante)°

Enregistré live le 27 octobre 2022, Petit Journal St-Michel, Paris

Durée: 53’ 02’’

Ahead 845.2 (Socadisc)

 

Proposer un disque de middle jazz avec un répertoire exclusivement original, ou presque, peut passer pour un pari audacieux face aux montagnes de chefs-d’œuvre laissées par Duke Ellington, George Gershwin ou Cole Porter. Il est vrai qu’en matière de composition il est salutaire que les musiciens conservent un premier réflexe d’humilité. Pour autant, s’interdire d’offrir au public des œuvres personnelles constitue l’excès inverse de ceux qui ne jurent que par la composition dite créative, d’autant qu’elle-seule est subventionnée, quelque soit son intérêt! En revanche lorsque la composition s’ancre dans la mémoire collective pour l’enrichir, on est bien dans l’esprit du jazz, un collectif où chacun puise et apporte davantage que par un ersatz parfois mécaniste, parfois à contre-sens, donc sans esprit-jazz. C’est bien ici ce qu’a réussi Nicolas Montier avec son collectif: de vraies mélodies écrites par Patrick Bacqueville et Michel Bonnet et lui-même, des arrangements soignés, une belle mise en place d’ensemble avec ses échappées de chorus.

Ce Jazz Circus tient en effet ses promesses de festivité d’autant que la chaleur du live –au Petit Journal, où nous avions découvert ce projet quelques mois avant l’enregistrement– conforte ce sentiment de générosité et de partage qu’inspire la musique de Nicolas Montier. Disons-le d’emblée, à nos oreilles le meilleur thème est «Paris sous la neige» (Montier), une superbe ballade, très blues, que chaque soliste enrichit de son intervention, Montier et Bacqueville en tête, pleins de profondeur. De la graine de standard! Blues again: «Mad Madec Blues» (Montier) est introduit par un Jacques Schneck toujours subtil, rejoint par le reste de l’orchestre qui fait affluer l’énergie. Dans le registre swing, le tempo rapide de «She Winked at You» (Montier) entraîne les musiciens à un degré d’intensité supérieur. Le titre «Claude & Nathalie» (Montier) se situe dans le même esprit, tenu par le drive solide de Vincent Frade. On se laisse également porter avec plaisir par les couleurs latines de «Panama Waltz» (Bonnet-Montier) tandis que sur son «Piece of Chance», Patrick Bacqueville est au sommet de sa forme! La thématique du cirque est directement évoquée avec le titre final, «Le Cirque de Caracas» (Michel Bonnet) où la musique est mêlée à un récit raconté par la comédienne Françoise Codol. Seule reprise de l’album (d’ailleurs légèrement en-dessous des plages précédentes), «J’ai deux amours» est chantée par Christophe Davot sur des paroles quelque peu modifiées.

Avec sa troupe de saltimbanques chevronnés, Nicolas Montier nous fait redécouvrir le lien entre les arts populaires du cirque et le jazz, quand les roulottes allaient à la rencontre d'un public pas encore colonisés par les écrans et les réseaux a-sociaux.

Esaie Cid
La Suite audonienne

Cressé Mambo, La Bibliothèque du Marquis, L’Abbé Machiavelli, Boigues le dépeceur, Chevauchée Fantôme à rue Dhalenne, ...Et comme fait une coquette..., Rue Charles Garnier, Le Bain de Dadon, René (Je te rembourse mardi)

Esaie Cid (as, cl), Benjamin Dousteyssier (bar, ss), Alex Gilson (b), Paul Morvan (dm)

Enregistré en juin 2022, Draveil (Essonne)

Durée: 38’ 45’’

Swing Alley 046 (www.freshsoundrecords.com/Socadisc)

 

Après avoir exploré une part méconnue du patrimoine jazz sur les deux volumes de son Kay Swift Songbook, Esaie Cid nous revient avec une œuvre originale et très personnelle consacrée à la ville de Saint-Ouen-sur-Seine où il s’est établi il y a plusieurs années. Cette Suite audonienne (épithète relatif à cette commune) esquisse, avec l’humour, la fantaisie et la culture savante qu’on connaît à cet amoureux de Balzac, un tableau historique, à travers l’évocation de personnages et de lieux (souvent disparus) emblématiques –également décrits dans le livret–, de cette ville populaire située au nord du périphérique parisien. Pour cet album, l’altiste s’est adjoint le baryton Benjamin Dousteyssier qui à l’époque où se montait le projet habitait lui aussi Saint-Ouen; formé au Conservatoire de Toulouse et au CNSM de Paris, il est impliqué dans différentes formations comme le Ulmaut Big Band avec Pierre-Antoine Badaroux, Post K et Paris Swing Collectif consacrés au jazz mainstream. Quant à la rythmique, elle est aux mains de la paire Alex Gilson-Paul Morvan qu’on a récemment entendue sur son Danger Zone.

C’est donc à la tête d’un quartet pianoless qu’Esaie Cid déroule cette Suite qui s’ouvre sur le chaloupé «Cressé Mambo» inspiré de «La Marche de la cérémonie des Turcs» que Lully écrivit pour Le Bourgeois gentilhomme de Molière. C’est d’ailleurs au grand-père maternel du dramaturge, Louis Cressé –qui possédait une maison à Saint-Ouen–, qu’est dédié ce thème. Swinguante ballade emmenée par la clarinette et le soprano, soutenu par les lignes de basse d’Alex Gilson, «La Bibliothèque du Marquis» fait référence au Marquis de Sade qui trouva quelques temps refuge à Saint-Ouen. Il reste de ce séjour un procès verbal de 1797 qui détaille les biens du marquis et décrit sa bibliothèque… Toujours bien rythmé, «L’Abbé Machiavelli» est consacré au fondateur de la nouvelle église de Saint-Ouen à la toute fin du XIXe siècle, époque à laquelle la commune avait multiplié par dix le nombre de ses habitants sous l’effet de l’industrialisation, et l’Eglise souhaitait regagner du terrain dans ce foyer ouvrier où circulaient les idées révolutionnaires. Sur un tempo rapide, comme le galop d’un cheval, «Chevauchée Fantôme à rue Dhalenne» rappelle, avec une pointe d’onirisme, l’existence d’un hippodrome abandonné en 1917. Le titre «...Et comme fait une coquette...» est quant à lui tiré d’un vers du poème Promenade à l’Ile Saint-Ouen-Saint-Denis d’Auguste de Châtillon (1808-1881) ainsi joliment mis en musique sous la forme d’une élégante ballade. Autre bon thème, au dynamisme bop, qui conclut cette œuvre, «René (Je te rembourse mardi)» retrace le souvenir d’une figure contemporaine du quartier Garibaldi, René, qui y faisait la manche et disait invariablement à ceux qui lui donnaient une pièce: «Je te rembourse mardi». Un morceau plus en phase avec la réalité populaire de Saint-Ouen alors que son ancrage jazz, avec ces célèbres Puces, haut-lieu de la tradition Django, n’est étonnamment pas évoqué dans cette Suite plus encline à raviver la mémoire du charmant village des XVIIe et XVIIIe siècles. Esaie Cid ayant proposé en mars dernier au Sunset, lors de la présentation du disque, quelques inédits, un second volet de cette Suite offrira peut-être un autre éclairage sur l’histoire de Saint-Ouen.

For Tune 0147092 (store.for-tune.pl)

Ce live, capté juste avant le covid, est le dernier enregistrement connu laissé par le regretté Rasul Siddik dont vous pouvez lire l’hommage de Jazz Hot. Il prend place au 12 on 14 Jazz Club, l’un des derniers sanctuaires du jazz à Varsovie, depuis emporté par la frénésie d’enfermements qui a frappé une partie de la planète entre 2020 et 2021. On doit ce témoignage musical au label For Tune qui développe depuis dix ans un catalogue éclectique avec une thématique jazz entre post-bop, free et musiques improvisées au sein de laquelle on trouve quelques jazzmen américains comme Charles Gayle ou Ed Cherry venus à la rencontre de leurs homologues polonais. Ce Contemplation vient ainsi après Liberator (For Tune, 2016), dans lequel le ténor Borys Janczarski accueillait Steve McCraven en coleader et déjà Rasul Siddik en sideman. Ce bon saxophoniste, émule de Joe Henderson, est né à Varsovie le 23 mars 1974 et a effectué des études de droit en France tout en y travaillant l’instrument avec Jean-François Bonnel, Olivier Temime, Eric Barret et Lionel Belmondo. De retour en Pologne, Borys Janczarski a eu pour professeur le trompettiste Piotr Wojtasik (1964), puis à partir de 2002, il a monté ses propres formations, notamment avec le batteur Kazimierz Jonkisz (1948), une institution du jazz polonais, qu’on retrouve sur ce disque.
Ce dernier a été primé à 18 ans au festival Jazz nad Ordra de 1967 –mis en œuvre depuis 1964 à Wroclaw par l’Association des étudiants polonais (son organisation s’est professionnalisée à partir de 1989)–, un des nombreux événements qui atteste de la vitalité du jazz dans la Pologne communiste (cf. Le jazz à l’Est au temps du Communisme). Kazimierz Jonkisz a accompagné les principaux jazzmen polonais –Tomasz Stanko (tp), Michał Urbaniak (vln), Adam Makowicz (p)– et a commencé à se produire avec son propre quintet en 1980 (Jazz Jamboree Festival, Varsovie). Il a aussi partagé la scène avec des musiciens de renommée internationale comme Al Cohn, Eddie Henderson, Amina Claudine Myers, Kevin Mahogany ou encore Roy Hargrove. A la contrebasse, Michal Jaros appartient à la même génération que le leader (il est né en 1976). Il a suivi un cursus classique et jazz (Académie de musique de Katowice) et a eu l’occasion depuis les années 2000 d’apparaître en sideman dans de nombreuses formations polonaises. 
Ces trois solides partenaires offrent un bel espace d’expression à Rasul Siddik sur des compositions du jazz correspondant bien à l’univers musical du trompettiste qui signe également un original, «Dedication». Le duo ténor-trompette porte une complainte profonde («Contemplation» de McCoy Tyner) dont l’intensité atteint un sommet sur la prise de parole de Rasul qui résonne comme un cri étranglé. Celui-ci sait aussi se servir de sa voix pour susciter encore l’émotion sur le superbe «Witchi Tai To» de Jim Pepper, une incantation entre douceur et âpreté, à l’image de sa personnalité musicale. L’énergie et le swing sont également présents avec un Rasul à la trompette bouchée sur «Complete Communion» (Don Cherry) et un Borys Janczarski tout en rondeur, soutenus par la frappe sèche de Kazimierz Jonkisz. Tandis que Michal Jaros offre un solo plein de relief sur «Self-Portrait in Three Colors» de Charles Mingus.
Cet ultime enregistrement de Rasul Siddik met en valeur la palette expressive du trompettiste, tantôt volcanique, tantôt méditatif et toujours ancré dans le blues. Peut-être qu’il participera à réévaluer aux yeux et aux oreilles du public et des «critiques» la place qu’occupe dans la scène post-coltranienne ce musicien qui avait tracé son chemin artistique et de vie dans une certaine marginalité .

Dave Stryker
Baker's Circle

Tough, El Camino*, Dreamsong, Everything I Love, Rush Hour, Superstar, Baker's Circle*, Inner City Blues*, Love Dance, Trouble (No. 2)
Dave Stryker (g), Walter Smith III (ts), Jared Gold (org) McClenty Hunter (dm), Mayra Casales (perc)*
Enregistré le 11 janvier 2019, Paramus, NJ
Durée: 57’ 17’’

The Dave Stryker Trio
Prime

Prime, Lockdown, Captain Jack, Hope, As We Were, Mac, I Should Care, Deep, Dude's Lounge
Dave Stryker (g), Jared Gold (org) McClenty Hunter (dm)
Enregistré le 23 octobre 2020, Paramus, NJ
Durée: 57’ 52’’

CD2: Sleepy, I Go for That, Sleepy, Never Kiss and Run, Sleepin' Bee, Don't Like Goodbyes, Old Country, Slowly, Opportunity, Never Will I Marry, My How the Time Goes By, Hooray for Love, Skylark, Royal Garden Blues, Twelfth of Never, Love Is a Bug, Bewitched, The More I See You, I Can't Give You Anything But Love, Accentuate the Positive, Yes Indeed, Please Send Me Someone to Love, Sweet Georgia Brown, Am I Blue?
Billy Henderson (voc) avec:
• Charlie Rouse (ts) Quintet (avec Julius Watkins, flh, Hank Jones, p, Wilbur Ware, b, Philly Joe Jones, dm)
• Horace Silver (p) Quintet (avec Donald Byrd, tp, Junior Cook, ts, Gene Taylor, b, Louis Hayes, dm)
• Jimmy Smith (org) Trio (avec Ray Crawford, g, Donald Bailey, dm)
• Ramsey Lewis (p) Trio (avec Eldee Young, b, Isaac Holt, dm)
• Benny Golson (lead) Jazz Octet (avec Booker Little, tp, Bernard McKinney, tb, euph, Yusef Lateef, ts, Wynton Kelly, p, Paul Chambers, b, Jimmy Cobb, dm)• Bobby Bryant (tp) Octet (avec Benny Powell, tb, Billy Mitchell, ts, Frank Wess, ts, Charlie Fowlkes, bar, Gildo Mahones, p, Bob Cranshaw, b, Al Duncan, dm)
• MJT +3 (avec Willie Thomas, tp, Frank Strozier, as, Harold Mabern, p, Bob Cranshaw, b, Walter Perkins, dm)
• Jimmy Jones (lead) Orchestra (détail non communiqué)
• Richard Evans (lead) Orchestra (détail non communiqué)
• Thad Jones (lead) Orchestra (avec Nat Adderley, Clark Terry, Snooky Young, tp, Jimmy Cleveland, Benny Powell, Bill Hughes, tb, Marshal Royal, as, Billy Mitchell, Frank Foster, Frank Wess, ts, Charlie Fowlkes, bar, Tommy Flanagan ,p, Freddie Greene, g, Milt Hinton, b, Elvin Jones, dm)
• Tommy Flanagan (p) Quartet (avec Freddie Green, g, Milt Hilton, b, Elvin Jones, dm)
• Riley Hampton (lead) Orchestra (avec Paul Serrano, Sonny Turner, tp, John Avent, tb, Edde Harris, Cliff Davis, ts, McKinley Easton, bar, Eddie Higgins, p, Joe Diorio,g, Rail Wilson, b, Al Duncan, dm)
• Eddie Higgins (p) Trio (avec Richard Evans, b, Marshall Thompson, dm)
Enregistré entre avril 1958 et le 25 avril 1961, New York, NY, Hackensack, NJ, Chicago, IL
Durée: 1h 18’ 33’’ + 1h 18’ 27’’
Fresh Sound Records 1127 (www.freshsoundrecords.com/Socadisc)

Le chanteur Bill Henderson (19 mars 1926, Chicago, IL–3 avril 2016, Los Angeles, CA) compte parmi ces protagonistes du jazz dont le temps a estompé la trace, tout du moins en Europe. Dans sa démarche de réactivation de la mémoire, Fresh Sound lui consacre cette anthologie correspondant au début de sa carrière discographique, une réédition au livret bien documenté signé Jordi Pujol. William Randall Henderson débute sur scène dès l’âge de 4 ans, le temps d'un show avec l’accordéoniste Phil Baker. Sa mère ne souhaitant pas qu'il poursuive l'expérience, il reprend une scolarité classique, mais toujours attiré par le spectacle, il participe au lycée à des pièces de théâtre et des comédies musicales en amateur, avant de poursuivre sa formation dans une école de musique. A l'issue, Bill Henderson intègre l’armée –probablement à la fin de la Seconde guerre mondiale– qui le fait tourner comme «entertainer» à travers les Etats-Unis et en Europe. Démobilisé en 1952 et de retour à Chicago, il entame une carrière de chanteur de jazz, ce qui n’est pas sans difficultés à cette époque où la musique de consommation de masse (le rock & roll) inonde les radios pour mettre à bas le jazz et les musiques populaires (chanson, tango, etc.). Bill Henderson partage ces débuts modestes avec Ramsey Lewis en compagnie duquel il travaille la journée chez un disquaire et joue le soir au Sutherland Lounge.
Sa rencontre avec Billy Taylor en 1955, qui l’entend dans un club de Windy City, marque un tournant. Le pianiste lui conseille en effet d’aller à New York et de l’appeler une fois sur place, ce que Bill Henderson fera deux ans plus tard. Comme promis, et donnant beaucoup de son temps, Billy Taylor, avant tout militant du jazz conscient de son devoir de solidarité, l’aide à prendre des contacts, notamment auprès des maisons de disques. En attendant que ces démarches aboutissent, il faut vivre et Bill Henderson reprend des petits boulots, comme celui de ramoneur dans les beaux quartiers: le livret nous rapporte que se retrouvant dans la maison de la mère de Duke Ellington, le chanteur donne de la voix tout en effectuant sa tâche, espérant être remarqué par le chef d’orchestre qui malheureusement ne fit pas de visite à sa mère ce jour-là…

Durée: 1h 10’ 11’’
JazzCity Records 002 (albanofulvio@gmail.com)

Virgil Gonsalves Sextet & Big Band
featuring Rudy Salvini Big Band
Jazz in the Bay Area 1954-1959

CD1: Bounce, Out of Nowhere, Too Marvelous for Words, It Might As Well Be Spring, Yesterdays, Love Me or Leave Me, Whitewash, Our Love Is Here to Stay, Lost World, I’ll Take Romance, Searle’s Corner, Viva Zapata, Half Mine, Goody-Goody, Gar-din, My Heart Stood Still, Fascinatin’ Rhythm, Bags’ Groove
CD2: Wail for Patrick, Smithsonian, Yesterdays, Topsy Returns, Boot’s Boots, Little Melonae, Sharon, Oasis, Lover Man, Stablemates, A Sunday Kind of Love*, Moment’s Notice, Steresis, Blue Bird
Virgil Gonsalves (bar)
• en sextet: Bob Enevoldsen (vtb), Buddy Wise (ts), Lou Levy (p), Harry Babasin (b), Larry Bunker (dm), 1954
• en sextet: Bob Badgley (vtb), Dan Patiris (ts), Clyde Pound (p), Ron Crotty, Max Hartstein (b), Gus Gustafson (dm), 1955
• avec le Rudy Salvini (tp) Big Band (personnel détaillé dans le livret), 1956
• en sextet: Mike Downs (tp), Dan Patiris (ts), Merril Hoover (p), Eddie Kahn (b), Al Randall (dm), 1959
• en big band: John Coppola, Billy Catalano, Dick Mills, Mike Downs, Jerry Cournoyer (tp), Leo Wright, Bob Davidson (as), Dan Patiris, Chuck Peterson (ts), Junior Mance, Merril Hoover* (p), Eddie Kahn (b), Benny Barth (dm), 1959
Enregistré entre le 29 septembre 1954 et mai 1959, Hollywood, CA, Oakland, CA, San Francisco, CA
Durée: 54’ 27’’ + 1h 03’ 12’’
Fresh Sound Records 1114 (www.freshsoundrecords.com/Socadisc)

Ce double CD, édité avec le soin habituel de Fresh Sound Records, documente, essentiellement dans sa dimension euro-américaine, la scène jazz de la Bay Area, la région de la baie de San Francisco, CA. Cette scène, moins en vue que celle de New York ou New Orleans, n’en n’a pas moins une histoire riche et ancienne qui prend naissance au nord-est de la ville, dans le secteur appelé «Barbary Coast» ou «Vice District», où se concentrent sur Pacific Street –surnommée «Terrific Street» par les musiciens pour la qualité de la musique qui y est jouée–, bars, salles de danse et de jeu. Haut-lieu de la prostitution, ce quartier est celui de toutes les libertés et transgressions, en particulier des lois Jim Crow, avec des clubs comme The Jupiter –géré en 1918-1919 par Jelly Roll Morton et sa compagne Anita Gonzales– où se pressait un public non ségrégué. Un autre Néo-Orléanais, Kid Ory, marquera l’histoire par sa venue en 1921 au Purcell’s où se produit régulièrement le chef d’orchestre et pianiste de ragtime, Sid LeProtti (1886-1958), une figure de cette scène. Le quartier subit à partir de 1911 un harcèlement des autorités municipales qui multiplient les interdictions, et finit par péricliter avec la politique de prohibition (1920-1933). Le jazz se déplace ailleurs en ville, mais la reprise en main se poursuit via la section locale blanche de l’American Federation of Musicians (AFM), farouchement ségrégationniste, qui cherche à contrôler les emplois de la Bay Area et bataille entre 1934 et 1946 sur le plan judiciaire contre la section afro-américaine, d’abord contrainte de s’incliner avant que l’Etat de Californie n’ordonne la fusion des deux sections en 1960. Dans ce contexte tendu, l’influence originelle de New Orleans ressurgit à la fin des années 1930, avec le Great Revival, un mouvement de redécouverte d'abord mené par des collectionneurs et des critiques (dont la Hot Records Society, cf. Walter E. Schaap) qui va éveiller l'intérêt de jeunes musiciens euro-américains de San Francisco comme Lu Watters (tp) et Turk Murphy (tb) du Yerba Buena Jazz Band, formation inspirée par King Oliver et l'Original Dixieland Jass Band, qui fera les beaux jours du Dawn Club, un ancien speakeasy qui fermera en 1947, et inaugurera en 1941 le label Jazz Man dédié au jazz «traditionnel». Ce Great Revival relance la carrière de Kid Ory, tandis que Bunk Johnson est au centre d'une session produite à New Orleans par Jazz Man en 1942 et séjourne ensuite à San Francisco en 1943-44 où il enregistre plusieurs faces et joue avec Lu Watters et les membres du Yerba Buena Jazz Band qui ne sont pas sous les drapeaux (cf. «Le Revival» par Gérard Conte, Jazz Hot n°98, 1955).
Au début des années 1950, San Francisco demeure un bastion du dixieland où émerge progressivement la nouvelle scène bop, emmenée dans sa version West Coast par le jeune Dave Brubeck. C’est le début d’une dynamique qui voit les clubs proliférer dans les différents quartiers –Fillmore (dont l’essor immobilier tient à la déportation de ses résidents japonais), North Beach, Tenderloin–, et à laquelle participe la guerre de Corée (1950-1953) en attirant des musiciens mobilisés, tels John Handy (ts) ou Chet Baker (de même que Lennie Niehaus effectue son service militaire à Fort Ord, à moins de 200km de San Francisco). En 1955, toujours dans Jazz Hot n°98, Charles Delaunay écrit qu'«il semble bien que depuis quelques années, ce soit la Californie qui représente aux Etats-Unis le foyer (de jazz) le plus intense», dont le développement doit beaucoup à l'industrie du cinéma d'Hollywood(1), tandis que le «jazz moderne» s'est diffusé parmi les jeunes musiciens grâce à «l'activité déployée par les promoteurs locaux comme Norman Grantz, Gene Norman, Eddie Laguna, par Stan Kenton et son orchestre, le séjour de Lester Young, de Coleman Hawkins, de Charlie Parker, de Dizzy Gillespie, puis plus tard de l'orchestre de Woody Herman, de Stan Getz et Gerry Mulligan» (dossier «Californie 55» qui se poursuit dans le n°99). Ces fertiles années 1950-1960 voient l’émergence de musiciens euro-américains(2), emblématiques comme Vince Guaraldi (p, 1928-1976) et Caj Tjader (vib, 1925-1982), et d’autres à la notoriété plus modeste comme le saxophoniste baryton Virgil Gonsalves (1931-2008) dont Fresh Sound présente ici l’intégrale (connue) des enregistrements réalisés en leader, entre 1954 et 1959, ainsi qu’une session de 1956 au sein du big band du trompettiste Rudy Salvini (1925-2011).
Leurs deux parcours étant largement détaillés dans le livret et sur le site internet de Fresh Sound, on passera rapidement sur les circonstances entourant ces enregistrements. Fraîchement diplômé de l’Université de San Francisco (1952), Virgil Gonsalves commence à attirer sur lui l’attention des producteurs quand en 1954 le label Nocturne, basé à Los Angeles, accepte de l’enregistrer à condition d’être accompagné de musiciens de la Cité des Anges, plus réputés. Bon instrumentiste (sa sonorité enveloppe joliment «Out of Nowhere») Virgil Gonsalves est effectivement entouré ici de professionnels aguerris. La session de novembre 1955, où cette fois le baryton, toujours en sextet, dirige ses propres musiciens, est également bien exécutée. Elle intervient à l’issue d’un engagement de six mois dans le plus fameux club de San Francisco, le Black Hawk (1949-1963), au cours duquel Virgil Gonsalves accompagnera Carmen McRae. Rudy Salvini, un vétéran qui a appartenu avec Tony Bennett au 314th Army Special Services Band et a repris des études après sa démobilisation, a rencontré Virgil Gonsalves à l’université. En janvier 1956, il lance son propre big band, lequel fait sa première apparition, avec le Virgil Gonsalves Sextet, à l’occasion d’un bal du samedi après-midi, destiné à un public de jeunes gens. En novembre, le big band –dans lequel figure Virgil Gonsalves– enregistre cinq titres pour un nouveau label franciscanais, Jazz Records. A défaut d'intensité dans l'interprétation, l’orchestre –intégré– délivre une musique très plaisante, pourvue d'une décontraction toute West Coast («Topsy Returns»). Plusieurs de ses membres feront carrière dans la Bay Area, comme Allen Smith (tp), un pilier de l’éphémère Blanco's Cotton Club (1948-1950) –premier club déségrégué de l’après-guerre– puis du fameux Jimbo's Bop City (1950-1965) à Fillmore qui reçut Charlie Parker, Miles Davis et dont Freddie Redd fut le pianiste maison en 1957 durant 6 mois. En mai 1959, on retrouve Virgil Gonsalves –qui n’a pas manqué d’activités depuis trois ans (cf. livret)– sur deux sessions, en sextet et en big band, qui occupent chacune une face du LP Jazz at Monterey (Omega Records). Le big band de Virgil Gonsalves possède un peu plus de caractère que celui de Salvini, avec une orientation post-bop («Moment’s Notice» de John Coltrane), mais reste toujours un peu lisse. Signalons tout de même la présence de Junior Mance dont la prestation, notamment sur «Blue Bird» (solo très blues), se détache de l'ensemble. Quant au sextet, son personnel a été totalement renouvelé depuis la session de 1955, en dehors de Dan Patris (ts).

On vous laisse découvrir par la lecture du livret, la suite du parcours de Virgil Gonsalves jusqu’à son virage jazz-rock puis funk dans les années 1970, de même que celui de Rudy Salvini, professeur de musique jusqu’à sa retraite en 1985. Deux acteurs importants de la vie jazzique de San Francisco des années 1950 qui méritaient pleinement d’être l’objet de ce travail de mémoire poursuivi par Jordi Pujol.

David Sauzay / Laurent Marode / Stéphane Chandelier
Joyride

Joyride, Le Chant du lion, Alban Little Monkey, Last Minute Blues, Chemin de l'eau vive, Bugs Ritual Dance, Two Bossas, Chapter Eleven, Minotaure, Quiet Time*

David Sauzay (ts, fl*), Laurent Marode (org), Stéphane Chandelier (dm)

Enregistré le 9 juin 2021, lieu non précisé

Durée: 43’ 21’’

Sunny Side Up (www.davidsauzay.com)

David Sauzay Quartet
Featuring

Max’s View, Hiroshi’s Time, Taketori*, G, Paul’s Beard, The Spirit of Alice, Eden of Darkness*°, Mas que nada, Carthage**, Yeah Yeah Yeah**

David Sauzay (ts, ss°, fl*), Hiroshi Murayama (p), Gabriel Sauzay (b), Paul Morvan (dm) + Hillel Salem (tp)**

Enregistré en décembre 2021 et en avril 2022, lieu non précisé

Durée: 57’ 30’’

Sunny Side Up (www.davidsauzay.com)

 

Au cours de l’interview que nous avions publiée l’année dernière, David Sauzay avait évoqué son rapport au jazz et notamment son travail de composition, alors qu’il sort consécutivement en 2023 deux albums alignant essentiellement des originaux: le premier, Joyride est servi par un trio dont David Sauzay partage le leadership avec Laurent Marode (ici à l’orgue) et Stéphane Chandelier, des complices de longue date; sur le second, Featuring, le ténor est à la tête de son «nouveau» quartet, constitué de son fils Gabriel, 22 ans, encore étudiant au Conservatoire National de Musique et de Danse de Paris (et qui avait déjà été invité pour quelques titres sur Playing With), d’Hiroshi Murayama, installé à Paris depuis 2005 –il a notamment joué avec Michele Hendricks, Martin Jacobsen, Renato D’Aiello, enregistré avec Yves Nahon et, en leader, avec Philippe Soirat– et de Paul Morvan dont nous avons récemment chroniqué l’album Danger Zone. Deux projets aux couleurs harmoniques différentes mais ancrés dans une même esthétique post-bop, terrain jazzique de prédilection de David.

A l’écoute de Joyride, on pense aux différentes rencontres, organisées sous l’égide du label Prestige au début des années 1960, entre Jack McDuff et les ténors Jimmy Forrest, Harold Vick, Gene Ammons, Red Holloway et bien sûr Sonny Stitt. A ceci près qu’elles se sont généralement déroulées en quartet, notamment avec la guitare de Grant Green, quand nous avons ici affaire à un trio sax-orgue-batterie. Pour autant, quelque chose de cet esprit groove, ancré dans le blues, est passé dans le jeu de nos musiciens, David Sauzay en tête, au son plein et velouté («Last Minute Blues»). Laurent Marode, qu’on connaît avant tout comme un pianiste de haut vol, est épatant de vélocité et de swing («Chapter Eleven»), tandis que Stéphane Chandelier maintient tout au long du disque la pulsation qui lui donne sa densité (avec un bon solo sur «Joyride»). Soulignons également la qualité des thèmes de cet opus qui font honneur à la tradition hard bop (a priori écrits par les membres du trio mais sans que cela soit précisé), du morceau-titre, «Joyride», à la magnifique ballade «Chemin de l’eau vive», en passant par «Quiet Time» qui nous entraîne davantage du côté de Lalo Schiffrin avec un David Sauzay à la flûte, léger et onirique, qui crée, avec les sonorités poétiques de Laurent Marode, une atmosphère un peu à part du reste de l’album.

Sans surprise, Featuring possède les mêmes qualités de swing, d’intensité et d’enracinement dans l’héritage des maîtres, célébré avec des compositions toujours à la hauteur. On constate d’emblée que la transmission –chère au cœur de David– a opéré avec succès auprès de Gabriel qui signe le dynamique «Max’s View» en ouverture, justement bien dans l’esprit des Messengers d’Art Blakey. Après une belle introduction du ténor, le jeune contrebassiste y donne un solo qui retient l’attention. Le même Blue Note feeling est à l’œuvre sur «G» (Paul Morvan) avec un David Sauzay impérial et un Hiroshi Murayama superbe de swing et d’expressivité. Ce dernier a d’ailleurs donné «Taketori», aux accents japonisants, et «Eden of Darkness», deux thèmes où la poésie est encore au rendez-vous, toujours bien amenée par David Sauzay à la flûte et au saxophone soprano. Les originaux du leader ne sont pas en reste avec le nerveux «Hiroshi’s Time», le swinguant «Paul’s Beard», le coltranien «The Spirit of Alice» et le subtil «Carthage» sur lequel intervient le bon trompettiste israélien Hillel Salem, installé depuis peu à Paris et dont la sonorité s’inscrit dans une filiation avec Lee Morgan. On le retrouve sur le calypso «Yeah Yeah Yeah» (Eddie Harris), un des seuls titres appartenant au répertoire avec «Mas que nada» (Jorge Ben Jor), célèbre bossa qui s’intègre parfaitement à cet album incandescent de jazz de la première à la dernière note.

L’excellent travail mené par David Sauzay et ses partenaires de prolongement et d'enrichissement du jazz de culture est à saluer.

Dmitry Baevsky
Soundtrack

Evening Song/вечерняя песня, Vamos Nessa, Baltiyskaya/балтийская, Grand Street, The Jody Grind, La Chanson de Maxence, Over and Out, Le Coiffeur, Invisible, Autumn in New York, Stranger in Paradise, Tranquility, Afternoon in Paris

Dmitry Baevsky (as), Jeb Patton (p), David Wong (b), Pete Van Nostrand (dm)

Enregistré le 25 novembre 2019, Paramus, NJ

Durée: 1h 05’ 45’’

Fresh Sound New Talent 618 (www.freshsoundrecords.com/Socadisc)

Dmitry Baevsky
Kid's Time

Mr. H., Imintagante, Kids' Time*, Minor Delay, Time Flies, Deep in a Dream*, Morningside Waltz, Rollin', MTA, Soy Califa*, The End, Don't Blame Me,

Dmitry Baevsky (as), Clovis Nicolas (b), Jason Brown (dm) + Stéphane Belmondo (tp, flh)

Enregistré en juillet 2022, Malakoff (Hauts-de-Seine)

Durée: 1h 08’ 21’’

Fresh Sound New Talent 646 (www.freshsoundrecords.com/Socadisc)

La constance dans la qualité de ses productions est l’un des grands mérites de Dmitry Baevsky, comme il le confirme avec ses deux derniers albums, les 9_^e et 10_^e en leader: Soundtrack et Kid’s Time, édités par Fresh Sound New Talent.

Sur Soundtrack on retrouve l’altiste américano-russe en quartet avec deux complices new-yorkais de longue date: les excellents Jeb Patton et David Wong. A la batterie, Pete Van Nostrand a pris la place de Joe Strasser. Rien de bien surprenant: il fait partie du trio de Jeb Patton depuis plusieurs années et possède un pedigree des plus flatteurs (Kenny Barron, Cécile McLorin-Salvant, Aaron Diehl, Gerald Clayton, Eric Reed...). Revenant longuement sur son parcours personnel dans le livret, Dmitry Baevsky dresse ici un portrait musical des trois villes qui ont marqué trois grandes étapes de sa vie: Leningrad/Saint-Petersbourg où il est né et a grandi, New York où il a débarqué à 19 ans pour s’immerger dans le monde du jazz durant vingt-et-un ans, Paris où il s’est établi depuis 2016 et a fondé une famille. Le disque s’ouvre ainsi sur «Evening Song» (1957), une ode à la ville dont elle est devenue l’hymne officieux. Un beau thème qu’on doit au compositeur de musique classique et populaire Vassili Soloviov-Sedoï (1907-1979), figure de la vie artistique soviétique, lui aussi originaire de la Venise du nord. La chanson se prêtant très naturellement au jazz, Dmitry Baevsky en fait son miel, s’exprimant avec une sonorité particulièrement suave et profonde à la convocation de ses racines russes. Un original de sa main, joliment chaloupé, «Baltiyskaya», fait également référence à sa ville natale. On traverse l’océan avec «Autumn in New York» marqué par une longue et superbe intervention de Jeb Patton, dont on ne cesse d'admirer la maîtrise, tandis que sur le «Grand Street» de Sonny Rollins le quartet porte le swing à sa quintessence. Dmitry est plein d’agilité sur «Afternoon in Paris» (John Lewis) où David Wong donne un solo tout en swing et musicalité. L’évocation de Paris passe aussi par Michel Legrand, un cliché musical à lui tout seul. Le compositeur des Demoiselles de Rochefort n’en était pas moins habile et avait en commun avec Vassili Soloviov-Sedoï cette fibre mélodique populaire offrant un terrain favorable au jazz, ce qui donne matière aux musiciens sur «La Chanson de Maxence» (beau jeu d’archer en contrechant du saxophone). Les autres titres, essentiellement des compositions du jazz, permettent tout au long du disque d’apprécier ce quartet de haut vol, y compris le drive de Pete Van Nostrand sur l’autre original de Dmitry, «Over and Out», déjà présent sur l’album du même nom.

On retrouve d’ailleurs sur Kid’s Time la formule pianoless qui caractérisait cet enregistrement de 2014. Cette fois ce sont les solides Clovis Nicolas et Jason Brown, autres partenaires familiers depuis l’époque new-yorkaise, qui entourent Dmitry pour une session gravée en région parisienne, le contrebassiste –installé Outre-Atlantique depuis vingt ans– revenant régulièrement en France et le batteur y résidant depuis quelques années. S’y ajoute, sur trois titres, un des grands noms de la scène jazz française, Stéphane Belmondo venu dialoguer avec l’altiste. De l’absence de piano résulte un son plus sec, dominé par le sax véloce de Dmitry (dès le premier titre, «Mr. H.»), d’un côté, et le soutien rythmique de Jason Brown, intense et robuste (en particulier sur «Time Files»), de l’autre. Moins exposé, Clovis Nicolas ne demeure pas moins essentiel à l’architecture du trio, avec aussi des prises de parole marquantes sur «Morningside Waltz» et «MTA». Quant à la seconde voix portée par Stéphane Belmondo, elle amène de l’épaisseur, comme sur «Soy Califa» de Dexter Gordon, un des trois titres qui n'est pas de la main du leader.

On ne peut que recommander l'écoute ces deux opus de Dmitry Baevsky, musicien talentueux qui s’est bâti au fil du temps un univers bop cohérent.

Orchid Big Band
Eclosion

Orchid Ouverture, Masque et tuba, Traversée du désert (et sa tempête), La Machine d’Anticythère, We Miss the Forest Café: Interlude improvisé, Jokari, Interstellar, Surfin’, Petite nuit, Nature Abstraction 1: Matin calme

Thomas Julienne (lead), Gabriel Levasseur, Olivier Gay, Laure Fréjacques, Julie Varlet (tp), Rozann Bézier, Sébastien Iep Arruti, Gabrielle Rachel, Sébastien Llado (tb), Olga Amelchenko, Nora Kamm, Maxime Berton, Jeanne Michard, Julien Dubois (s, fl, détail non précisé), Mathilda Haynes (g), Clément Simon (p), Nolwenn Leizour (b), Gaétan Diaz (dm)

Enregistré à Hommes (Indre-et-Loire), date non précisée (prob. 2022)

Durée: 59’ 45’’

Déluge 011 (www.collectifdeluge.org/Socadisc)

 

Issu du collectif «Déluge», créé en 2017 à Bordeaux pour fédérer les musicien-nes de jazz entre l’Aquitaine et Paris, l’Orchid Big Band se décrit comme une «jeune formation paritaire» (visiblement biberonnée au discours normatif institutionnel) qui serait en outre «le chaînon manquant entre Thad Jones et Stravinsky». «Vaste programme!» aurait répondu Mongénéral. L’orchestre est dirigé par le contrebassiste-compositeur-arrangeur bordelais Thomas Julienne, la trentaine, formé à Agen, Bordeaux et en Ile-de-France, notamment par Gilles Naturel, Christophe Dal Sasso et Carine Bonnefoy. Il a depuis participé à divers projets –jazz et danse, jazz et photo…– dont certains aussi dans d'autres esthétiques musicales. Par ailleurs, tous les musiciens du big band ne nous sont pas inconnus, en particulier Sébastien Llado qu’on a entendu depuis 2000 dans les big bands de François Laudet et Thierry Maillard, dans l’ONJ de Claude Barthélemy ou auprès d’Archie Shepp, Cécile McLorin Salvant, Magic Malik, Médéric Collignon, entre autres. On connaît également Olga Amelchenko, ténor russe de 35 ans, établie à Paris depuis quelques temps après des études musicales en Allemagne.

Sur un répertoire original, écrit par les membres du big band, et dans l’ensemble de bonne facture, Orchid déploie une énergie swinguante et des arrangements ciselés: «Orchid Ouverture» (Clément Simon), «Traversée du désert» (Jeanne Michard), «Jokari» (Clément Simon), «Petite nuit» (Maxime Berton) ou encore «Nature Abstraction 1: Matin calme» (Julien Dubois) sont effectivement bien dans la filiation du Thad Jones-Mel Lewis Orchestra ou d’autres big bands modernes comme celui de Maria Schneider. Autre bon thème, «La Machine d’Anticythère» (Julien Dubois) propose une rencontre réussie entre jazz et musique classique du XX_^e siècle. On est moins convaincu par l’ouverture binaire de «Surfin’» (Sébastien Llado), malgré un thème bien ficelé, ou le patchwork jazz symphonique-fusion «Interstellar» (Thomas Julienne) qui abuse des répétitions du motif.  

Bien qu’un peu scolaire, le travail réalisé est de qualité et ne manque pas de bonnes idées mélodiques et harmoniques.

Savant Records 2206 (www.jazzdepot.com/Socadisc)

Rentrer dans un disque de Louis Hayes, c’est la sensation de se retrouver dans un bain de jazz à température idéale; tout y parfait, porté par une conviction d’une telle fermeté qu’elle détermine une esthétique d’une précision et d’un naturel intemporel. Il ne faut pas chercher loin les raisons d’une telle réussite, le livret le dit en conclusion: «Cet album est l'histoire que Louis Hayes veut raconter sur le fait d'être un musicien de jazz avec une histoire qui a commencé à Detroit, Michigan. Sa philosophie est de jouer la musique en toute honnêteté avec des musiciens qui ont le même feeling que lui. Selon Lou, l'album est «Exactly Right!».

Louis Hayes et le fondamental bassiste Dezron Douglas, sont les producteurs de ce bel enregistrement, et les commentaires d’Abraham Burton, l’excellent ténor (magnifique sur «Is That So?») lors de la cérémonie où Louis Hayes a été nommé Jazz Master en 2023 (National Endowment for the Arts), reproduits dans le livret confirme que Louis Hayes a passé son message à ses (relativement) jeunes compagnons comme un excellent messenger du jazz qu’il est: «Lou est fait de l’étoffe des plus grands, un musicien qui vit la musique qu'il crée. Un de ceux dont la chaleur est toujours au rythme du battement de ses tambours. Il insuffle la vie à chaque motif de sa cymbale ride, le rendant unique dans sa conception et exquis dans son exécution. Quand vous l'entendez, vous le sentez, et vous savez que cela ne peut être que Lou.»

Louis Hayes faisait la couverture de Jazz Hot n°685 en 2018 et il faut se référer à ses propos, toujours très fermes et réfléchis, comme souvent chez les musiciens de Detroit, pour comprendre la profondeur de ce titre, Exactly Right!, qui correspond si bien à sa personnalité soucieuse de perfection, d’honnêteté et d’intensité, le point d’exclamation n’étant pas superfétatoire pour un batteur dont le drive, la présence sont simplement magiques. Le choix du répertoire est aussi précis que le reste, avec deux thèmes de Cedar Walton, dont «Ugetsu» qui fut un succès des Jazz Messengers d’Art Blakey, de Duke Pearson, Wayne Shorter, Horace Silver, le beau «Theme for Ernie», immortalisé par John Coltrane et ici magistralement repris par Abraham Burton, un thème de David Hazeltine, «Carmine’s Bridge», in the spirit, enfin un traditionnel festif trempé dans le blues qui devrait animer votre prochaine soirée dansante, sans oublier le «Exactly Right!» qui ouvre l’album, une sorte de manifeste de l’énergie du jazz où Steve Nelson et David Hazeltine, brillants, rivalisent avec un leader omniprésent, pendant qu’Abraham Burton y va de ses riffs pour lancer cette heure de jazz éternel, pétri de culture, comme sorti de l’âge d’or.

Smoke Sessions Records 2302 (www.smokesessionsrecords.com/www.uvmdistribution.com)

Eric Reed a fait la couverture de Jazz Hot n°671, en 2015 en compagnie de la chanteuse Mary Stallings qu’il accompagnait alors. Il a atteint aujourd’hui la cinquantaine, c’est un pianiste en pleine maturité de la grande tradition du piano jazz qui propose toujours un abord original du répertoire dans toute son étendue d’un siècle de jazz, de Duke Ellington à Wayne Shorter en passant par Thelonious Monk, Horace Silver, McCoy Tyner, qui compose également, ajoutant sa touche spiritual et soul comme ici, en compagnie de deux vocalistes.

C’est ce qu’il propose avec cet album dont le titre fait explicitement référence à Duke Ellington par un thème qu’Eric Reed a composé. On retrouve la dimension churchy invariablement présente chez lui («Lean on Me») avec l’intervention d’un chanteur, Calvin B. Rhone. Horace Silver est aussi présent avec une belle version de «Peace», à laquelle succède le non moins émouvant «Search for Peace» de McCoy Tyner, repris avec sensibilité par Eric Reed. La section rythmique est au service du message limpide du pianiste, aux accents blues prononcés quel que soit le thème et la couleur rythmique.

Il y a encore une composition, plus rare et non moins réussie, de Buster Williams, «Christina», toujours sur un rythme médium-lent qui semble être l’atmosphère de ce disque, atmosphère qu’on retrouve aussi bien sur «Cheryl Ann» de Buddy Collette que sur «Infant Eyes» de Wayne Shorter. «Along Came Betty», la splendide composition de Benny Golson immortalisée par Art Blakey et Archie Shepp de manières assez différentes, est ici réinventée sur un rythme légèrement bossa nova agrémenté des accents blues dans la manière d’Eric Reed. Il y a aussi une composition de chacun des membres de la section rythmique, «Variation Twenty-Four» de Reggie Quinerly, et «One for E» de Luca Alemanno, toujours dans un mood assez doux, plus swing et mélodique pour le second. Sur le thème de Stevie Wonder, «Pastime Paradise», il accompagne de façon magistrale David Daughtry, avant de finir sur «Ugly Beauty» de Thelonious Monk, un compositeur qu’il a largement exploré dans une veine très originale (The Adventurous Monk, en 2013, et The Dancing Monk en 2011 chez ce même label Savant Records), et cette version très swing, aussi surprenante que réussie, restitue un Thelonious Monk dansant et joyeux, des facettes de ce pianiste.

Catherine Russell
Send for Me

Did I Remember, Send for Me*, At the Swing Cats Ball, Make It Last, Going Back to New Orleans, If I Could Be With You, You Can Fly High, East of The Sun (and West of The Moon), In the Night, You Stepped Out of a Dream, Blue and Sentimental, Sticks and Stones, Million Dollar Smile

Catherine Russell (voc, perc, hand claps*), Matt Munisteri (g, bjo), Tal Ronen (b), Mark McLean (dm, tambourin) et selon les thèmes Jon-Erik Kellso (tp), John Allred (tb), Philip Norris (tu), Evan Arntzen (reeds), Aaron Heick, Mark Lopeman (ts), Paul Nedzela (bar), Mark Shane, Sean Mason (p), Paul Kahn (hand claps)*

Enregistré les 10-11 juin, 4 et 14 septembre 2021, New York, NY

Durée: 47’ 11’

Dot Time Records 9107 (https://dottimerecords.com)

 

Dans le prolongement direct de son précédent album, Alone Together, la grande chanteuse Catherine Russell poursuit l’exploration de ses racines jazz et l’hommage à ses parents: le pianiste et chef d'orchestre Luis Russell, évoqué dans la précédente chronique, a fait l’objet d’une anthologie parue chez Dot Time Records; la guitariste, contrebassiste et chanteuse, Carline Ray (1925-2013), elle même fille de musicien et diplômée de la Juilliard School débuta en compagnie d’Edna Smith (b) avec laquelle elle rejoignit le big band féminin et non-ségrégé The International Sweethearts of Rhythm (1946-48) puis l’orchestre d’Erskine Hawkins (tp). Elle se produisit ensuite dans des contextes divers (jazz, latin, variétés, classique), comme les chœurs dirigés par Leonard Bernstein et auprès de Mary Lou Williams. L’année de sa disparition, elle avait publié le disque Vocal Sides produit par sa fille.

Sur ce Send for Me, on retrouve autour de Catherine Russell une bonne partie des musiciens du précédent opus, dont le guitariste Matt Munisteri, directeur musical du projet, et Jon-Erik Kellso, trompettiste qu'on entend régulièrement en compagnie de Rossano Sportiello, Scott Robinson ou Evan Christopher. On retrouve également un panorama de standards dont le choix, lié à l'histoire familiale de la chanteuse, est éclairé par le livret signé de l'historien du jazz et guitariste Paul Kahn (l'époux de Catherine).
Ces thèmes ont un ancrage particulier dans le blues et le musique de New Orleans. Le blues est d'abord présent dans l'expression de Catherine Russell, tout à son affaire pour évoquer la grande Billie Holiday avec «Did I Remember» dont l’orchestration est très proche de la version de 1936. Blues encore avec le bouillonnant «Send for Me», un titre popularisé par Nat King Cole, qui est l’occasion de bons solos de Matt Munisteri à la guitare et de Sean Mason au piano. Blues toujours avec «Blue and Sentimental», un classique de Count Basie, le chaloupé «Million Dollar Smile» de Lionel Hampton qui fut enregistré par Dinah Washington, ou encore le magnifique «In the Night» «Going Back to New Orleans» (Joseph C. Liggins) nous emmène bien sûr du côté de Crescent City où le jeune Luis Russell débarqua de son Panama natal en 1921. La même atmosphère irrigue «If I Could Be With You» –un thème de James P. Johnson où s’illustre, à la manière de Louis Armstrong, Jon-Erik Kellso–, et «Sticks and Stones» que Luis Russell avait gravé en 1937 aux côtés de Red Allen. New Orleans est encore présente sur «You Can Fly High» d’Earl King, titre aux résonances gospel (le piano de Mark Shane n’y est pas pour rien!). On retiendra enfin le très enlevé «At the Swing Cats Ball», co-écrit par Luis Russell et William Campbell, une des moments intenses de ce superbe album de famille.

Bobby Watson
Back Home in Kansas City

Back Home in Kansas City, Red Bank Heist, Our Love Remains*, Bon Voyage, The Star in the East, Mind Wine, Celestial, Dear Lord, Side Steps, I'm Glad There Is You, Blues for Alto

Bobby Watson (as), Jeremy Pelt (tp), Cyrus Chestnut (p), Curtis Lundy (b) , Victor Jones (dm), Carmen Lundy (voc)*

Enregistré le 5 avril 2022, New York, NY

Durée: 1h 05’ 42”

Smoke Sessions Records 2205 (www.smokesessionsrecords.com/www.uvmdistribution.com)

 

Pour un amateur de jazz, la lecture des noms des participants à cette session d’enregistrement organisée autour de Bobby Watson suffit à générer l’impatience: il y a en effet des musiciens d’un niveau exceptionnel sur chaque instrument. C’est donc un all stars, sans oublier l’invitée d’un titre Carmen Lundy.

Le titre et premier thème de l’album, Back Home in Kansas City, renvoie précisément à Charlie Parker et sa ville natale, l’aîné sur l’instrument et l’inspirateur de Bobby Watson. On n’en sera pas étonné si on se remémore l’interview de Bobby Watson paru dans le Jazz Hot n°664 dont le saxophoniste faisait la couverture. Le second titre, «Red Bank Heist», un titre humoristique et un blues de Victor Jones, remonte dans le temps, malgré le registre plutôt hard bop de la musique elle-même, à l’un des personnages illustres de la ville de Kansas City, Count Basie, «The Kid of Red Bank», né à Red Bank dans le New Jersey mais qui est devenu un de ces Blue Devils qui ont fait la légende de Kansas City, cf. les films The Last of the Blue Devils de Bruce Ricker (1979) et Kansas City de Robert Altman (1996). Cyrus Chestnut, ici présent, faisait d’ailleurs partie de la distribution de Kansas City, mais pas Bobby Watson…
Passés ces deux thèmes, on retrouve le climat habituel de cette génération du jazz post bop fait de belles mélodies dans l’esprit de Wayne Shorter-Art Blakey, avec quelques références solides comme John Coltrane («Dear Lord»), John Hicks («Mind Wine»), un traitement original d’un magnifique vieux thème, «I’m Glad There Is You» de Jimmy Dorsey et Paul Madeira, et quelques compositions de ses sidemen du jour et du leader, dont le remarquable «Blues for Alto» qui clôt cet album.

Ces all-stars d’artistes aussi complices qui représentent la permanence de la tradition du jazz la plus authentique, qui a les pieds dans l’histoire et la tête dans les nuages de la création, sont ce que le jazz propose de plus profond et novateur au XXIe siècle, même s’il est certain que ni le public des scènes dites «de jazz», ni la plupart de la critique dite «de jazz» ne sont en état de l’apprécier, par manque de références culturelles et parce que ces musiciens ne sont pas suffisamment présents sur les scènes internationales dites «de jazz». Il reste ce bon travail de quelques rares labels pour prolonger cette queue de la comète du jazz et l’illusion que Bird is alive.

Smoke Sessions Records 2203 (www.smokesessionsrecords.com/www.uvmdistribution.com)

Chez Smoke Sessions Records, on aime le jazz de culture, et dans l’ensemble, c’est une vraie ligne éditoriale garantissant des enregistrements de qualité. Ici, Al Foster qui faisait la couverture de Jazz Hot n°670 et qui a fêté ses 80 printemps en ce début d’année 2023, a réuni autour de lui d’excellents musiciens pour un hommage délicat à Thelonious Monk, inventif avec deux originaux du batteur –le premier et le dernier thèmes–, le reste proposant des compositions historiques du jazz comme le «Pent-Up House» de Sonny Rollins, «Blues on the Corner» de McCoy Tyner, «Punjab» de Joe Henderson, «Half Nelson» de Miles Davis, «Alone and I» d’Herbie Hancock… Que du premier choix, pourrait-on dire, car ces titres sont effectivement parmi les grands thèmes des géants du jazz qu’Al Foster a côtoyés avec son jeu si délicat, musical, aérien sur les cymbales. C’est donc un hommage à la génération du jazz avec laquelle le batteur a débuté et grandi avant d’en devenir un membre accompli.

A côté, les trois morceaux de Chris Potter («Open Plans»), de Nicholas Payton («Six») et de Kevin Hays («Beat») semblent plus «pâles», sans doute une question de génération, d’autant qu’en dehors des deux thèmes consacrés à Thelonious Monk, très réussis, Al Foster donne un «Anastasia» doté d’une belle mélodie. Le goût de la mélodie se perd quelque peu devant celui de l’harmonie dans les générations plus jeunes.

Cela dit, les musiciens sont très investis dans ce projet d’Al Foster, et chacun apporte son talent à une heure de musique de qualité, expressive, avec ce qu’il faut de blues et de swing, avec la belle trompette de Nicholas Payton, la sonorité aérienne de Chris Potter et la délicatesse d’une section rythmique de qualité. L’univers est plutôt celui de Miles Davis ou de ses enfants, ça n’étonnera pas venant d’Al Foster (cf. son interview déjà citée). Le thème de Nicholas Payton en est le témoignage pour la partie la plus récente, comme «Half Nelson» rappellera à ceux qui l’ont oublié l’auteur de belles mélodies qu’a aussi été Miles Davis, au-delà de la sonorité qui a été à la base de sa légende.