Soberana rosa, O que será, Antes que sea tarde, Outros sonhos, Mil perdões, Mar e lua, Desperar jamais, Daquilo que eu sei, Aula de matemática, Sophisticated Lady
Albert Sanz (p), Javier Colina (b), Al Foster (dm)
Enregistré les 28 et 29 novembre 2011, New York
Durée: 57'
Karonte 7835 (www.albertsanzmusic.com)

Albert Sanz Trio
For Regulars Only

La voz del viento*, Viejo Mundo, Jardín de Luz**, La sombra de Ciro, Matilda*, Triptik, Rosa dels vents**, Memoria de un sueño
Perico Sambeat (as, fl, vib), Enrique Oliver, Vivente Macián (ts), Ernesto Aurignac (as), Guím Garciá (as, cl), Joan Chamorro (bs), Voro García, Julían Sánchez, David Martínez, Andrea Motis, (tp, flh), Carlos Martín, Toni Belenguer, Victor Correa (tb), Dario García (tb), André Fernandes (g), Joan Monné (p), Martín Leiton (b), Antonio Sánchez (perc), , Silvia Pérez Cruz*, Viktorija Pilatovic** (voc)
Enregistré les 5 et 6 octobre 2014, Barcelone (Espagne)
Durée: 59'
Karonte 7853 (http://pericosambeat.com)

La qualité musicale est le grand point fort de cet enregistrement de Perico Sambeat. On comprend le temps consacré à polir le projet, à réunir les musiciens adéquats parmi lesquels quelques jeunes figures du jazz de la Côte Est (de la péninsule!) et des vétérans comme Joan Chamorro, Joan Monné... Il faut ensuite être capable d’écrire des arrangements à la hauteur du projet et de diriger un big band de vingt musiciens! Dans ces deux domaines le saxophoniste valencien a déjà montré ses compétences avec son Flamenco Big Band de 2007 (on retrouve dans Voces, quelques acteurs de l’époque). Voces (Voix) comporte quatre titres chantés, deux par la réputée Silvia Pérez et deux par Viktorija Pilatovic, jeune lituanienne ex-élève de la Berklee à Valence, chacune se partageant l’espagnol et le valencien. Ce sont deux belles voix bien adaptées au projet de Sambeat. Une réelle unité mélodique existe entre les quatre thèmes et les deux voix. La délicatesse prime avec quelques accentuations latines venues d’outre atlantique. Evidemment l’orchestre est au service des deux jeunes femmes et devient plus jazz lorsque les voix lui laissent la place, avec quelques belles improvisations de Perico dans «Matilda» et «Jardín de luz»; du guitariste André Fernandes sur ce dernier morceau; de Joan Monné dans «La Voz del viento»; de Joan Chamorro dans «Rosa dels vent». Les quatre autres thèmes, purement instrumentaux, permettent d’apprécier Perico Sambeat comme chef d’orchestre. Et sur ce plan, en Europe, peu pourraient lui donner des leçons bien qu’il n’ait pas une formation académique d’arrangeur ou de compositeur. Tout est absolument minutieux, géré au millimètre. De toute évidence le saxophoniste, amoureux des big bands, qui mentionne parmi ses préférés Ellington mais aussi Wheeler ou Maria Schneider, prend tout son temps pour élaborer ses travaux grand format. Et c’est beau. Les unissons de trompettes tout comme ceux de trombones sont parfaits et les solistes qui tous ont carte blanche ont intégré les idées de Sambeat et insèrent parfaitement leurs improvisations afin d’en tirer toute la saveur mais aussi pour donner une unité à chaque titre. On relève évidemment ceux de Perico sur trois des quatre instrumentaux («Viejo mundo», «Memoria de un sueño»,«La sombra de Ciro») et là on écoute l’un des meilleurs, sinon le meilleur saxophoniste alto espagnol. Les belles choses viennent encore de Fernandes sur les deux premiers de ces thèmes; de Aurignac et toujours Fernandes («Triptik»); Oliver («Memoria de un sueño»: beau duo avec Perico et intervention de Sánchez aux percussions); Monné («Viejo mundo»), Voro García, un trompettiste qui a beaucoup progressé ces dernières années sur «La Sombra de Ciro».
Ce disque de Perico Sambeat, à l’heure où fourmille une importante génération de jeunes musiciens aux talents variés qui pour certains passent très vite d’une chose à l’autre au gré de leur zapping, marque la permanence d’une précédente génération qui en Espagne, principalement du côté de la Méditerranée, a sorti dans les années quatre-vingt, le jazz d’un marasme culturel très prononcé.

Patrick Dalmace

© Jazz Hot n°679, printemps 2017

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The Galapagos suite: The KT Boundary, Galapagos, So simple a beginning, Lucy From Afar, Written in the Rocks, Deep in the Blue (Tiktaalik), Cambrian Explosion, From Here to a Star, Goodbye Mumbai
Renne Rosnes (p), Steve Nelson (vib), Steve Wilson (fl, ss, as), Peter Washington (b), Bill Stewart (dm)
Enregistré les 15 et 16 juin 2015, New York
Durée: 57' 02''
Smoke Sessions Records 1601 (www.smokesessionsrecords.com)

Joe Henderson, James Moody, Wayne Shorter, Bobby Hutcherson, Ron Carter, NHOP, Jay Jay Johnson... La pianiste canadienne Renee Rosnes, injustement méconnue de ce côté de l'Atlantique, ne manque pas de références, et l'on comprend qu'elle soit «soutenue» par les pianos Steinway. Son intérêt pour la recherche scientifique, de la naissance de la vie dans les océans et de sa lente migration sur la terre ferme,
Au sein d'une formation de rêve, elle livre ici une musique riche d'invention et d'enthousiasme. Un jazz contemporain, serein et original, gorgé de swing et, puisqu'il s'agit d'Histoire, promis à une longue postérité justifie le titre de l'album et de tous les morceaux. Mais cela ne saurait occulter un sens aigu de la composition et des arrangements, et un jeu de piano original et particulièrement incisif (qui fait forcément penser aux fulgurances de McCoy Tyner).

Daniel Chauvet

© Jazz Hot n°679, printemps 2017

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Goin’ South, Haunted by the Blues, The Ghost of Highway 61, Unmarked Grave, Run Brother Run, Backroad Blues, Devil Train Boogie, I Got a Call From the Devil, The People Could Fly, Drivin’ Up, Juke Joint Jumpin’, White Lightnin’ and High Yella, Love Will Only Make U Sweat, Everybody Needs the Blues, Thank you Mississippi, Almost Home + Press conference
Mighty Mo Rodgers (elp, voc), Davyd Johnson (ts), Dizzy Dale Williams, Butch Mudbone (elg), Darryl Dunmore (harp), Derf Reklaw (bottle), Smiley Lang, Willie B. Sharp (elb), Clarence Harris, Burleigh Drummond (dm), Margrette Floyd, Patricia Rodgers (voc)
Enregistré en 2013 et 2014, Los Angeles (Californie)
Durée: 41' 59''
Dixiefrog 8770 (Harmonia Mundi)

Nous chroniquons tardivement ce disque paru en 2014, à l’occasion du passage à Paris, au Jazz-Club Etoile, de Mighty Mo Rodgers (voir notre rubrique «compte rendus»). Depuis son premier album, Blues Is My Wailin’ Wall (Blue Thumb, 1999), poursuit une œuvre d’une remarquable cohérence, une suite de «concept-albums» formant son «Blues Cycle». Avec ce sixième opus, Mud ‘n Blood, le bluesman-philosophe, livre un conte à la fois sombre et vivifiant (le disque est sous-titré «A Mississippi Tale») qui est une remontée aux sources du blues, dans le Sud profond. Le livret, très soigné, qui permet de lire les paroles (elles en valent la peine) et ponctué de petits textes, de plus traduits en français. Le propos liminaire de celui qui se définit comme un «soldier of the blues» rend sa démarche limpide: «Ce périple aura été long et parfois pénible pour moi. Une voyage dans le Sud d’autrefois, effectué en emportant avec moi les souvenirs d’un oncle qui avait passé douze ans et demi sur unchain gang, d’un père né tout juste vingt ans après l’abolition de l’esclavage. Pourtant, cette expérience aura eu sur moi des vertus curatives. Le blues vous aide à traverser l’obscurité avant de faire la fête, une fois la lumière retrouvée. J’aime le blues, une histoire américaine et un don hérité de Dieu que ma communauté a offert au reste du monde.» Tout est dit.
Le récit se partage entre côté obscur(«Unmarked Grave», sur les terribles chain gangs – chaînes de prisonniers condamnés aux travaux forcés – qui ont perduré jusqu’aux années cinquante, ou «Run Brother Run», sur les pendaisons sommaires) et côté lumineux («Juke Joint Jumpin’», sur les juke joints, ces établissements rudimentaires où les travailleurs s’amusaient le soir, ou le jubilatoire «Everybody Needs the Blues»). Mighty Mo effectue ici un travail de mémoire essentiel, à travers différents petits tableaux retraçant le vécu de la communauté afro-américaine. Il rappelle ainsi l’histoire douloureuse du blues et son universalité, car il parle de la condition humaine. Pour Mighty Mo, le blues est une vérité essentielle, voire métaphysique, à laquelle il se consacre avec une grande intégrité.
Toujours profond mais jamais sentencieux, Mighy Mo Rodgers conclut cet album avec, en bonus track, une vraie-fausse conférence de presse où il en remet encore quelques louches avec un humour savoureux, concluant par un message à sa communauté de naissance, dont il redoute qu’elle ne finisse par perdre le fil de sa mémoire: «We all are the blues people, and we got to get back to the blues».

Siciliana, For all We Know, This Is New, Quest, Master of the Obvious, Zingaro, Sweet Pea, Kurtland, Moonlight in Vermont, Lazy Afternoon, Welcome/Expression, DL, Day Dream
Dave Liebman (ss, ts, fl), Richie Beirach (p)
Enregistré en avril 2015, Zerkal (Allemagne)
Durée: 1 h 14' 21''
Intuition 3444 2 (Socadisc)

Deux amis qui affichent cinquante ans de relation musicale et quarante-trois ans de partage en duo. Pour Dave Liebman, Richie Beirach est l’ancre du groupe, plus encore que le couple basse-batterie. On peut en juger dans ce disque. Et cet ancrage permet au saxophoniste, essentiellement au soprano (il n’apparaît que trois fois au ténor, et pour un cours solo à la flûte) de laisser libre cours à son lyrisme. Il joue avec ce qu’on appelle un son droit, c’est à dire sans vibrato, mais avec une sonorité chaude, moelleuse et cuivrée, qui évoque assez celle de Steve Lacy; il sait être dans la force ou bien la délicatesse. Ces deux musiciens possèdent au plus au point le sens du silence, laissant respirer la phrase, la note; provoquant même le recueillement sur les tempos très lents. Treize ballades, on pourrait craindre l’ennui; il n’en est rien tant les morceaux sont tendus, détaillés délicatement, chauffés dans les profondeurs des sentiments. Comme par exemple «Welcome/Expression» de Coltrane, avec Dave Liebman au ténor; c’est une calme méditation belle comme un soleil qui invente l’aube; un chant profond dans le grave du ténor, magnifié par le pianiste, qui possède une main gauche riche harmoniquement, et qui souvent place de savoureux contrepoints derrière la mélodie du saxophone. A noter une très personnelle et convaincante interprétation de la «Sicilienne» de J.S. Bach.

C’est dans les ballades qu’on peut goûter la profondeur expressive des musiciens. Et là on est à la fête.

Poussières d'Anatolie, Vergine, La Route de Damas, Lumières de l’Euphrate, Antika, Les Cieux d’Erzeroum
Claude Tchamitchian (b), Daniel Erdmann (ts, ss), François Corneloup (bar, ss), Philippe Deschepper (g), Christophe Marguet (dm), Géraldine Keller (voc)
Enregistré les 18 et 19 octobre 2015, Pernes-les-Fontaines (83)
Durée: 55' 36''
Emouvance 1037 (Socadisc)

Comme pas mal d’autres musiciens de jazz aujourd’hui, Claude Tchamitchian plonge dans ses propres racines pour confectionner son jazz. On nous dit que c’est André Jaume, dans les années quatre-vingt, qui lui fit remarquer que «dans les inflexions de ses mélodies affleuraient les traces de ses origines arméniennes», d’où le nom du disque. On voyagera donc dans les «Poussières l‘Anatolie», les «Lumières de l’Euphrate», jusque sur la «Route de Damas» sous «Les Cieux d’Erzeroum». Il avait déjà travaillé sur les modes orientaux avec son orchestre Lousadzak. Ici, il a élaboré une suite consacrée à l’évocation du génocide arménien sous forme de photographies sonores dont chaque thème est l’évocation d’un épisode de la vie de personnages imaginaires, mais emblématiques (voir le texte de Stéphane Olivier sur le livret). Il appartient à la chanteuse Géraldine Keller de dire les textes parlés (tirés de Seuils de Krikor Beledian, Editions Parenthèses, 1997), souvent d’exhortation. Elle chante aussi d’une façon très douce et mélancolique, se coule dans les ensembles, ou pratique le jodel d’Europe centrale. Côté jazz, on peut noter un beau travail des saxes: par exemple, le solo de ténor sur «La Route de Damas» et surtout la prestation «en colère» de François Corneloup au baryton, sur une batterie diluvienne, avec des montées incroyables dans le suraigu; des cris de douleur et de rage, avec également la prestation formidable du contrebassiste, et un texte tragique qui parle de l’Euphrate mangeur d’hommes. «Antika» est une délicate et belle ballade menée par le ténor sur accompagnement de la contrebasse et tout le groupe, qui se termine sur une longue plainte écorchée de la chanteuse: très prenant. A noter un mouvant et captivant solo de contrebasse à l’archet sur cet étrange et captivant «Antika».
Un bel album.

Mr. Gollywogg, Première gymnopédie, Sicilyan Dream, Medley: La Plus Lente Que Lente/La Moins Que Lente, Hommage à Edith Piaf, Le Crépuscule, Mein Lieber Schumann I, Medley: Romance/Hommage à Milhaud, Mein Lieber Schumann II, Hommage à Fauré, Liebestraum pour tous
Enrico pieranunzi (p), André Ceccarelli (dm) Diego Imbert (b)
Enregistré les 12, 13, 14, 15 novembre 2015, Meudon (92)
Durée: 53' 26''
Bonsaï Music 160901 (Harmonia Mundi)

On connait la propension des musiciens de jazz, principalement en Europe, a puiser leur inspiration dans la musique classique ou ailleurs. La résultat relève souvent d'un collage artificiel, mais on note aussi quelques belles réussites (Raphaël Imbert, Bach-Coltrane, Outhere Music). C'est également le cas avec ce lumineux pianiste qu’est Enrico Pieranunzi. On sait que ce n’est pas le thème qui fait le jazz, mais son interprétation, et là, le trio est parfaitement d’expression jazz, et du meilleur, et qui sait d’où il vient. Pieranunzi s’inspire de thèmes puisés chez les impressionnistes, d’ailleurs parfaitement adaptés à notre musique: Debussy, Fauré, Satie. Et le plus grand de tous, Bach, privilégié par les jazzmen, sûrement pour sa rigueur rythmique et d’autres qualités proche du jazz. Des romantiques; Schumann, Liszt. Et plus proches de nous, Poulenc et Milhaud.

Le trio fonctionne à merveille avec un Ceccarelli, discret et efficace, jouant essentiellement sur la caisse claire et la ride pour assurer la pulsation et la relance dans la grande tradition. Imbert joue avec une contrebasse chantante, sur d’admirables lignes mélodiques. Et le leader qui fait preuve d’une touchante sensibilité, d’une retenue confondante, d’une main gauche d’une extrême richesse harmonique comme par exemple sur «Mein Lieber Schumann (Op.6-n°2)» en tempo medium et quelques accélérations appropriées. Tous les morceaux seraient à citer; les détails des œuvres d’origine sont donnés sur la pochette. Attardons-nous tout de même sur «Hommage à Edith Piaf», inspiré de la «XV° improvisation» de Poulenc, car elle repose sur une interprétation inouïe des «Feuilles mortes». Une version très émouvante, impressionniste mâtinée de blues, œuvre splendide du trio.
Pas d’exploit, du jazz, donc de la musique, avant toute chose. Et de la beauté!

Esquisse Part 1, 2, 3*, Bailador°, Dolce°; Interview with Michel Portal
Michel Portal (bcl*°, ss°), Richie Beirach (p)*, WDR Big Band° (personnel détaillé dans le livret)
Enregistré le 3 mars 2016, Gütersloh (Allemagne)
Durée: 1h 00’ 08’’
Intuition 71319 (Socadisc)

Michel Portal en duo, puis en dialogue avec un grand big band allemand, est l'objet du septième numéro de la collection «European Jazz Legends» dont il est déjà question dans la précédente chronique. Entendre Michel Portal à la clarinette basse est un plaisir, d'autant plus en compagnie d'un pianiste du niveau de Richie Beirach. «Esquisse. Part 1» est une ballade qui oscille entre un lyrisme romantique et impressionniste, mais tout à fait jazz. Dans «Part 2», Portal est seul, magnifique, avec l’esprit du blues sous-jacent. Dans «Part 3», le duo est plus partagé, les deux instruments sont plus inbriqués l’un dans l’autre, le partage, les échanges sont parfaits. Voici deux grands lyriques dans la beauté des phrases. Sur les deux morceaux suivant, Portal est entouré par l’imposant WDR Big Band dirigé par Rich DeRosa sur des arrangements canons de Florian Ross, avec des ensembles très clairs, qui laissent leur place aux solistes, et reposent sur une rythmique solide. Sur «Bailador» de Portal, celui-ci est au soprano, sublime dans un long solo, à noter les solos du pianiste Hubert Nuss et du trompettiste Ruud Breuls. Portal revient à la clarinette basse sur «Dolce» de lui-même, en dialogue avec le tromboniste Mattis Cederberg; et ça déménage!
Le disque se termine par une interview de vingt minutes, exercice caractéristique de cette collection. Il y évoque avec malice ses débuts dans la région de Bayonne ou les critiques dont il peut faire l'objet, de la part des amateurs de musique classique d'un côté, et des amateurs de jazz, de l'autre.

Ô Elvin, Hopi, Mic Mac, Dakota Mab, Navajo Dream, Comanche, Sueno Canto; Interview with Henri Texier
Henri Texier (b), Sébastien Texier (as, cl), François Corneloup (bar), Louis Moutin (dm)
Enregistré le 22 novembre 2015, Gûtersloh (Allemagne)
Durée: 1h 10' 58''
Intuition 71317 (Socadisc)

Gütersloh est une ville allemande de Rhénanie du nord (Westphalie) avec laquelle le collectif «European Jazz Legends» de la revue allemande Jazzthing, s’est associé, ainsi qu’avec la radio Westdeutscher Rundfunk Köln pour promouvoir le «jazz européen». Il en résulte une série d'enregistrements live au théâtre de Gûtersloh avec des figures historiques: Enrico Pieranunzi (chroniqué dans Jazz Hot n°676), Jasper Van't Hof, Michel Portal, Miroslav Vitous, Daniel Humair... soit une collection qui compte aujourd'hui dix titres et dont ce CD d'Henri Texier est le cinquième.

Henri Texier est aussi recherché comme accompagnateur que l’était Pierre Michelot en son temps. Mais il est avant tout un grand leader et un aventurier du jazz dont on ne compte plus les réussites. Le voici avec son magnifique Hope Quartet. Le disque est dédié aux Indiens chers à Texier, évoqués par les titres: Hopis, Sioux, Dakotas, Navajos, Comanches. Mais le disque commence par un hommage à Elvin Jones «Ô Elvin» dans lequel le baryton fait merveille avec un solo où il se déchaîne, ainsi que le clarinettiste dans la grande tradition de l’instrument. Il se termine par «Sueño Canto» merveilleuse prestation du contrebassiste: une intro basse seule sur tempo lent, il fait sonner les cordes à la façon d’un sitar indien, s’ensuit un trio clarinette, baryton, contrebasse de toute beauté et d’une grande émotion.
Les autres morceaux sont des écrins aux thèmes «Indiens». Dans «Hopi» il y a un beau travail de contrepoint, un peu comme dans le «Jeru» de Miles, et un époustouflant solo de contrebasse dans l’aigu, qui sonne aussi clairement que les cloches du paradis (si, si, il y en a!). Sébastien Texier est un altiste qui compte, qu’on écoute comment il éclate sur fond de basse / batterie dans «Mic-Mac». «Dakota Mab» démarre à l’unisson sur un rythme de danse Sioux, puis un long solo de l’alto à la défonce, et tous les musiciens s’en donnent à cœur joie. «Navajo Dream» nous vaut une intro contrebasse seule, riche d’accords, puis il laisse sonner une note basse et improvise dessus, on glisse à «Comanche» avec le baryton en délire qui vole dans l’aigu et plonge dans le grave, growle, et la contrebasse tricote, un duo basse-batterie, et on passe du calme à la tempête et aux hurlements de joie du public. Retour au calme avec «Sueño Canto». Toutes les compositions sont d’Henri Texier pour une musique bien ancrée dans le blues et le jazz et qui a été enregistrée neuf jours après les attentats du 13 novembre à Paris. D’où la ferveur, le partage et la rage de jouer des quatre musiciens. On sent qu’ils voulaient dire que la vie, notre liberté seraient les plus fortes. On peut toujours l’espérer.
Le disque se termine par une interview d’Henri Texier, en anglais, par le journaliste allemand Götz Bühler et dans laquelle il se raconte avec humour et évoque également les valeurs communes à 1789 et au jazz.

Prime, Terce, Sext, Nones, Vespers, Compline, Lauds
Claudio Fasoli (ts, ss), Michael Gassman (tp, flh), Michele Calgaro (g), Michelangelo Decorato (p), Andrea Lamacchia (b), Lorenzo Calgaro (b) Gianni Bertoncini (dm, electronics), Marco Zanoli (dm)
Enregistré les 15 et 16 avril 2016, Cavalicco (Italie)
Durée: 45' 35''
Abeat Records 158 (www.abeatrecords.com)

Pourquoi un Double Quartet? Pour enregistrer ces Inner Sounds, Claudio Fasoli avait le choix entre le Claudio Fasoli Four et Claudio Fasoli Samadhi Quartet. Il a choisi de réunir les deux quartets pensant qu’il y avait là une belle façon de s’exprimer avec deux batteries et deux contrebasses. A l’origine, Fasoli voulait composer des musiques sur des fragments des sept poèmes de W.H. Auden, Horae Canonicae, écrits entre 1949 et 1955, mais n’obtenant pas les droits, il s’est contenté de garder les titres. Chacun se réfère à une heure de prière dans la journée. Il y a donc ce côté sacré, méditatif et ses «sons intérieurs» qui s’exalte dans cette musique interprétée par le Double Quartet.

Fasoli retrouve ici la plupart de ses compagnons de musique, et que ce soit au ténor ou au soprano, il est sommet de son art, serein et tranquille, en plein dan son chant. Avec toutes les qualités du compositeur et de l’arrangeur dans ces Horae Canonicae, le goût pour les unissons harmonisés subtilement, la beauté des sons et des mélodies, l’art de la litote, l’expressivité lyrique contenue, pas de fioritures, rien que du senti. Avec ici un léger emploi d’effets qui viennent titiller, relever le goût comme les épices en cuisine. Et aussi l’utilisation de nappes desquelles émergent les solos comme par exemple dans «Prime», très lent, avec un emblématique solo de ténor au lyrisme retenu. Dans «Sext», à nouveau sur tempo lent, une intro avec un gros son du saxophone et se déploie un arrangement teinté «Bitches Brew», en plus mélodique, dans lequel les voix s’enchaînent sur un fond trillé de contrebasse. Le trompettiste possède un jeu très délié, volontiers volubile, très en osmose avec le ténor comme sur «Compline». Le dernier morceau «Lauds» se termine par une sorte de ritournelle soprano-trompette qui donne à saisir le sens du vers récurrent du poème, le jour se lève, mais «In solitude, for company»On se trouve en présence d’un réel travail collectif dans une parfaite unité entre l’écriture de Fasoli et les solos toujours parfaitement dans l’esprit du morceau. L’écueil eût été de juxtaposer les deux quartets, ou d’en faire un octet, c’est au contraire un groupe à géométrie variable qui sert avec brio les compositions originales de Fasoli.
Une belle réussite, d’une grande inspiration. Ces Inner Sounds sont vraiment des chants de l’intérieur, ou quand le jazz se fait prière au dieu musique.

Sweet Georgia Brown, Moppin and Boppin, Avalon, Stars Fell in Alabama, St Louis Blues Part 1 & 2, Cray Rhtythm, Petite fleur, Together, Indiana, A Kiss to Build a Dream On/September in the Rain
Julie Saury (dm), Aurélie Tropez (cl), Frédéric Couderc (ts, fl), Shannon Barnett (tb, voc), Philippe Milanta (p), Bruno Rousselet (b)
Enregistré du 11 au 14 janvier 2015, Vannes (56)
Durée: 58' 33''
Black & Blue 819-2 (Socadisc)

Cela fait plus de vingt ans (déjà!) que Julie Saury «fait le métier», avec une capacité d’adaptation certaine. On la croise en effet aussi bien sur des projets relevant d’un jazz que l’on pourrait qualifier de «contemporain» et s’appuyant sur des compositions originales (tel son trio avec Carine Bonnefoy et Felipe Cabrera: voir notre chronique dans Jazz Hot n°675), qu’au sein de formations plus swing – avec une présence accrue ces dix dernières années –, comme celles de Rhoda Scott, Sarah Morrow, le Duke Orchestra de Laurent Mignard ou le trio de Philippe Milanta, partenaire de longue date. De nature rieuse, Julie s’accommode également très bien des facéties du Grand Orchestre du Splendid. Une élasticité qui s’explique sans doute par sa «double culture» musicale: d’un côté le jazz dit «traditionnel» qu’elle a reçu en héritage, de l’autre, des goûts d’adolescence qui l’on emmenée vers le funk ou la pop (avec une adoration pour Prince...). Sa formation, passée par plusieurs écoles et quelques stages à New York, ayant complété son bagage de jazzwoman. Avec le temps, son jeu a gagné en rondeur et son groove en fait une des fines baguettes de la place de Paris.

Julie est bien sûr la fille de Maxim Saury (1928-2012), héraut, avec Claude Luter, du jazz new orleans en France et admirateur infatigable de Sidney Bechet. Avec bonheur, le père accompagna les débuts de sa progéniture. Julie construisit néanmoins son propre chemin. Et c’est avec cette même distance vis-à-vis du parcours paternel, mêlée d’un amour et d’une admiration évidentes, que la batteuse a bâtit cet hommage au clarinettiste. Julie, dans ce For Maxim, reste elle-même, éclectique, alors qu’on aurait pu s’attendre à un disque dans l’esthétique «revival». Elle a ainsi fait le choix judicieux d’adapter le répertoire de son père au filtre de sa propre sensibilité, en compagnie de ses habituels et talentueux complices, le toujours impeccable Philippe Milanta en tête. Ainsi, sur un «St. Louis Blues», très épuré, qui s’étire sur deux parties, la batterie s’exprime longuement, tantôt simplement accompagnée des appeaux incongrus de Frédéric Couderc et des notes détachées de Milanta, tantôt rejointe par le reste de l’orchestre, dans un flux et reflux de swing. Le même Couderc reprend son sax sur une émouvante version de «Petite fleur», pris sur tempo lent (on est là plus proche de Don Byas que de Bechet!). Preuve – s’il en fallait – que l’on peut toujours renouveler le plaisir avec les standards les plus rebattus. A l’inverse, «Basin Street Blues» est rendu dans son jus néo-orléanais, donnant l’occasion d’apprécier tout particulièrement les deux soufflantes de l’orchestre, Aurélie Tropez et Shannon Barnett, qui offrent ici un savoureux duo. Autre vieux complice, Bruno Rousselet s’avère, dès le premier titre, un élément déterminent de la section rythmique (qui est évidemment l’épice de cet enregistrement). Philippe Milanta est magnifique sur «Together», réjouissante reprise sur laquelle la tromboniste donne joliment de la voix. Quant à la leader, elle a évidemment l’occasion de déployer sa large palette et son solide jeu de cymbales, notablement appréciable sur les morceaux rapides («Crazy Rhythm»).
Maxim peut être fier de sa jolie souris.
Un mot, pour finir, sur le contexte très particulier de cette session qui se déroulait immédiatement après les attentats de janvier 2015. Julie a dédié le disque aux victimes de Charlie Hebdo. Une belle note bleue et d'espoir, en effet, pour Cabu qui aimait le jazz de Maxim Saury et le dessina dans Jazz Hot (n°186 de 1963), au Caveau de La Huchette, où Julie vient d’ailleurs régulièrement prolonger cette jazz love story.

CD1: Nubia, Tehuti, The Call, Ardi, Sidi Bilal, Spirit of Touba, Shang Dynasty, Children Song
CD2:Blues For Tricky Sam (introduction), Blues For Tricky Sam, Cleanhead Blues (introduction), Cleanhead Blues, Nanapa Panama Blues, Monologue Dr. Randy Weston, The Woman (introduction), The Woman, The African Family (introduction), The African Family Part II , Soundiata (introduction), Soundiata, Love-The Mystery of
Randy Weston (comp, p, rec), Jayne Cortez (poet), Wayne B. Chandler (rec, Writer), Robert Trowers (tb), Howard Johnson (tu), Billy Harper (ts) T. K. Blue (fl), Alex Blake (b), Lewis Nash (dm), Candido (perc), Neil Clarke (afr. perc), Ayanda Clarke (afr. perc), Tanpani Demda Cissoko (voc), Melba Liston (arr), Lhoussine Bouhamidi (mus. gnawa), Ayodele Maakheru (nefer), Min Xiao-Fen (pipa), saliou souso (kora)
Enregistré le 8 avril 2012, New York
Durée: 55' 57'' + 52' 57''
Autoproduit (www.randyweston.info)

On connaît la longue réflexion de Randy Weston et plus largement de beaucoup d’Afro-Américains sur leur place sur terre et aux Etats-Unis en particulier. C’est une recherche qui rassemble toutes les populations qui ont connu dans leur histoire la déportation, une forme de diaspora, et parfois une forme d’asservissement, l’esclavage ici. C’est aussi un combat du quotidien dans une société où l’on vous regarde parfois de travers sans autre raison que votre couleur de peau, où, pire, on ne vous voit même pas, où l’on vous nie.
L’interview récente de Randy Weston dans Jazz Hot n°673 et les plus anciennes (n°576, n°508) le rappellent, et la recherche de Randy Weston sur ses racines, un grand thème de la littérature et du cinéma américain comme du jazz, n’est pas neuve dans le jazz et dans son histoire en particulier. Duke Ellington, qui inspire si précisément Randy Weston dans son jeu de piano et son expression artistique en général, encore ici, avec cette African Nubian Suite qui évoque les suites (African Suite, New Orleans Suite, etc.), avait ouvert la voie à ces fresques, sur une Afrique mythique en particulier.
L’environnement familial de Randy Weston, ses parents, y sont pour beaucoup qui l’ont bercé de l’histoire proche et lointaine de ses ancêtres pour percer la chape de plomb de la société des Etats-Unis qui recouvre, encore aujourd’hui, une partie de ses citoyens, avec le but évident de stériliser leur histoire.
Les Etats-Unis, dans leur ensemble, fourmillent de ces recherches, et cela prend toutes les formes du vivant, aussi bien dans l’art que dans la vie quotidienne, dans la recherche, historique en particulier, aussi bien que dans les formes d’organisation sociales et les pratiques quotidiennes, jusqu’aux codes vestimentaires, une manière de résister à la normalisation, même si la contrepartie est de renforcer le communautarisme et les réflexes identitaires. Martin Luther King reste en effet à ce jour le seul «politique» d’importance qui ait évité cet écueil par une vision universaliste, sans doute due à son état religieux (un paradoxe très américain), mais tous les grands artistes de la littérature (de Claude McKay à Chester Himes) et du jazz de l’âge d’or, (Louis Armstrong, Duke Ellington, Benny Carter, Dizzy Gillespie, Thelonious Monk, Charlie Parker, etc.) possédaient cette force et cette vision universaliste, née avec la Harlem Renaissance.
La référence à l’Afrique, élément de l’imaginaire et de la construction de l’individu, reste donc un élément fort dans une société communautarisée et ségréguée. Randy Weston a fait un retour en Afrique, d’autres seulement le voyage; pour d’autres encore, l’Afrique est seulement une mythologie. Mais pour tous, l’Afrique est la référence à une terre d‘élection, plus ou moins symbolique et concrète.
On trouvera donc tout naturel cet hommage à l’Afrique, mère de l’humanité, réalisé par Randy Weston, car c’est un thème récurrent de sa recherche personnelle et musicale, et pour lui un moyen de trouver des racines uniques à toute l’humanité dans une conception finalement universelle. Randy Weston a parcouru le monde, s’est fixé par périodes en Afrique, au Maroc en particulier, a joué avec des musiciens locaux, et a visiblement fait des recherches, à sa façon, sur l’histoire de ses ancêtres africains, un grand thème de sa discographie.
On peut d’ailleurs discuter ses visions ethno-musicales, les partager ou pas ou en partie, mais elles sont la base objective d’une conviction sincère, une sorte d’autoportrait d’un artiste américain et d’une œuvre très jazz d’une densité et d’une exceptionnelle beauté. Comme cela est dit dans le livret, avec honnêteté, ce n’est pas un disque de jazz ou pas tout à fait, rectifions-nous, car le jazz (la grande musique née aux Etats-Unis du vécu des Afro-Américains) y est omniprésente par la seule présence de Randy Weston et de certains musiciens (Billy Harper, T. K. Blue, Alex Blake, Lewis Nash…), par celle du blues (la matière et la forme), du swing (le phrasé) et le caractère hot de l’expression (le disque II en particulier), même la musique africaine peut partager certaines de ces qualités et si la présence de musiciens africains, de musique africaine, apporte une puissante couleur africaine à l’ensemble, même quand Randy Weston et Alex Blake, en duo, réalise cette belle synthèse très jazz dans l’exécution et si directement africaine dans l’inspiration et la couleur («Nanapa Panama Blues»); D’autant que ce n’est pas seulement un disque de musique, mais aussi un récit mythologique, un voyage, un texte, dans l’esprit des textes qui accompagnent la musique sacrée de Duke Ellington, encore lui, avec souvent un caractère poétique (Jayne Cortez), dit par le bon Wayne B. Chandler.
C’est également une affirmation politique, un spectacle en live, très américain, une rencontre avec un public et un exposé de tout ce qui constitue la particularité du grand Randy Weston. C’est une curiosité pour comprendre la société américaine et ses recherches, et l’actualité récente en renouvelle la portée.
Une Afrique mythique et rêvée permet donc de découvrir, pour ceux qui ne le connaissent pas, un personnage, formidable pianiste (un des rares disciples de Duke Ellington), un conteur et un grand artiste américain, et donc universel comme le sont les artistes de ce calibre, un homme parmi les plus attachants du jazz, d’une générosité exceptionnelle dans son art, dont il faut aussi comprendre le cheminement créatif pour véritablement apprécier l’œuvre.
Le disque a été autoproduit, c’est une autre raison de le rendre précieux, car Randy Weston l’a conçu comme un cadeau, un message, avec un livret en anglais, en espagnol et en français, un choix qui n’est pas sans signification.

A Cockeyed Optimist, Serpentine, The Optimum Thing, Calligram, Palomino, For No One, Everybody's Song But My Own, The Peacocks, We See, Solo Encore: Valentine
Fred Hersch (p), John Hébert (b), Eric McPherson (dm)
Enregistré le 27 mars 2016, New York
Durée: 1h 08’
Palmetto Records 2183 (Bertus)

Vous pouvez lire dans le n°679 du printemps une interview qui vous resitue la personnalité artistique toute en nuances de cet excellent pianiste, l’un des plus beaux héritiers, le plus beau selon nous, de la tradition de Bill Evans qu’il prolonge avec autant de qualités pianistiques qu’artistiques, dont une poésie qui ne fait aucun doute dans son inspiration. Il jouit pour cela du respect et de l’admiration de tous les musiciens de la scène du jazz, et ce disque comme les précédents, est une belle réussite car cet artiste est toujours d’une grande sincérité qui confère à toute son œuvre, jusqu’à ce jour, une forme de perfection, à la différence d’autres, parfois plus connus, qui, de la même tradition, n’ont ni l’inventivité, ni la conviction, ni la poésie nécessaire à cette expression. Le toucher lumineux de Fred Hersch est un régal, et il est ici brillamment secondé par John Hébert et Eric McPherson qui collent à la musique avec une belle musicalité.

Cet enregistrement au Village Vanguard trouve un écho explicatif dans l’interview qu’on vous laisse lire par ailleurs, et prolonge une histoire d’amour entre un musicien et un club commencé il y a quarante ans, quand Fred Hersch vint y écouter Dexter Gordon pour son retour aux Etats-Unis.
Cela dit, Fred Hersch est un musicien ancré dans la musique de haut niveau, en général, plus que dans le jazz, possédant, cela s’entend une grande culture classique et une expression, qui pour se situer aujourd’hui sur les scènes du jazz, et s’en inspirer souvent sur le plan rythmique, n’en est pas moins une musique d’un autre univers où le blues n’a aucune place. Cela n’enlève rien à la qualité de cette œuvre et de ce moment exceptionnel au Village Vanguard, sauf la profondeur d’une tradition complètement absente, et pour cause, du registre du pianiste. On peut en faire abstraction facilement, le disque est passionnant, mais il faut être clair, malgré le trio, et la structure rythmique de certains des thèmes, ce n’est finalement pas du jazz, sauf à réduire le jazz à une simple mise en forme ou une ambiance, fut-elle celle du Vanguard; et qualifier de jazz ce que le jazz n’est pas. Si vous voulez illustrer ce propos, écouter un disque de Kenny Barron, McCoy Tyner, Eric Reed, Cyrus Chestnut, Harold Mabern, et quelques autres, après avoir écouté ce disque.

I've Got He World on a String, Somebody Stole My Gal, Keepin' Out of Mischief Now, Lullaby in Rhythm, I Cover the Waterfront, Daintiness Rag, Ain't Misbehavin, Sugar, Sweet Lorraine, La Mère Michel, On the Sunny Side of the Street, Body and Soul, F Minor Stride, April in My Heart, It's Only a Paper Moon
François Rilhac (p)
Enregistré le 24 juin 1985, Paris
Durée: 1h 10' 14''
Black & Blue 8122 (Socadisc)

François Rilhac est une histoire tragique du jazz. Le 3 septembre 1992, ce grand garçon et pianiste de haut niveau de la tradition stride, mettait fin à ses jours. Il était né en 1960 et interrompait prématurément une carrière brillamment amorcée, avec déjà une petite discographie (Megalo Piano Stride, en solo chez Black & Blue, Echoes of Carolina avec Louis Mazetier en duo) et le respect et l’admiration de ses pairs, nationalement et au-delà des frontières. Cette perte d’un rare disciple de Fats Waller et James P. Johnson, aussi cruelle pour le jazz que pour ses amis et ses admirateurs, a laissé comme une ombre amère dans le milieu du jazz, sans doute aussi par toutes les promesses que son encore jeune talent laissait entrevoir au-delà de la perte de l’ami, de l’artiste.
Aujourd’hui, Black & Blue sort en disque cet enregistrement, retrouvé par miracle, effectué en 1985 à la Table d’Harmonie, un club aujourd’hui disparu qui fut créé par Jean-Pierre Bertrand, où l’on retrouve 15 titres inédits aussi brillants qu’émouvants de ce jeune pianiste. François Rilhac y est comme à son habitude très brillant, très fidèle à cette grande tradition du piano stride, et il y a 15 morceaux de bravoure (on a un faible pour son «F Minor Stride» véritablement splendide) comme on rêverait d’en voir en live, car le piano, à ce niveau, mérite le spectacle, le live, une dimension présente à l’origine et magnifiquement restituée ici.
Jean-Pierre Vignola (Jazz à Vienne, Le Méridien), Jean-Pierre Tahmazian (Black & Blue), Jean-Pierre Bertrand et Louis Mazetier (cf. Jazz Hot n°671), brillants pianistes sont à l’origine de cette sortie. Il paraît que le piano n’était pas excellent; on s’en aperçoit à peine devant la maestria de François Rilhac, et si une œuvre doit lui conférer l’immortalité, celle-ci peut tout à fait convenir. L’artiste la mérite. On peut avoir des regrets éternels pour la disparition de François Rilhac, mais on peut aussi maintenant l’évoquer avec la trace fulgurante qu’il laisse ici. Du très beau piano!