Chroniques CD-DVD

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Bonne lecture!

Des extraits de certains de ces disques sont parfois disponibles sur Internet. Pour les écouter, il vous suffit de cliquer sur les pochettes signalées par une info-bulle.

© Jazz Hot 2016

Emmanuel Baily
Night Stork

Aria, East Coast West Coast, Les Feuilles Mortes, Night Stork, Goma, Sahel Al Mumtanah, Bossa de l’Hiver, Letter From Home, Bron-Yr-Aur

Emmanuel Baily (g), Lambert Colson (cornet à bouquin), Jean-François Foliez (cl), Xavier Rogé (dm), Khaled Aljaramani (oud, voc)
Enregistré en mars 2015, Bruxelles
Durée: 41' 06''
Igloo Records 265 (Socadisc)

En totale adéquation avec les objectifs des Jeunesses Musicales du Luxembourg Belge, de Jean-Pierre Bissot et du Gaume Jazz Festival le projet d’Emmanuel Baily prône la mixité. Nous aurions pu nous passer de chroniquer cet album dans une revue spécialisée «jazz». Toutefois le projet d’Emmanuel est tellement original par les couleurs qu’il développe qu’il nous apparait intéressant d’attirer votre attention. Dès l’écoute d’ «Aria», l’étonnante association de la clarinette et du cornet à bouquin interpelle pour l’évidence harmonique. Avec «East Coast West Coast», qu’il aurait pu intituler «Nord-Sud», on sent déjà l’appel des grandes dunes sahariennes (l’oud). Le chant de Khaled Aljaramani sur «Sahel Al Mumtanah nous impose l’humilité; le solo d’oud est joliment porté par l’accompagnement du guitariste ouvrant sur les entrelacs des souffleurs. Un peu plus au Sud, sur l’équateur, il nous invite à onduler du popotin congolien, comme un message d’espoir parmi les viols et le génocide («Goma»). Le poétique «Night Stork» s’inspire des battements d’ailes d’une cigogne … noire, d’après l’auteur; majestueuse, quoi qu’il en soit (re-recording de guitares)! L’originalité des «Feuilles mortes» réside d’abord dans une longue intro à la gratte à laquelle succède l’union des vents. Xavier Rogé (dm) poursuit par des rythmes mats qui ouvrent sur un solo bien inspiré du clarinettiste. Avec «Bossa de l’Hiver» et le druming hypnotique et binaire de Rogé, Emmanuel Baily se sent pousser des ailes. Le délicieux «Letter From Home» vient nous rappeler d’où il les tient! Pour conclure sur un country sound, Emmanuel Baily fait un tribute à Jimmy Page («Bron-Yr-Aur»). Ce sera l’ultime témoignage (pour cette fois) d’un guitariste doué, d’un musicien ouvert et d’un arrangeur d’une grande sensibilité. Non, mais! On n’a pas d’œillères, nous, Monsieur!

Jean-Marie Hacquier

Valerio Pontrandolfo & Harold Mabern Trio
Are You Sirius?

Twenty, You, Touched, Tongue Out, Recado Bossa Nova, Make Believe, Are You Sirius?, Rakin' & Scrapin, Tune Up

Valerio Pontrandolfo (ts), Harold Mabern (p), John Webber (b), Joe Farnsworth (dm)
Enregistré le 11 septembre 2014, Vignola (Italie)
Durée: 40' 22''
In Jazz We Trust 001 (www.valeriopontrandolfo.it)

Ce n’est pas sur le livret (à quoi servent-ils aujourd’hui) que vous apprendrez quoi que ce soit sur Valerio Pontrandolfo. Ce natif (24 avril 1975) de Potenza (Basilicata), dans le sud de l’Italie, installé depuis 20 ans à Bologne, a étudié le saxophone avec Piero Odorici puis a suivi l’enseignement si recherché de Barry Harris, et pris des cours avec Steve Grossman et George Coleman. Il a côtoyé sur scène (festivals européens, clubs) beaucoup de beaux musiciens de jazz comme Steve Grossman, Alvin Queen, Andrea Pozza, et bien sûr beaucoup de la scène italienne du jazz. Le parcours est donc jalonné de références solides, et d’une certaine manière on l’entend dans cet enregistrement très jazz, c’est-à-dire pétri dans le blues, le swing et l’expression hot. Comme le remarque l’auteur des quelques mots d’introduction du livret, le ténor Eric Alexander, habituel compagnon du trio très new-yorkais qui accompagne la découverte de ce disque, Valerio puise aux meilleures sources, celles de Sonny Rollins souvent ou de ses maîtres successifs. Nul doute qu’il aime le jazz, et qu’il s’est fait un énorme plaisir à jouer avec une section ryhtmique de rêve ou l’evergreen Harold Mabern est soutenu par la paire complice et puissante de John Webber et Joe Farnsworth. Beaucoup de standards, les bonnes compositions sont recommandées quand il s’agit d’un disque de présentation, et les quatre originaux sont très «classiques», dans le même esprit. Valerio est d’ailleurs très concentré sur son sujet, il ne se laisse pas aller (les thèmes tournent autour de 4 minutes dans un disque de 40 minutes), et on peut le comprendre, un maître du jazz l’accompagne. Un introduction donc sympathique qui s’écoute avec plaisir d’un musicien qui n’a pas la prétention d’inventer le jazz, même s’il a l’audace d’être le leader d’un trio qui habite à l’étage supérieur.
A suivre...

Yves Sportis

Erroll Garner
The Quintessence

Just You, Just Me, The Petite Waltz Bounce, Honeysuckle Rose, The Way You Look Tonight, It's the Talk of the Town, Caravan, Cheek to Cheek, Look Ma-All Hands!, (There's) No Greater Love, Lullaby of Birdland, I've Got My Love to Keep Me Warm, Groovy Day, A Cottage For Sale, That Old Feeling, Misty, Afternoon of an Elf, I'll Remember April, Autumn Leaves (Les Feuilles Mortes) , Mambo Carmel, The Man I Love, Time on My Hands, Passing Through, The Way Back Blues, Soliloquy, You'd Be So Nice to Come Home to, French Doll, The French Touch, Mack The Knife

Erroll Garner (p) et selon les thèmes: Oscar Moore (g), Nelson Boud (b), Teddy Stewart (dm), John Simmons (b), Shadow Wilson (dm), Wyatt Ruther (b), Eugene Fats Heard (dm), Eddie Calhoun (b), Denzil Best (dm), Al Hall (b), Specs Powell (dm), Kelly Martin (dm)
Enregistré de 1948 à 1962, New York, Carmel, Los Angeles
Durée : 1h 12' 24'' + 1h 11' 55''
Frémeaux et Associés 3063 (Socadisc)

Dans The Quintessence, la collection des compilations de grande consommation (on l’espère pour la maison Frémeaux, c’est mérité), voici le deuxième volume consacré à Erroll Garner qu’on retrouve ici en solo, trio, quartet. Un bon texte d’Alain Gerber raconte toute l’incompréhension du cas Garner qu’on peut résumer par un génie «naturel» et modeste. Par «naturel», il faut entendre «culturel», car toute la force de Louis Armstrong, Fats Waller ou Erroll Garner était bien de donner naturellement à entendre l’essence d’un jazz inspiré par des siècles de culture.
Alain Tercinet s’occupe de la sélection retenue et de son commentaire, et remarque (en les citant) que la plupart des pianistes ont adoré Erroll Garner. Il rappelle que son talent fut apprécié par Boris Vian et Charles Delaunay en France. Il faut aussi se souvenir que, parfois, son plaisir de plaire au public le privait de celui de plaire à une critique faussement «intellectuelle». La variété du répertoire, l’absence de barrière (technique, de tonalité, d’a priori stylistique et autres) ont fait d’Erroll Garner un pianiste universellement apprécié, d’abord des producteurs (il n’avait pas besoin de plusieurs prises) et pas seulement des amateurs de jazz. Beaucoup ont fredonné ses interprétations sans avoir de notions très précises de ce qu’était le jazz, ce qui le rapproche à nouveau de Louis Armstrong.
Erroll Garner se place bien entendu dans un ensemble culturel identifié, notamment par son lieu de naissance, Pittsburgh, Pennsylvanie, une ville bénie pour le piano jazz (de Mary Lou Williams à Ahmad Jamal), dans un moment où l’art du piano atteint des sommets d’expression et de virtuosité, mais la préexistence de Fats Waller, Earl Hines, Teddy Wilson, Art Tatum, Nat King Cole et quelques autres, qui l’ont tous inspiré, ne l’empêche pas de développer son style à nul autre pareil: un style orchestral avec ses introductions légendaires, ses développements sur tempos doublés («The Man I Love»), un délié et une attaque puissante du clavier et de chacune des notes, avec ses redoublements, un jeu en blocks chords légendaire, avec ce petit décalage-retard qui détermine un jeu d’une souplesse extraordinaire et qui est sa marque de fabrique, une musicalité rhapsodiante, une gamme de nuances sans limite du lento-pianissimo au forte-allegro et un swing qui, comme celui de Basie, pourrait servir d’exemple parfait d’une des composantes essentielles du jazz. Le piano de Garner, c’est le jazz en cinémascope. Pianiste de culture, son oreille était capable de tout saisir (y compris chez ses contemporains de Bud Powell à Oscar Peterson) et d’en faire du Erroll Garner. Le génie du jazz est aussi là. De fait, Erroll Garner a influencé, même à leur insu, tous les pianistes de jazz (comme le remarque Jimmy Rowles dans une des citations du livret) et au-delà.
Bon, les amateurs auront déjà dans l’oreille beaucoup de ces chansons qu’il a fait siennes ou qu’il a composées («Misty», «Mambo Carmel»), mais pour les plus jeunes ou les moins spécialisés, cet enregistrement sera une ouverture sur un monde merveilleurx, si l’auditeur est capable, lui aussi, d’écouter ce musicien extraordinaire sans les a priori sonores du jour.

Yves Sportis

Melody Gardot
The Currency of Man

It Gonna Come, Preacherman, Morning Sun, Same to You, Don’t Misunderstand, Don’t Talk, If Ever I Recall Your Face, Bad News, She Don’t Know, Once I Was Loved + Palmas da Rua, No Man’s Prize, March for Mingus, After the Rain, Burying My Trouble (sur la version The Artist’s Cut)

Melody Gardot (voc, p, g), Gary Grant (tp), Irwin Hall (as), Dan Higgins (ts, bs), Andy Martin (tb), Pete Kuzma, Larry Goldings (org), Mitchell Long, Dean Parks, Jesse Harris, Reese Richardson (g), Chuck Staab, Vinnie Colaiuta (dm), Pete Korpela (perc), Heather Donavon, Clydene Jackson, Julia Waters, Maxine Waters (bck voc)

Durée: 48' 52''

Enregistré à Los Angeles, date non communiquée

Decca 4724682 (Universal)

Quatrième pépite pour la native de Philadelphie et une nouvelle fois la finesse et la profondeur de sa musique sont au rendez-vous. Melody Gardot joue un jazz qui puise aux sources du blues et de la soul en y apportant ses couleurs faites d’esthétique, de fashion week et de joaillerie. Sur la galette cela se traduit par des compositions toujours aussi fortes en émotion, une instrumentation sophistiquée avec des cuivres et des cordes à volonté et un line-up de haute qualité. En plus d’Irwin Hall (as), Mitchell Long (g) et Chuck Staab (dm), ses musiciens habituels, Larry Goldings (org), Dean Parks (g) et Vinnie Colaiuta (dm) apportent leur expérience et leurs connaissances à la formation constituée pour l’occasion. La jeune femme, pour qui la musique a été une thérapie, conduit son navire vers les destinations qui lui correspondent tout à fait. L’album est à la fois hot, tendre et spicy avec un clin d’œil au free qui mérite d’être souligné. Currency of Man (version longue) ouvre avec «Don’t Misunderstand», comme si l’artiste voulait nous extraire des champs de coton du Delta profond pour nous amener sur la route d’une certaine libération, avec l’orgue en soutien d’une voix gorgée de sensualité. La Gardot dit des choses fortes sur une musique suave («Don’t Talk») ou plus funky («It Gonna Come»). Aux détours de l’album, on retrouve le Philly Sound qui constitue la base principale de la production de Larry Klein, qui avait produit My One and Only Thrill, ainsi que Herbie Hancock et Joni Mitchell. «Preacherman» est le morceau déclencheur de cette direction. Lors de la tournée 2013 pour son album The Absence, Miss Gardot jouait déjà cette pièce, dédiée à Emmett Till, jeune Afro-Américain assassiné en 1955. Un désir de parler d’une période qui est malheureusement toujours d’actualité outre-Atlantique. Le son est à présent plus rond, un choix esthétique qui se combine fort bien avec les autres morceaux franchement soul («Same to You») et cette référence à sa ville natale. Sur «She Don’t Know», Melody Gardot joue avec les mots. En fait, sur ses chansons elle parle de la vie qu’elle perçoit à travers sa propre existence. En cela elle est jazz et le témoigne par certaines orchestrations et certaines interventions de son fidèle Irwin Hall. Ce dernier devenant par instants un Roland Kirk du présent avec ses deux saxos en bouche («Bad News»). Enfin, comment ne pas évoquer «March for Mingus», un extrait d’à peine une minute, pour rendre hommage au grand contrebassiste, mais qui sur scène se transforme en plus de dix minutes d’intenses échanges jazziques. Un choix défendu par la chanteuse, malgré les réticences de la maison de disques.

Au final, on stage, le public peut être pas forcément féru de la note bleue, découvre une musique qui peut lui paraître lointaine grâce à l’excellent travail de la guitariste signée par Gibson. Pour les fans, il y a encore «Burying My Trouble», et cette sensation que Melody vous parle en direct pour vous dire l’essence de son existence. Ce dialogue ne peut vous laisser insensible. C’est la magie de Melody. Rendez-vous pour un nouvel opus qui semble-t-il pourrait avoir la couleur du Brasil d’Astrud, Antonio et Stan?

Michel Maestracci

The Katie Bull Group Project
All Hot Bodies Radiate

The Crazy Poet Song, Venus on the A Train, Koko's Can Do Blues, Ghost Sonata, The Drive to Woodstock, If I Loved You/ What if?, Torch Song to the Sub, Love Poem for Apollo, I Guess This Isn't Kansas Anymore, Some Perfume Home, Ding Dong the Witch Is Dead, Rapture for the David, The Sea Is Full of Song
Katie Bull (voc) Jeff Lederer (ss, ts), Landon Knoblock (p), Joe Fonda (b), George Schuller (dm)
Enregistré en avril 2013, Paramus (New Jersey)
Durée: 1h 04’ 54’’
Corn Hill Indie (www.katiebull.com)

Katie Bull, poétesse d'avant-garde, compositrice et arrangeuse, est fortement impliquée dans la défense de la nature et est très préoccupée par les changements climatiques. Dans ce CD sous-titré «Love-Nature-The Nature of Love», elle psalmodie (plus qu'elle ne les chante) ses textes sur fond d'une musique de jazz tout aussi intransigeante, car, l'engagement musical est total, et plus proche des véhémences du free jazz que des candeurs du «flower power».
Si la section rythmique ne mérite que des éloges, Jeff Lederer, le saxophoniste, magnifique musicien, fortement influencé par Ayler, sideman occasionnel de Buster Williams ou de Gunther Schuller et conseiller pédagogique du Jazz at Lincoln Center est, quant à lui, digne d'encore plus de compliments. Ce disque étant avant tout un manifeste militant et ne conviendra pas vraiment à une écoute familiale apaisée de fin de week-end.... Mais il rappelle à bon escient, s'il en est encore temps, que le jazz a aussi une dimension politique.

Daniel Chauvet

Eric Séva
Nomade sonore

Graffiti Celtique, Guizeh, Rue aux fromages, Nomade sonore, Monsieur Toulouse, Popa, Kamar, Matin rouge, Sur le pont de Gazagou, Cheeky Monkey
Eric Seva (ss, bs), Daniel Zimmerman (tb), Bruno Shorp (b)
Enregistré à Maison Alfort, date non communiquée
Durée: 59' 33'
Gaya Music Production ESGCD001 (Socadisc)

Le saxophoniste Eric Seva a le sens des titres qui font mouche pour décrire sa démarche. Après Folklores imaginaires (en 2005 avec Didier Malherbe au doudouk) et Espaces croisés (en 2009, avec Lionel Suarez au bandonéon), voici Nomade sonore, son dernier album. Ayant grandi dans un milieu très concerné par le bal musette, il eut le privilège d'être initié au jazz dès l'enfance par un grand expert en la matière, son voisin Jean, l'immense (et si tendre) dessinateur Cabu. Oui, celui là-même qui nous manque tant. Enfin, après de solides études musicales, Eric Seva eut, la chance d'être choisi comme élève par Dave Liebman. Alors, question métissages, il en connait un rayon. D'autant que ponctuée de rencontres miraculeuses, sa carrière l'a conduit à enregistrer avec l'ONJ, Khalil Chahine, Didier Lockwood, Sanseverino, Maxime Leforestier, Dick Annegarn ou... Céline Dion (pour faire court).
Difficile de décrire sa musique tant elle déborde d'influences diverses mêlant, parfois au sein d'un même morceau, un folklore désuet revitalisé par les «notes bleues», au jazz le plus swinguant. Ecriture précise, larges plages d'improvisations, climats et rythmiques combinant moments de tension et de plénitude dans un tourbillon frénétique rempli de rebondissements, ne cessent de surprendre. Les très beaux sons de soprano et de sax baryton s'accordent à merveille avec la variété des timbres du trombone (la prise de son est remarquable), tandis que la basse et la batterie tiennent avec légèreté et une grande complicité leur rôle indispensable de gardien du cap. C'est tout simplement captivant!
Ce disque est dédié aux douze victimes de l’attentat de Charlie Hebdo. On comprend pourquoi.

Daniel Chauvet

Julie Saury / Carine Bonnefoy / Felipe Cabrera
The Hiding Place

Harufe, Laissez-moi, Through the Clouds, Desde Abrit, Samuel, The Hiding Place, Horns and Horses, Vertigo, Un p'tit moi, Stars Fell on Alabam

Julie Saury (dm), Carine Bonnefoy (p), Felipe Cabrera (b)

Enregistré les 3, 4 et 5 octobre 2013, Videlle (91)

Durée: 1h 00' 42''

Gaya Music Production 021 (Socadisc)

Quel est donc ce lieu évoqué par le titre de l'album? Si c'est celui de l'origine géographique des membres de ce trio "mixte" (deux filles et un garçon) venant d'horizons si différents, il faudra se plonger dans un atlas et se livrer à de sacrés calculs... Car si Julie Saury est parisienne et Felipe Cabrera cubain (ou parisien?), Carine Bonnefoy a des origines polynésiennes, mais a grandi en Provence... Quel casse-tête! Peu importe, ils se sont trouvés et bien trouvés. Chacun a apporté ses compositions, et le choix du seul standard (dédié à Maxim... dont le nom de famille n'est pas un vrai secret et qui est joué avec beaucoup de tendresse), n'a pas dû faire débat tant l'entente de ce trio semble totale. Thèmes d'une grande qualité, mises en place découpées au scalpel (en trio on ne peut guère parler «d'arrangements»), écoute de tous les instants, respect de la parole de l'autre, changements de climats soudains et inattendus, interactions éclairs, ostinatos furtifs, choix harmoniques audacieux et surprises rythmiques diaboliquement maîtrisées. Bref, tout ce qu'il est normal d'attendre d'un trio de "vieux briscards", rompus par des années de tournées est là. Evident.

Ce CD est un prodige d'invention de grâce et d'authenticité. Enregistré dans le confort d'un studio on dirait presque un live. Une vraie réussite!

Daniel Chauvet

Jean-Yves Candela
Lucie

Baiao loco, Quel chic, Blue Samba, Il pleut bergère, Astor, Lucie, Aria pour Michèle, Anatelius, Petite valse, Suite pour piano et quatuor à cordes, Like a child
Jean-Yves Candela (p), François Arnaud, Bertrand Cervera (vln),Vincent Aucante (avln), Thierry Amadi (cello), Marc Bertaux (b), Realcino Lima Filho dit Nenê (dm)
Enregistré en mai 2006, Paris
Durée: 51’ 58’’
JMS 111-2 (Sphinx Distribution)

La guimauve n’étant pas son fort, c’est toujours avec un peu d’appréhension que le chroniqueur reçoit un disque de jazz «avec cordes». Mais à l’écoute de celui-ci, les craintes sont vite dissipées. Malgré un penchant certain pour le côté fluide et nostalgique des harmonies de la musique brésilienne, le pianiste, Jean-Yves Candela y signe des compositions énergiques et des arrangements dénués de mièvrerie. Le trio piano, contrebasse, batterie emporte l’enthousiasme par le dynamisme, la précision, et la richesse harmonique de cette musique élégante et lyrique. Thèmes de toute beauté, improvisations pertinentes et mises en place redoutables de finesse ne souffrent aucunement de la présence des cordes, celles-ci n’étant pas, comme si souvent, placées en renfort ou en fond de scène. Mais, postées à point, et parties prenantes du discours, elles participent pleinement à sa réussite.
Signe des temps, malgré les références de son auteur (Les Etoiles, Elisabeth Kontomanou, Babik Reinhardt, Christian Escoudé, Sylvain Luc, Richard Galliano, André Ceccarelli, JM Jafet, les frères Belmondo…), remarqué par André Francis dès 1989, son disque sort presque dix ans après avoir été enregistré… Dur dur de faire carrière quand on vit en province…

Daniel Chauvet

Céline Bonacina Crystal Quartet
Crystal Rain

Smiles for Serious People, Cyclone, Child's Mood, Crystal Rain, Shanty Trails in the Sky, Crossing Flow, Two Sides, On the Road, Vantan
Céline Bonacina (bs, ss), Gwilym Simcock (p), Chris Jennings (b), Asaf Sirkis (dm)
Enregistré du 25 au 27 août 2015, Meudon (92)
Durée: 55’ 07’’
Cristal Records 245 (Harmonia Mundi)

Céline Bonacina, saxophoniste baryton et soprano de 40 ans, originaire de Belfort, s’est formée dans les conservatoires, cursus dont elle est sortie diplômée et qui lui a permis d’enseigner pendant sept ans sur l’île de la Réunion. De retour dans la métropole en 2005, elle crée son propre trio jazz et autoproduit un premier album, Vue d’en haut. Suivent deux disques en trio parus chez ACT, Way of Life (2010, avec la participation de Nguyên Lê) et Open Heart (2012, avec en invités Mino Cinelu, perc, et Pascal Schumacher, vib). Trois opus marqués par la volonté d’intégrer au jazz des influences world music.

Avec Crystal Rain elle nous présente son nouveau quartet acoustique, formation qui conserve une teinte world, et qui porte une musique essentiellement écrite par son leader. Les accents boisés du baryton de Céline Bonacina sont mis au service de compositions aériennes, comportant des préoccupations esthétiques et une tonalité qu’on pourrait qualifier de contemplatives et spirituelles (référence au cristal qui dans la mouvance New Age est le prisme permettant une certaine ouverture au monde). Si les notes chaleureuses du baryton prédominent, Céline Bonacina utilise aussi le soprano au travers de contrastes plus appuyés sur des plages atmosphériques mettant en valeur le jeu inspiré des cymbales d’Asaf Syrkis. L’imaginaire est fortement sollicité à l’écoute de cette musique dont l’onirisme ne se dément pas, mais l’apparentement au jazz s’exprime ici principalement par les arrangements et l’interplay présent entre les instrumentistes.

Ce Crystal Quartet utilise des mesures composées, et bien qu’un véritable sens du collectif anime l’album, la pulsation rythmique ne permet que sporadiquement la mise en valeur des contributions propres à un musicien en particulier. Du coup, l’univers des joutes instrumentales est à peu près absent du vocabulaire usité sur ces pistes, remplacé par l’ambition d’élaborer un discours musical inédit, basé sur les émotions. On ressent d’ailleurs clairement la présence d’autres courants musicaux que le jazz parmi les influences de la saxophoniste (d’où une quasi absence de swing), et surtout un véritable sens de l’ornementation qui ne relève jamais de l’enluminure gratuite, de plus assorti de breaks bienvenus, qui émaille les titres les plus audacieux de ce Crystal Rain.

Le CD se clôt joliment sur «Vantan», une ballade mémorable du contrebassiste, et paradoxalement c’est peut-être sur ce titre (en dehors, bien sûr, de «Crystal Rain») qu’on ressent le plus l’âme d’enfant sous l’égide de laquelle Céline Bonacina a voulu placer son œuvre.

Jean-Pierre Alenda

Jean-Philippe O'Neill Quartet
Willie'O

Emile Saint Saëns, Willie’O, The Stalker, You Make Me Feel so Crazy, Latina, Billy Hart, Brook, Studio 16, Be Bop à Lulu

Jean-Philippe O’Neill (dm), Ronald Baker (tp, voc), Philippe Petit (p), Peter Giron (dm)

Enregistré du 1^er au 4 février 2014, Paris

Durée: 48’ 39’’

Black & Blue 798.2 (Socadisc)

A tous ceux qui n’entendent la créativité en jazz qu’en le dénaturant de son essence, Jean-Philippe O’Neill oppose un démenti incontestable. Soit Willie’O, un album uniquement constitué d’originaux, dans une tonalité globalement bop. Ceux qui fréquentent les clubs parisiens, en particulier le Caveau de La Huchette, on pu repérer ce joyeux gaillard aux côtés de Ronald Baker. Une enfance au Mexique, une adolescence à Paris et une dizaine d’années à New York (il est diplômé de la Rutgers University) ont par ailleurs donné au batteur des horizons larges et une solide maîtrise du swing. Et c’est justement de cette rencontre avec l’ami Ronald – nous explique-t-il dans la (trop) courte notice du CD – qui a jeté les bases de ce quartet (ce qui ne nous étonne guère, tant ce projet paraît cousin des albums de l’excellent Ronald Baker Quintet), lequel est fort bien complété par l’une des Rolls parisiennes de la contrebasse, Peter Giron, et le groovissime Philipe Petit.

Outre la qualité des interprètes, celle des compositions – signées par les trois sidemen – et des arrangements sont à souligner. Les ambiances sont variées, allant de l’évocation de la musique d’Horace Silver (excellent «Emile Saint Saëns» de Petit) à un détour par Cuba («Latina» de Baker), tandis que l’on compte quelques jolies ballades portées par la sensibilité aiguë du trompettiste, en particulier sur les deux meilleurs titres de cet opus: «Billy Hart» (un hommage bienvenu sur un disque de batteur!) et «Brook», tous deux écrits par Peter Giron.

Willie’O est ainsi une œuvre collégiale dans laquelle le leader ne se met pas en avant: à peine nous gratifie-t-il d’un solo en ouverture de «Latina» (où le duo avec Philippe Petit, tout aussi percussif, fonctionne à merveille). Un excès de modestie peut-être. Mais on ne va pas se plaindre que la belle cohésion du groupe ni des couleurs subtiles que Jean-Philippe O’Neill distille du bout des baguettes.

Jérôme Partage

Austin O'Brien Big 5 Band
My Time Is Now

My Time Is Now, Ride On, Ballade for Kele, What Do You See?, Dirty Old Town, Happy, Main Street, She Moves Through the Fair, D’iazz Song, That’s True, Now and Then, My Dear Friend, And I Ask You Why, Love for Two
Austin O’Brien (voc), Michel Pastre (ts), Christian Brun (elg), Philippe Petit (org), François Laudet (dm)
Enregistré en 2014, Meudon (92)
Durée: 56’ 39’’
Autoproduit (www.austinobrienmusic.com)

Les habitués du Caveau de La Huchette ont forcément déjà croisé sa haute silhouette au bar, dans le public et évidemment sur scène. Car cela fait dix ans que cet Irlandais à la forte personnalité fréquente le club de Dany Doriz. Entertainer se réclamant de la tradition des Harry Connick Jr, Frank Sinatra et Tony Bennett, Austin O’Brien propose un album qu’il présente avant tout comme un compagnonnage amical et musical avec Michel Pastre, François Laudet, Christian Brun et Philippe Petit, ce dernier étant l’auteur des arrangements. La qualité du groupe qui entoure le chanteur n’est effectivement pas le moindre des atouts de ce projet (le son hawkinsien de Pastre est tout simplement magnifique) comprenant à une large majorité des originaux, ce qui n’est pas le cas le plus fréquent pour un disque de swing. Ces compositions sont toutes signées ou cosignées par le leader avec Petit, Brun, Michel ou César Pastre (on doit notamment au jeune fils du ténor – par ailleurs, excellent pianiste – une jolie ballade: «D’iazz Song») et elles sont de bonne facture (avec une mention spéciale pour «That’s True», concoctée par O’Brien et Petit). Côté reprise, on retiendra une surprenante version du tube R’n’B de Pharrell Williams, «Happy», – si bien jazzifié qu’on le prendrait pour un standard –, alors qu’avec le traditionnel irlandais, «Dirty Old Town», l’opération paraît artificielle. Résultat des courses: un disque fort sympathique porté par un interprète qui mérite de l’attention.

Jérôme Partage

Kenny Barron Trio
Book of Intuition

Jumeaux, Mister Jazz*, No Blues°, Limelight, Old Trip, Argot, D’une étincelle, Atmosphère, Chuiquita
José Fallot (b), Pierre Olivier Govin (s), Franck Avitabile (p)°, Renaud Palisseaux (p), Mike Stern (g)*, Etienne Brachet, (dm), Carole Sergent (voc)
Enregistré dans l’été 2014, Vannes (56)
Durée: 47’08’’
Sergent Major Company 130 (EMI/The Orchard)

José Fallot est un stakhanoviste de la musique. Né en 1955, il baigne très tôt dans l’univers musical : son grand-père maternel pratiquait le cornet à pistons, ses parents jouaient du piano. Au début des années soixante-dix, attiré par les sonorités du British Blues il opte pour la six-cordes. Sa première formation joue le répertoire des Stones et des Beatles, avec un goût affirmé pour le jeu de Paul McCartney. Il commence à s’intéresser au jazz, suit des cours avecYvon Gardette (org) et Pierre Urban (g).C’est avec ce dernier qu’il commence à «tourner». En 1987, il fait ses premiers clubs parisiens, passe à la basse cinq puis six cordes, frettée ou non. Les tournées et festivals s'enchaînent, notamment en compagnie de la chanteuse Carole Sergent, avec qui il enregistre trois albums. Dans la foulée, il produit des spectacles dont un Tribute to Duke Ellington, avant de devenir le bassiste du cirque Gruss. Il rajoute une nouvelle corde à son arc en devenant programmateur (les Lundis Jazz et au Théâtre Montansier à Versailles). Avec une telle expérience il se lance enfin comme musicien leader et enregistre en 2009, Another Romantic. Le bassiste revient à la production discographique avec un deuxième volume à son opus de 2009. Entouré de ses fidèles musiciens de tournée, Pierre Olivier Govin (s), Renaud Palisseaux (p) et Etienne Brachet, (dm), il s’adjoint aussi les services de Carole Sergent (voc), Franck Avitabile (p) et Mike Stern (g). Le guitariste américain apporte sa touche particulièrement flottante sur «Mister Jazz», dans la foulée de la prestation de Pierre Olivier Govin, omniprésent. La chanteuse se fait entendre de façon très subtile sur trois titres dont le très doux «D’une étincelle». Quand au pianiste invité, il excelle dans l’art de raconter une histoire («No Blues»). Le maître de Another Romantic vol.2 reste tout de même le bassiste qui charpente bien son projet par une présence forte et mélodique de tous les instants. Renaud Palisseaux (p) maintient un haut degré de prestation («Old Trip). L’entente avec son batteur reste de très bonne facture tout au long des neuf plages qui constituent un bel album, dans une veine très traditionnelle aux légers accents «fusion».

Michel Maestracci

Heinrich Von Keilnen / Michael Abene
Dreamliner

You Made a Good Move, Change Partners, Lover Come Back to Me, The Boy Next Door, Bring Enoug Clothes, After You've Gone, It's a Sin to Tell a Lie, Social Call, Get out of Town
Champian Fulton (voc, p), Cory Weeds (ts), Jodi Proznick (b), Julian MacDonough (dm)
Enregistré les 1_^er et 2 mai 2014, Edmonton (Canada)
Durée: 1h 02’ 36’’
Cellar Live 050114 (www.cellarlive.com)

Champian Fulton
After Dark

Ain't Misbehavin'*, That Old Feeling, What a Difference a Day Made, Blue Skies*, Keepin' out of Mischief now, A Bad Case of the Blues*, Travelin' Light*, Mad About the Boy, All Of Me, Baby Won't You Please Come Home, Midnight Stroll
Champian Fulton (voc, p), Stephen Fulton* (tp, flh), David Williams (b), Lewis Nash (dm)
Enregistré le 17 août 2015, Paramus (New Jersey)
Durée: 54’ 30’’
Gut String Records 022 (www.champian.net)

En 2012, le public de JazzAscona avait découvert une jeune pianiste-chanteuse de 27 ans, Champian Fulton, qui faisait l’une de ses premières apparitions sur le Vieux continent. Fille du trompettiste Stephen Fulton, un proche de Clark Terry, elle était attendue avec curiosité par les amateurs qui ne mirent pas longtemps à reconnaître son talent. La demoiselle a depuis fait du chemin et passe par Paris chaque printemps.
Son album Change Partners (sorti l’année dernière) correspond à la sélection de neuf moments des deux concerts donnés par la pianiste dans le club du saxophoniste ténor et producteur de Cellar Live, le canadien Cory Weeds, The Yardbird Suite, installé dans la capitale de la province de l’Alberta, Edmonton. L’artiste construit son programme autour des songs qui lui fournissent matière à chanson. Les pièces de jazz proprement dites, («You Made a Good Move» de Frank Wess, «Bring Enoug Clothes» de Stephen B. Fulton, «Social Call») sont en revanchetraitées en tant qu’œuvres de musique. Elle ouvre d’ailleurs son album avec une pièce totalement instrumentale, celle de Frank Wess avec lequel elle eut souvent l’occasion de se produire au début de sa carrière. La composition de son père, dans la tradition du bop, est aussi totalement instrumentale. C’est l’occasion de l’entendre dans un style pianistique qu’on lui connaît moins dans ses concerts; alors qu’habituellement sa manière est classique, empruntant à Garner parfois, elle évoque, dans ce thème, Red Garland surtout dans la façon d’utiliser les blocks chords. C’est dans la composition de Gigi Gryce, avec les paroles de Jon Hendricks qu’elle réalise la forme la plus aboutie de son projet musical, associant chant et musique dans un esprit «lied». Elle est bien entourée, tant par Cory Weeds, un ténor bien dans l’esprit de sa musique, que par le reste de la rythmique; le batteur joue bien et «fait ce qu’il faut et ce qu’il doit». La contrebassiste, Jordi Proznicki est parfaite.
Un an plus tard, avec After Dark, le ton d’ensemble est différent, plus orienté production commerciale. Il n’en est pas moins agréable, sinon plus travaillé. Comme dans le précédent, nous retrouvons la part de songs de Tin Pan Alley («That Old Feeling», «What a Difference a Day Made», «Blue Skies», «Mad About the Boy», «All Of Me»), qui permet à la chanteuse d’œuvrer avec un certain talent dans son dialogue avec le piano, ne manquant jamais d’évoquer quelques versions rendues célèbres par quelques grands – «That Old Feeling», manière Garner bien exécutée ou «What a Difference», dans un accompagnement façon King Cole à l’articulation des phrases. Cependant les autres pièces, plus enracinées dans la tradition du jazz, lui permettent de faire valoir ses qualités de chanteuse-musicienne et de pianiste nourrie et avertie de la littérature du jazz. Sa composition, «Midnight Stroll», un blues bien assis en piano solo, est une bonne illustration de cet héritage. C’est dans les thèmes walleriens, dont elle a parfaitement assimilé les subtilités, qu’elle est le plus à son affaire, et qu’elle relit de manière ludique en traitant son instrument dans l’esprit Hank Jones (Ain’t Misbehavin, 1978).
Dans cet opus, la jeune chanteuse s’essaie à reprendre des thèmes interprétés par Dinah Washington qu’elle semble particulièrement apprécier: «Baby Won't You Please Come Home» ou « (I’ve Got) a Bad Case of the Blues» (version Mercury 1959) en attestent. Néanmoins sa tessiture de voix ne semble pas convenir à cet objectif; son amplitude comme sa puissance ne lui permettent pas de transcrire la dramaturgie des textes; alors qu’elle s’en acquitte fort bien musicalement, avec beaucoup de réussite même. Sur quatre faces de l’album, Champian a invité son père, Stephen Fulton. Son style très lyrique constitue un très bon contrepoint à sa voix («Ain’t Misbehavin’» ou «A Bad Case of the Blues»). Ses soli sont également de très belle facture, que ce soit en medium tempo («Blue Skies», «A Bad Case of the Blues») où le musicien laisse à ses notes tendrement voilée la totale liberté d’emplir l’espace qu’en tempo soutenu («Travelin’ Light») où sa filiation avec Clark Terry devient indubitable. Plus que tout, c’est la complicité musicale entre père (parfois intimidé) et fille (qui s’affirme avec et contre lui) qui fait plaisir à entendre. Au-delà de ce duo à l’intérieur de l’album, qui lui donne une couleur particulière, c’est la qualité de la section rythmique qu’il convient de souligner. Que ce soit David Williams ou Lewis Nash, Champian a choisi deux merveilleux musiciens qui excellent dans cette fonction d’accompagnateur qui exige présence et discrétion à la fois. Par ailleurs, ils sont aussi brillants solistes (à l’archet sur «Blue Skies» ou pizzicato sur«All of Me» DW; 4/4 de LN sur «Travelin’ Light»). Leur mise en place est un modèle du genre.
Change Partners et surtout After Dark sont deux très bons albums de jazz. Et si Champian Fulton n’entre pas dans la catégorie des légendes vocales, la chanteuse livre un résultat impeccable. En revanche, la pianiste a un vrai talent: c’est plus qu’agréable à écouter!

Félix W. Sportis

Count Basie
Live in Paris. 1957-1962

Whirlybird, Little Pony, Corner Pocket, Lovely Baby, Bleep Blop Blues, Nails, The Kid from Redbank, Well, Alright, OK, You Win; Roll’ Em Pete, Gee, Baby Ain’t I Good to You, One O’Clock Jump, Shiny Stockings, H.R.H. , A Little Tempo Please , Makin’ Whoopee, Who Me, In a Mellow Tone, Blues in Hoss’ Flat, Splanky; Segue in C, Why Not, Easy Money, Vine Street Rumble, Discomotion, Mama’s Talking Soft, Jumpin’ at the Woodside, Easin’ It, Basie, Lil’ Darlin’, Toot Sweet, You’re Too Beautiful, Bleep Blop Blues, April in Paris, The Song is You, Stella by Starlight, Cute, I Needs to Be Bee’d With, Nails, The Blues, One O’Clock Jump
Count Basie (p), Wendell Culley, Snooky Young, Sonny Cohn (tp1), Joe Newman, Thad Jones, Al Aarons (tp), Henry Coker, Benny Powell, Al Grey, Quentin Jackson (tb), Marshall Royal (as1, cl), Frank Wess (as, ts, fl), Frank Foster (ts, cl), Eddie Davis, Billy Mitchell (ts), Eric Dixon (ts, fl), Charlie Fowlkes (bs), Freddie Green (g), Eddie Jones (b), Sonny Payne (dm), Joe Williams, Irene Reid (voc)
Enregistré entre le 9 novembre 1957 et 5 mai 1962, Paris
Durée: 2h 33’ 32’’
Frémeaux & Associés 5619 (Socadisc)

L’auteur de ces lignes déplore l’abandon des rééditions, après l’âge d’or des années 1990, outils indispensables à la «mémoire» et aussi à l’éducation des plus jeunes qui n’abordent de nos jours ce qu’ils croient représentatif d’un genre que par les nouveautés, dernières émanations pour l’essentiel éloignées du cœur du sujet. Peut faire le même office, la sortie, comme ici, d’inédits des maîtres qui outre les mêmes nécessités, combleront aussi les «jazzfans» chevronnés (du moins, ce qu’il en reste).
Voici donc d’inespérés trésors que nous devons à Frank Ténot, Daniel Filipacchi et Norman Granz, enregistrés en direct à l’Olympia (onze des quinze titres des 9 et 12 novembre 1957 -quelques jours après la mise en boîte de l’album historique Atomic Basie- et vingt morceaux du 5 mai 1962 –tout le CD2) et au Palais de Chaillot (neuf titres, 29 mars 1960), grâce aux équipes techniques de la radio Europe 1 (pas terrible en 1957).
Lorsqu’il célébra les 25 ans de l’orchestre, en 1960, Count Basie (1904-1984) était au sommet de sa popularité internationale. C’est plus que de l’éducation que ce genre de disques permet, c’est de la rééducation des oreilles (et du cerveau) sur ce qu’est la nature même du swing. L’arrivée exubérante de Sonny Payne, qui surclasse son bon prédécesseur Gus Johnson, y est pour beaucoup. Pour Basie: «Comment swinguer? C’est la façon de jouer qui fait tout» (livret). En plus, l’orchestre Basie, à toutes ses époques et surtout celle-là, est une constante démonstration du jeu décontracté (même dans l’effervescence), agrémentée d’une parfaite maîtrise des dynamiques (exemple: la fin de «Segue in C»), des contrastes entre les pupitres.
L’écoute des amateurs (parfois chevronnés) comme des consommateurs de jazz, trop soumise à la performance des solos (l’improvisation n’est qu’un plus, et non un but), passe donc souvent à côté d’un intérêt primordial de l’art des grands ensembles, celui de l’orchestration (d’où l’importance des arrangeurs comme Neal Hefti, Ernie Wilkins, Buster Harding, Frank Foster, Thad Jones, Quincy Jones, Benny Carter).
Le plaisir de l’auditeur doté d’une bonne oreille éduquée est de percevoir au-delà d’un résultat sonore global, tous les détails de traitement du son et du rythme, pupitre par pupitre, voir des alliages (exemples: passages de flûte et trompettes avec des sourdines différentes dans «Segue in C»; background au solo de basse dans «Mama’s Talking Soft» par deux flûtes –Wess et Dixon-, clarinettes –Royal et Foster- et clarinette basse –Fowlkes-; stop chorus écrit pour la section de trompettes dans «Discomotion»). On regrette donc que le livret ne donne pas le nom des arrangeurs qui le méritent autant que chaque musicien exécutant, artisan de pupitre comme artiste soliste.
Chez Basie tout porte à l’excellence collective que le «live» préserve autant que la technicité en studio. Il est dommage aussi que les noms des solistes ne soient pas mentionnés, car Basie ne les annonce que rarement (Frank Foster, ts, dans «Little Pony»; Eddie Jones, b, dans «Nails» dont le solo est truffé de citations en 1957 comme en 1962 –même band vocal–) et il est douteux qu’aujourd’hui un nouveau venu sache identifier tel trompettiste même au jeu considéré, hier, comme personnel (exemple: Snooky Young, au style swing et percutant avec plunger dans «Who Me»).
L’album Atomic Basie, d’octobre 1957, sur des arrangements essentiels de Neal Hefti («Lil’ Darlin’», «Splanky», etc.), pour le label Roulette nouvellement lancé, marqua une nouvelle étape pour cet orchestre qui disposait d’une belle phalange de solistes (Joe Newman, tp, Henry Coker, tb, Eddie Lockjaw Davis, ts), de premiers pupitres (Wendell Culley et Snooky Young, tp, Marshall Royal, as) et d’une rythmique de rêve (Basie, Freddie Green, g, Eddie Jones, b, Sonny Payne, dm) pour son image de marque, le swing. Peu après celui de Duke Ellington (à Newport en juillet 1956, avec notamment les 27 chorus de Paul Gonsalves sur Diminuendo in Blue and Crescendo in Blue), le grand orchestre de Count Basie ressurgit donc sur le devant de la scène jazz internationale, prouvant s’il en était besoin (pour les Hodeir et disciples en tout cas) que la nouveauté n’a nul besoin de renoncer à la raison d’être d’un genre expressif.
A cette même époque charnière 1956-57, Dizzy Gillespie aussi dirigeait un excellent big band, mais il ne s’imposera pas durablement contrairement à celui de Count Basie qui a, avec succès, chez les solistes, joué l’assimilation/intégration d’une approche bop (Thad Jones, tp, Benny Powell, tb, Frank Foster, ts-cl-arr, Frank Wess, as-ts-fl –ces deux derniers recommandés à Basie par Billy Eckstine). Remarquons la stabilité du personnel en 1957-62, clé d’accès à la perfection, pour la rythmique et pour la section de sax à un ténor près (Lockjaw Davis en 1957, puis Billy Mitchell -1960- et enfin Eric Dixon, également flûtiste -1962-). Celle-ci est menée par le premier alto «chantant» Marshall Royal. Sa sonorité donne la couleur et la personnalité de toute la section («Lovely Baby» -où le baryton de Charlie Fowlkes donne du poids-, «One O’Clock Jump» -générique de fin de concert-, «H.R.H», «Easy Money», «April in Paris», etc.). Marshall Royal, musicien de culture classique, était directeur musical, et Count Basie se reposait sur lui. Si Count Basie aimait singulièrement son équipe de 1957 («Quand on avait Joe Newman, Thad Jones, Snooky Young et Wendell Culley là-haut dans la section de trompettes, on était tranquille», in Good Morning Blues, p43 –section malheureusement desservie ici par l’enregistrement: «Bleep Blop Blues», CD1-Joe Newman, tp solo et très difficile passage pour la section menée par Snooky Young), le prélude à sa renaissance est déjà dans l’album April in Paris pour Verve (enregistré les 26 juillet 1955 et 4 janvier 1956) dont des morceaux se sont inscrits durablement à son répertoire et que nous retrouvons ici en 1957 («Corner Pocket» de Freddie Green, arrangé par Ernie Wilkins, donne à entendre Thad Jones –qui reprend la citation de «Cherry Pink» comme dans le disque- et Frank Wess), en 1960 («Shiny Stockings» avec un solo bop de Thad Jones, le piano économe du chef et des breaks de Sonny Payne) et en 1962 («April in Paris», arrangé par Hefti avec sa célèbre fausse coda). On constate qu’au cours des deux concerts de 1957, deux titres seulement viennent de l’Atomic Basie: «Whirly-Bird» (où, concurrence du syndrome Ellington/Gonsalves, Eddie Lockjaw Davis fait monter la «sauce») et «The Kid From Red Bank» bien sûr pour le piano de Basie en vedette (on notera les riffs de trompettes en détaché, et la coda qui prouve que sans un 1_^er trompette et un batteur de classe il n’y a pas de bon big band)!
En 1960, il joue encore «Splanky» de Thad Jones (thème en appel-réponse des sections de cuivres et de saxophones, solo véhément de Billy Mitchell, ts, et les trois notes du chef en clôture).
En 1962, l’incontournable «Li’l Darlin’» d’Hefti d’Atomic Basie est toujours là, avec son solo de trompette écrit, souvent assumé par le premier pupitre (qui rappelons-le n’est pas le soliste attitré qui le plus souvent est 2_^e à 4_^e pupitre, mais le meilleur technicien de l’équipe, pas forcément bon improvisateur, responsable de l’esprit musical à donner à l’ensemble) et qu’une multitude de trompettistes professionnels et amateurs, de par le monde, ont joué et rejoué note pour note. Ce solo créé en 1957 par Wendell Culley (avec la sourdine harmon avec tube et du vibrato) fut repris, comme ici (librement), par Sonny Cohn qui a remplacé Culley dès 1960. Basie aimait beaucoup Joe Williams qu’il présenta dans un album de 1955 Count Basie swings–Joe Williams Sings (Barclay GLP 3561) et qui deviendra une vedette auprès du grand public. Joe Williams, inspiré par Big Joe Turner et Billy Eckstine, chante juste, avec une bonne diction et un certain swing. Il apparaît ici dans trois titres: «All Right Okay You Win» qui lui convient bien, «Roll ‘Em Pete» (solo de Frank Wess, ts), deux blues, et le «Gee, Baby» de Don Redman (1957).
C’est Quentin Jackson qui a remplacé Al Grey, parce que «Base» voulait qu’il y ait toujours un spécialiste du plunger dans la section de trombone. Et Quentin Jackson nous donne là de belles démonstrations: «Makin’ Whoopee», «Segue in C» (qui vaut aussi pour le véhément sax ténor au son charnu, Billy Mitchell). Quentin Jackson dispose d’excellents collègues de pupitre bons solistes: le bopper Benny Powell («A little Tempo Please») et surtout Henri Coker, puissant («In a Mellow Tone» où il débute sur des notes pédales; «Blues in Hoss’ Flat», morceau de Basie et Foster pour l’album Roulette Chairman of the Board de 1958, rendu célèbre par le sketch de Jerry Lewis, avec ici un Snooky Young, méchant et growleur avec le plunger).
On ne compte plus les big bands qui ont joué «Cute» de Neal Hefti destiné à mettre en valeur le batteur et lancé par l’album Basie Plays Hefti (avril 1958, Roulette Records R52011). Mais rares sont ceux qui avaient un artiste comme Sonny Payne aux balais (ici, en 1962 –Frank Wess, fl-). Bien entendu les critiques conventionnels n’en avaient que pour Max Roach et Art Blakey (qui sont passés en 1956-57 par un sommet dans leur genre), sans porter assez attention à Sonny Payne, un transfuge de l’orchestre Erskine Hawkins qui a beaucoup joué au Savoy pour les danseurs. Il swingue de façon directe, intense. Un atout de Basie est dès lors le jeu furieux de Sonny Payne à la fin de nombreux titres («Lovely Baby» -notez le «shake» du premier trompette-, «In a Mellow Tone», ««Splanky», «Bleep Blop Blues», etc).
En 1962, Count Basie mélange vieux succès («Jumpin’ at the Woodside» -bon solo avec citations de Frank Foster-) et nouveautés du moment tirées de The Music of Benny Carter (7 septembre 1960, Roulette 52056) et From the pen of Benny Carter (2 novembre 1961, Roulette 52086), respectivement «Vine Street Rumble» (en vedette: le Count et Eric Dixon, disciple de Paul Gonsalves) et «Easy Money» (solos de Thad Jones et Benny Powell).
Dans «Toot Sweet», on retrouve les préoccupations d’alliage sonore présentes dans l’album Impulse! The Kansas City 7 (mars 1962): la trompette avec sourdine de Thad Jones et la flûte de Frank Wess (ils sont aussi solistes dans «Why Not»). Dans «Easin’ It» de Frank Foster, toute la section de cuivres est à l’honneur (alternatives, dans l’ordre: Henry Coker, ouvert, Quentin Jackson, plunger, Benny Powell, sourdine soft, puis Al Aarons, Sonny Cohn, Snooky Young, Thad Jones).
Le méconnu Eric Dixon (1930-1989) est soliste dans «Basie» d’Ernie Wilkins et dans la ballade «You’re Too Beautiful» (influence de Ben Webster).
Quentin Jackson (plunger) est soliste dans «I Need to Be Bee’d With» de Quincy Jones (qui vaut aussi pour Basie) et en contre-chant d’Irene Reid dans «The Blues» (lent), tandis que le bopper Benny Powell est en vedette dans «The Song is You», un standard qui a pour pendant «Stella by Starlight» pour un remarquable trompette concurrent d’Harry James en Sonny Cohn (vibrato, beaux aigus!). Cette nouveauté, puisqu’il s’agit d’inédits, intéressera les jazzophiles vétérans qui retrouveront les principes de leur formatage (et l’ambiance des concerts du Count), mais aussi les apprentis batteurs, les orchestrateurs et ceux qui aiment que ça swingue de façon ludique sans chercher, contrairement à cette chronique, à savoir qui fait quoi.

Michel Laplace

Jeb Patton
Shades and Tones

Introduction, Riot, The Struggle, A Mother's Cry, Santa Maria, For Stephane, Introduction to Bipolar Blues Blues, Bipolar Blues Blues
Tia Fuller (as, ss), Kirk Whalum (ts, fl), Aaron Diehl (p), Rodney Whitaker (b, dir), Evan Perri (g), Carl Allen (dm), Warren Wolf (vib)
Enregistré le 1_^er septembre 2014, Detroit (Michigan)
Durée : 59’ 12’’
Mack Avenue 1096 (www.mackavenue.com)

Enregistré en live lors d’un grand festival américain, avec un orchestre a priori de rêve quand on note la présence de Carl Allen, Rodney Whitaker et Aaron Diehl, le résultat est très décevant, en dépit des applaudissements, avec trois premiers thèmes très démagogiques (on est à Detroit) quand on connaît la valeur de ces musiciens.
Sort du lot le «Santa Maria» d’Aaron Diehl qui fait briller ses talents de compositeur et de grand concertiste sur la première composition digne de ce nom qui fait d’ailleurs la différence avec le thème suivant «For Stephane» qui tire pourtant son inspiration de la même source. La touche finale sur «Bipolar Blues Blues» de Kirk Whalum, plus rhythm’n’blues, a pu faire danser sur place, mais reste assez pauvre pour l’écoute en disque, bien que plus épicé que la plupart des autres thèmes. Et pourtant la section rhytmique est vraiment de rêve et en donne quelques moments sur «Bipolar Blues Blues». C’est dommage!

Yves Sportis

Ran Blake / Ghost Tones
Portraits of George Russell

L'Air de rien, Eteignez vos portables, For Lena l'aînée, March à suivre, Jambon beurre shuffle, Introduction Back From N.O., Back From N.O., The Blessing, C'est quand qu'on arrive, MACH1N N1, Milled Quiet Moon, Après le calme, la tempête, The Groove Merchant
Pierre Guicquéro (tb, comp, arr), Julien Silvand (tp), Davy Sladek (as, ss), Franck Pilandon (ts, bs), Bruno Martinez (p), Dominique Mollet (b), Marc Verne (dm)
Enregistré du 22 au 25 avril 2014, Clermont-Ferrand (63)
Durée: 1h 02’ 05’’
Black & Blue 800.2 (Socadisc)

Pierre Guicquéro est de ces musiciens effacés mais brillants qui peuplent les différents orchestres français de jazz: nous l’avons entendu au sein de l’Anachronic Jazz Band, du Paris Swing Orchestra, du Julien Silvand All Stars, des Be Bop Stompers, de Sac à Pulses, du Big Band de Jean-Loup Longnon… et du Montier Guicquéro Quintet (le MGQ!). Cette énumération, longue mais non exhaustive (car il est n’est pas rare de le retrouver à «faire des remplacements» au sein d’autres grandes formations), dit tout son talent et sa capacité d’adaptation aux contextes les plus divers, ainsi que de sa connaissance assimilée des univers musicaux du jazz. Il a d’ailleurs une bonne vingtaine d’albums à son actif en tant que sideman de formations plusieurs fois primées.
Arrivé à l’âge de raison et avant de souffler sa dernière bougie de quadra (il est né à Vitry-Sur-Seine en 1968) et profitant de l’opportunité d’enregistrer à l’opéra de Clermont-Ferrand, Pierre Guicquéro s’est enfin décidé à sortir de l’ombre rassurante du musicien pour musiciens aux fins de réaliser en tant que maître d’œuvre cet album Back From N.O. Avec ce P.G. Project, il nous expose sans fard un panorama de son imaginaire musical avec pas moins de onze compositions personnelles sur treize que compte cet album (les deux autres étant empruntées à deux auteurs non négligeables, Ornette Coleman et Jérôme Richardson). Toutes ces créations, qui puisent à la meilleure tradition du swing, sont bien écrites. Les thèmes solides manifestent un réel sens de la mélodie. Sans être simples, les arrangements bien construits conservent une parfaite clarté. Ce septet sonne d’ailleurs souvent comme une grande formation («The Groove Merchant»).
Tous les musiciens de cette formation sont à féliciter pour la qualité de leur participation; les ensembles sont parfaitement équilibrés tout en étant joués avec une belle générosité. L’intervention de chacun en tant que soliste n’est pas moins remarquable. Le Toulousain Julien Silvand est particulièrement brillant («Marche à suivre», «Introduction Back from N.O.», «Back from N.O.», «Jambon, beurre, shuffle»). Franck Pilandon au ténor et au baryton («Eteignez vos portables») fait preuve d’une belle maîtrise instrumentale. Davy Sladek a un beau phrasé («Après le calme la tempête» et le chase «March à suivre»). Bruno Martinez est un pianiste sûr; son accompagnement et ses liaisons sont parfaits; quant à ses interventions elles ont la belle élégance de la concision («C’est quand qu’on arrive»). Marc Verne est présent et bien présent («Marche à suivre», «Jambon beurre shuffle»). Dominique Mollet possède une très belle musicalité; c’est un contrebassiste qui mérite à être connu («Milled Quiet Moon»). Sa mise en place est remarquable et son accompagnement en duo avec Guicquéro sur la pièce d’Ornette Coleman, un modèle du genre, est l’un moment fort de cet album. Tout au long de son opus, le tromboniste fait montre de sa grande maîtrise instrumentale et d’un grand sens musical: excellent soliste, il sait également établir les équilibres musicaux.
Pour réaliser Back From N.O., Guicquéro a dû, comme beaucoup d’artistes actuellement, faire appel à une souscription. Remercions les personnes qui ont permis l’enregistrement de ce magnifique album dans lequel tous les musiciens servent cette musique de qualité avec une ferveur amoureuse.

Félix W. Sportis

Chico Freeman 4-tet
Spoken Into Existence

Seven Steps to Heaven, Free Man, India Blue, Black Inside, Dance of Light for Luani, Nia’s quest, N’Tiana’s Dream, lara’s Lullaby, Erika’s Reverie, Soft Pedal Blues, Niskayuna, The Crossing, Ballad for Hakima
Chico Freeman (ss, ts), Antonio Farao (p), Heiri Känzig (b), Michael Baker (dm)
Enregistré à Munich et Nuremberg, date non précisée
Jive Music 2080-2 (www.jivemusic.at)

Chico Freeman / Heiri Känzig
The Arrival

One for Eddie Who 2, Early Snow, The Essence of Silence, Ancient Dancer, Will I See You in the Morning, Dat Dere, Song for the Sun, Just Play, Eye of the Fly, After the Rain, To Hear a Teardrop In the Rain, Chamber's Room
Chico Freeman (ts), Heiri Känzig (b)
Enregistré les 13-14 décembre 2014, Winterthur (Suisse)
Durée: 1h 00’ 20’’
Intakt 251 (www.intaktrec.ch)

Bien qu’il paraisse toujours jeune, Chico Freeman est un son du saxophone qui s’impose depuis la fin des années 1970. Fils du grand et regretté Von Freeman, il a fait partie de cette belle génération musicale qui a gardé au jazz sa capacité d’inventivité et son authenticité à travers le temps. De son parcours enraciné dans la tradition chicagoane du père et dans l’expérimentation de l’AACM, où il développa aussi une partie de ses recherches musicales, il a au cours du temps donné un exemple original d’ouverture d’esprit: ne reniant jamais, contrairement à une partie de ses pairs de l’AACM, la grande tradition du jazz, des beaux sons, du récit et des standards appris auprès de son père, il a quand même su faire sienne un esprit d’aventure propre à la Cité des vents, ne récusant pour autant ni le blues, ni le rhythm & blues, ni la soul, ni même parfois des formes plus «commerciales» de l’expression musicale afro-américaine. Il a conservé ainsi un jeu naturel, direct et pourtant sophistiqué, comme le jazz, et un souci d’originalité dans tous les formats qu’il a fréquentés, au sein de ses quartets, de ses groupes comme les leaders.
Aujourd’hui Européen d’adoption, on le retrouve ici sur deux enregistrements en quartet et en duo saxophone-basse avec des musiciens européens, l’excellent Antonio Farao (p) et une découverte, le bassiste autrichien Heiri Känzig, plus Michael Baker à la batterie. C’est la formation, à l’exception du batteur remplacé par le vieux et brillant compagnon Billy Hart, qui s’est produite l’été 2015 à Jazz à Vienne au Théâtre de minuit, alors qu’elle aurait tout aussi bien pu prétendre à la grande scène au milieu de la soirée la plus jazz de la quinzaine.
Le disque en duo est composé essentiellement de ballades originales soit de Chico soit de Heiri, parfois des deux, plus deux standards, «Dat Dere» (Bobby Timmons) et «After the Rain» (Coltrane). Le beau son feutré de Chico et la contrebasse chantante d’Heiri ont beaucoup de place pour s’exprimer sans pression, avec beaucoup d’écoute réciproque, de complicité, sans abstraction. L’atmosphère de certaines compositions est propre à l’univers apaisé habituel de Chico Freeman que l’on connaît depuis ses débuts: sérénité, sensualité, spiritualité, et le contrebassiste se coule avec adresse dans cet environnement.
Le disque en quartet propose essentiellement des compositions originales de Chico Freeman (huit) dont cinq belles compositions dédiées à ses cinq filles, plus deux d’Antonio Farao, une de Heiri Känzig, une de Miles Davis et un blues de Stanley Turrentine. L’ensemble du disque appartient au climat jazz de la fin du XX_^e siècle, avec parfois un petit manque de relief, d’impulsion. En live, la formation semblait plus tendue...

Yves Sportis

Claude Luter / Barney Bigard
The Paris Session

Struttin' With Some Barbecue*, Mood Indigo*, Double Gin Stomp, Sweet Lorraine*, Royal Garden Blues, Doobooloo Blues, Honeysuckle Rose, China Boy*, "C” Jam Blues*, Sobbin' and Cryin'*, S' Wonderful*, Promenade aux Champs-Elysées*
Barney Bigard (cl), Claude Luter (cl), Eddie Bernard (p), Roland Bianchini (b), Teddy Martin (dm)
Enregistré les 14 et 15* février 1960, Paris
Durée: 53’ 25’’
Milan 399 349-2 (Universal)

Voici enfin réédités des enregistrements effectués en France par des musiciens français de jazz et un américain qui méritent le qualificatif d’historiques et d’indispensables. Précisons que deux titres de ce Paris Session ne concernent que Barney Bigard («Sweet Lorraine» et «S' Wonderful»). Mis à part deux originaux cosignés (1960) par les deux clarinettistes, le programme est puisé dans un répertoire ancien composé entre 1919 et 1951: des pièces faisant référence au style new orleans évidemment, mais également deux compositions tardives (1947 et 1951) de Sidney Bechet, ainsi que d’Ellington, de Waller, de Gershwin sans oublier une révérence à Jimmy Noone («Sweet Lorraine»).
Dans le livret, Fabrice Zammarchi rappelle les circonstances qui permirent l’enregistrement de ces faces: la réalisation du film Paris Blues, qui vers la fin du quatrième trimestre de 1960 réunirent dans la capitale les orchestres du Duke et de Louie, dont faisait partie Barney Bigard. Charles Delaunay ne fut pas étranger à l’opération et s’activa pour rendre possible cette rencontre. Il fit en sorte de mobiliser un studio sur plusieurs jours «pour engranger de la matière», disait-il.
Lors de la session, Barney Bigard, âgé de 54 ans, était en pleine possession de ses moyens. Son style tout de sérénité était parvenu à une sorte de perfection classique qui faisait de lui le représentant emblématique encore vivant, de la grande école des clarinettistes de New Orleans. Claude Luter avait 37 ans; il était en pleine force de l’âge et tout juste sorti de sa période de gloire, mais aussi de formation, avec Bechet. Et la réunion a tenu toutes ses promesses.
Dans ces enregistrements, Claude Luter s’affirme comme un disciple de Sidney Bechet/clarinettiste, celui de «Blue Horizon» (1944), de «Egyptian Fantasy» (1941), et de «Old Stack O Lee Blues» (1946). Il évoque beaucoup le Bechet du début des années 1940; on y retrouve le vibrato du maître sur le blues, («Doobooloo Blues») mais également dans les tempi soutenus (cf. «China Boy» avec Sidney Bechet/Muggsy Spanier mars 1940). Comme lui, dans cet album, Luter «attaque» la clarinette (traitement «hot» du son de l’instrument), il la traite à la manière d’un soprano, lui donnant une expressivité mâle voire agressive. Le vibrato Claude est moins ample, moins soutenu, moins véhément que celui de Bechet. Il n’en demeure pas moins que son style rugueux lui permettait de conduire le discours musical. Au-delà de la très forte présence musicale de Bechet, Luter était en position d’infériorité dans son orchestre par rapport au maître qui utilisait un soprano plus puissant. Or en jouant à égalité, sur le même instrument que son partenaire, Claude Luter pouvait rivaliser et réalisa une session exceptionnelle, dont il avait raison de dire qu’elle constituait son grand œuvre, la «plus grande réussite de sa carrière».
Quant à Barney Bigard, il est impérial tant dans ses solos («Double Gin Stomp», «Doobooloo Blues»), dont la rigueur et la poésie sans affectation constituent la puissance d’évocation, que dans ses dialogues avec Luter et surtout dans sa manière de réinventer à l’infinie la polyphonie néo-orléanaise par la volubilité de son discours léger et la fluidité exquise de son expression. Zammarchi parle de sa part de «féminité» qu’il oppose à la masculinité de Luter; je préfèrerais parler de la tradition d’élégance créole (Lorenzo Tio, son mentor) dont son style témoigne dans ces faces que j’opposerais à la rusticité policée de Luter, héritée celle de Dodds créolisée par le lyrisme de Bechet. Dans les deux titres où il joue en quartet, Bigard nous présente une autre lecture musicale de l’école créole: sur «Sweet Lorraine», très personnelle et différente de celle de Jimmie Noone, son aîné de dix ans qui fut également l’élève de Tio; sur «‘S Wonderful», par la structuration classique acquise à New York auprès d’Ellington.
Les deux solistes sont certes brillantissimes, mais leur prestation doit également beaucoup à la section rythmique qui leur déroule un tapis. Claude Luter disait, à juste titre, que ce fut la meilleure de sa carrière. Roland Bianchini (b) accompagne et soutient à la perfection. Teddy Martin (dm) est présent sans gêner; son accompagnement est rigoureux et ses interventions en solo sont de bonne facture. Mais la pièce maîtresse de cette formation est Eddie Bernard. Au-delà de l’amitié qui unissait les deux hommes, on comprend que Claude Luter ait été très affecté par la disparition d’un artiste de cette trempe. Il y est exceptionnel: dans ses introductions, où il installe des tempi parfaits, dans ses accompagnements aussi stimulants qu’intelligents et justes dans l’esprit de la pièce. Son jeu d’une grande finesse évoque ceux de Teddy Wilson et d’Ellis Larskins. Bernard n’était pas qu’un pianiste «stride», technique qu’il fut l’un des premiers en France à posséder dans toute sa complexité; sa connaissance de la littérature du jazz et sa maîtrise du clavier en faisait tout simplement un grand pianiste. Ses interventions en solo sont dignes des plus grands solistes. «Mood Indigo» est un joyau de cette perfection, au plan de la musicalité et du toucher d’une clarté et d’une densité formidables. Quant à ses deux faces en quartet, Bigard lui doit d’y être sublime; on comprend qu’il l’ait sollicité pour graver ce superbe «Sweet Lorraine» et son étincelant «‘S Wonderful»: le soutien d’un Fats à l’élégance française. M. Edouard Bernard était un immense pianiste: ces enregistrements lui doivent vraiment beaucoup.
En France au lendemain de la Seconde guerre mondiale, le caractère festif de la musique new orleans a, peut-être, éclipsé, voire occulté la beauté intrinsèque de cette école. Or, ici Bigard et Luter jouent la musique de la musique de Crescent City, en intimité, en communion, en l’absence de toute relation avec l’extérieur, d’où la densité extrême de ces moments superbes: jubilatoires dans «China Boy», «Struttin’», «Honeysuckle Rose» ou «C Jam Blues»; jusqu’à l’extase parfois dans l’exposition du thème de «Mood Indigo» ou le final de «Doobooloo Blues».
Une des albums les plus importants de l’histoire du jazz.

Félix W. Sportis

Dee Dee Bridgewater / Irvin Mayfield / The New Orleans Jazz Orchestra
Dee Dee's Feather

One Fine Thing, What a Wonderful World, Big Chief, Saint James Infirmary, Dee Dee's Feathers, New Orleans, Treme Song/Do Whatcha Wanna, Come Sunday, Congo Square, C'est ici que je t'aime, Do You Know What it Means, Whoopin' Blues
Dee Dee Bridgewater (voc), Irvin Mayfield (tp) and The New Orleans Jazz Orchestra: Bernard Floyd (tp), Ashlin Parker (tp, voc), Eric Lucero (tp), Leon Chocolate Brown (tp, voc), Michael Watson (tb, voc), David L. Harris (tb), Emily Frederickson (tb), Khari Allen Lee (as), Rex Gregory (as, cl), Derek Douget (ts), Edward Petersen (ts), Jason W. Marshall Sr. (bs, bcl), Victor Atkins (p), Don Vappie (g, bjo) , Jasen Weaver (b), Peter Harris (b), Adonis Rose (dm), Bill Summers (perc), Glen David Andrews (voc), Branden Lewis (tp), etc. + Dr. John (voc)
Enregistré du 23 au 25 mars 2014, New Orleans
Durée: 1h 07' 18''
DDB Records / Okeh 88875063532 (Sony)

Dee Dee Bridgewater est devenue une Néo-Orléanaise d’adoption, et comme on a pu le constater en France, quand Dee Dee aime, ce n’est pas à moitié… Elle consacre beaucoup de temps donc, non seulement à faire ce qu’elle sait très bien faire, chanter et animer une scène ou une séance avec un big band, comme ici, mais aussi à promouvoir tout ce qui contribue à faire que New Orleans retrouve la splendeur non seulement de son âme musicale mais que s’y développent de nouvelles initiatives à même de rendre la joie de vivre à la belle Cité du Croissant, un véritable art de vivre. De la France à la ville la plus française des Etats-Unis, il n’y avait qu’un pas et elle a rencontré un des acteurs les plus actifs de ce renouveau néo-orléanais en la personne de l’excellent trompettiste et leader, Irvin Mayfield, qui non seulement dirige plusieurs formations dont ce magnifique big band, mais aussi un club et maintenant un Jazz Market, sorte de centre culturel à l’américaine, où l’on retrouve, depuis son inauguration au printemps dernier, tout ce qu’un amateur de jazz peut souhaiter, des disques, des partitions, un auditorium… On vous en parlera mieux dès qu’un rédacteur de l’équipe l’aura visité.
C’est à cette occasion que Dee Dee et Irvin ont réalisé, pour l’inauguration, un enregistrement, au départ avec cette seule ambition. Conjoncture aidant (10 ans que l’Ouragan Katrina a dévasté la ville), mais aussi excellence de cette rencontre, l’album est devenu un vrai projet discographique, et a reçu un incroyable accueil aux Etats-Unis où il a été placé en têtes des hits du jazz. C’est donc cet album, cet orchestre et la renaissance de New Orleans qu’étaient venus nous présenter, en septembre 2015 à l’Olympia, à Paris, Dee Dee Bridgewater et Irvin Mayfield, soutenus par une opération de communication du New Orleans Convention et Visitors Bureau. Le concert fut un beau succès, d’assistance et d’atmosphère (voir notre compte rendu).
Cet enregistrement est à la hauteur de l’attente et de l’événement. Le big band néo-orléanais, peuplé de musiciens du cru de haut-niveau, dont certains sont déjà des protagonistes de premier plan du renouveau musical de la ville depuis des années (Don Vappie, Adonis Rose…) et même des stars (Bill Summers, Dr. John), tourne à merveille avec cette souplesse d’articulation, ces sonorités qui font encore du New Orleans sound un cas à part dans le jazz, aussi bien sur le plan rythmique que sur le plan du phrasé et de la sonorité. Dee Dee retrouve en cette occasion le punch et la conviction qui sont ses qualités essentielles. Avec son naturel, son exubérance qui se marient si bien à l'esprit de New Orleans, elle transpose littéralement l’amour qu’elle porte à cette ville et à sa musique, très directement, sans maniérisme. Elle possède aussi, sur scène, une énergie et un savoir-faire rares, qui en font une actrice à part entière dans la veine des grands devanciers comme Cab Calloway.
Le répertoire, de standards et de hits néo-orléanais, n’a rien de nouveau et ce n’est pas un problème car les arrangements comme l’interprétation et les interventions sont parfaits, originaux, partageant avec tous et dans l’excellence – la recette de son succès – un patrimoine, aujourd’hui commun, de l’humanité. Une bonne manière de rappeler que New Orleans lives! plus que jamais et qu’il suffit de l’exposer à la lumière pour que nouveaux bourgeons explosent de sa nature exubérante.

Yves Sportis

Fred Hersch
Solo

Olha Maria/O Grande Amor, Caravan, Pastorale, Whirl, The Song Is You, In Walked Bud, Both Sides Now
Fred Hersch (p)
Enregistré le 14 août 2014, Windham (New York)
Durée : 1h 00' 36''
Palmetto Records 2180 (www.palmetto-records.com)

Fred Hersh est un excellent artiste, pianiste classique par la culture (une dédicace est faite à Robert Schumann dans ce disque ainsi qu’à Suzanne Farrell, une grande ballerine américaine née en 1945) qui aura choisi de vivre son art et de se produire comme un artiste de jazz par l’esprit. Il a derrière lui une belle carrière et un production soutenue d’enregistrements (c’est son 10_^e album en solo), toujours de grande qualité, où, en véritable artiste, il joue ce qu’il a mûri, pénétré de l’intérieur, maîtrisé. Et son répertoire n’est pas exclusif: il est amateur de belles musiques, et son choix s’écarte du piano classique au jazz ou aux beaux thèmes de la musique populaire (le premier de cet enregistrement par exemple est brésilien) et des standards de jazz bien entendu.
Là, commence sa création, son apport. Il ne jouera pas comme un musicien classique, car il apporte ce qu’il est, son vécu, réharmonisera, enrichira les mélodies tout en les respectant; il apportera même quelques inflexions rythmiques dans l’esprit du jazz quand le morceau ne peut s’en passer («In Walked Bud»), et nous entendons parfois ici par exemple une manière de jouer qui fait référence à Randy Weston («Caravan»). Mais Fred Hersch ne swingue pas et le blues est absent de sa manière, son toucher du clavier appartient à une autre tradition. Ce n’est pas une incapacité technique, car c’est un grand pianiste qui pourrait «faire semblant» comme d’autres (Jarrett et Mehldau…) qui arrivent à tromper qui le veut bien par des artifices.
Fred Hersch se respecte; sa musique est de lui; c’est du très beau piano; c’est un choix artistique, humain, d’une honnêteté radicale qui fait plaisir, d’autant que ses interprétations sont toujours très touchantes de sincérité et captivantes d’inventivité, virtuoses, émouvantes, sans tromperie, sans boursoufflure de l’égo. C’est un musicien savant qui a toujours écouté les artistes avec attention, et qui sait honorer ses sources. Il précise dans la notice que, parmi ses enregistrements en solo, c’est le troisième disque en live, prévu d’abord pour ses archives personnelles, mais qui, répondant à ses critères de cœur, d’esprit et de technique (a first class recording), est ainsi publié, sans que cela ait été prévu. On ne peut mieux décrire une démarche artistique.

Yves Sportis

La Section Rythmique
La Section Rythmique

Just a Closer Walk With Thee, Hard Times, Buddy Bolden's Blues, Elijah Rock, Saint James Infirmary, It Ain't My Fault, Girl of My Dreams, The Mooche, The Nearness of You

David Blenkhorn (g), Sébatien Girardot (b), Guillaume Nouaux (dm)

Enregistré les 4 et 5 mai 2014, Créon (33)

Durée: 43' 26''

Frémeaux & Associés 8514 (Socadisc)

Sur des thèmes «standardisés»dans les années 1950/1960 par des interprètes majeurs du jazz, les faces de cet album illustrent et revisitent toutes les formes de l’expression musicale afro-américaine du Sud au sens large du terme : de la marche funèbre – « Saint James Infirmary » (1928) – à la danse/transe ritualisée – «It Ain’t My Fault» (Smokey Johnson 1964); du negro spiritual – «Elijah Rock» immortalisé par Mahalia Jackson en 1962 – au rhythm & blues – «Hard Times» (Paul Mitchell) magnifié en 1958 par David «Fathead» Newman et Ray Charles; de la bluette – «The Nearness of You» (Hoagy Carmichael, 1937) song sublimé par le duo Ella/Louis en 1956 – au blues néo-orléanais – «Buddy Bolden’s Blues» (1923); de la romance – «Girl of My Dreams» (Sunny Clapp, 1928), transfigurée par Erroll Garner en 1956 et adaptée au gout du jour des années 60 par Etta James – à la parade – «Just a Closer With Thee» (traditional, 1885); du jazz standard – «Night Train» (Jimmy Forrest, 1952) – au jungle style – «The Mooche» (Duke Ellington, 1929).

Mis à part les traditional et «Buddy Bolden Blues», ces thèmes, souvent révélés ou immortalisés dans/par les musical tours en Louisiane, ont été composés par des musiciens originaires du Middle-West (Jimmy Forrest, Smokey Johnson, Hoagy Carmichael…): effet de l’économie culturelle nomade aux Etats-Unis dès les années 1920.

Par ailleurs, cet album mêle intelligemment les univers sacré et profane qui habitent la tradition musicale afro-américaine; la musique jouée par ces musiciens est inspirée et sentie, profonde, même si elle conserve toujours cette part d’extraversion qui constitue un des caractères essentiels de cette tradition: gospel song joué lors des enterrements, «Just a Closer Walk With Thee», est traité avec beaucoup de sensibilité à la manière d’une danse rituelle ; et «Hard Times», qui relève du work song profane, est joué en recourant à la strette, selon la logique responsorielle de la liturgie incantatoire des chants religieux.

Certes David Blenkhorn, qui vit le jour à Tamworth en 1972, et Sébastien Girardot, né à Melbourne en 1980, sont Australiens; mais Guillaume Nouaux, qui naquit à Arcachon en 1976, est Français. Et il est remarquable que ses deux collègues océaniens aient éprouvé le besoin de s’installer, comme beaucoup d’autres, dans notre pays pour jouer cette musique de jazz. Je partage totalement l’hommage que leur rend Evan Christopher dans le livret; ce trio de musiciens a un palmarès de sidemen auprès du gratin du jazz de Crescent City tout à fait exceptionnel. Et l’on comprend pourquoi en écoutant La Section Rythmique. Car leur talent ne réside pas seulement en un «simple travail de reproduction», fût-il brillant; ils ont assimilé l’idiome musical de cette tradition au point de le faire leur et de le rendre vivant en continuant cette tradition dans une relecture innovante permanente. Par leur traitement propre, chaque pièce est une œuvre en soi et leur agencement rend l’album pertinent Les trois compères sont formidablement unis dans cet ouvrage; c’est un ensemble d’une homogénéité rare au regard du fonctionnement actuel des formations de jazz. C’est une section rythmique très soudée. On comprend ainsi pourquoi elle est si souvent sollicitée pour accompagner des musiciens aux univers jazziques si différents que Michel Pastre et Cécile McLorin Salvant. L’accompagnement est l’école de l’exigence; les musiciens s’y révèlent. Dans cet album, dont ils sont à la fois leaders et sidemen, solistes et accompagnateurs, le talent de chacun explose à tout instant.

David Blenkhorn est un guitariste assez exceptionnel. Il connait de manière évidente et approfondie la littérature de son instrument et du jazz. C’est un technicien impressionnant. Sébastien Girardot n’est pas moins brillant. Dans cet album, il joue un rôle essentiel, étant à la fois second élément rythmique et harmonique, d’une part, et deuxième voix mélodique (exposition du thème et solo dans «Hard Times»), d’autre part. Guillaume Nouaux est tout bonnement extraordinaire dans ce volume. Il joue la musique qu’il aime comme il la sent et sans retenue avec tous les moyens dont il dispose («It Ain’t My Fault») qui sont immenses. C’est un rythmicien d’exception – un des rares européens à savoir jouer les rythmes et les tempi de New Orleans – en tant qu’accompagnateur et un vrai partenaire dans le groupe. Il joue de la musique sur ses tambours avec toutes les nuances qu’on est en droit d’attendre d’un interprète.

La Section Rythmique est une œuvre jubilatoire; pour ceux qui jouent, pour celui qui écoute. L’auditeur est à chaque instant sollicité, dans sa curiosité comme dans son intelligence; ces trois gars font découvrir et redécouvrir la musique américaine dans sa diversité complexe mais également et plus spécifiquement l’entièreté composite de la civilisation du jazz dans sa branche afro-américaine: de sa sociologie et son histoire à ce qui fait sa spécificité musicale, le swing.

Félix W. Sportis

David Sanborn
Time and the River

A la Verticale, Ordinary People, Drift, Can’t Get Next to You, Oublie-moi, Seven Days Seven Nights, Windmills of Your Mind, Spanish Joint, Overture
David Sanborn (as), Roy Assaf (p, key), Marcus Baylor (dm), Javier Diaz (perc), Marcus Miller (b), reste du personnel détaillé dans le livret
Enregistré à Brooklyn, date non précisée
Durée: 42' 24’’
Okeh 88875063142 8 (Sony Music)

C’est par «A la verticale», une composition de la Parisienne Alice Soyer et de Sylvain Luc que débute ce CD. Au cœur du disque on trouve aussi «Oublie-moi». Dans cette dernière Sanborn et son saxo alto, hors du jazz, offre l’ambiance poétique, sensuelle, chère à Alice, en jouant cool et en laissant traîner les notes. La délicatesse du clavier de Roy Assaf contribue à l’atmosphère. «A la verticale» est plus dynamique avec deux sax, trompette et trombone, un travail percussif plus marqué et une belle participation d’Assaf. Deux thèmes sont de Sanborn lui-même. «Drift» joué en quintet (as, key, b, perc. dm) apparaît comme une sorte de ballade, de complainte, prise très slow tandis que pour «Ordinary People» le saxophoniste lance son armada avec Rhodes, Hammond B3, trombone, clarinette, sax, etc., mais le morceau, même avec un ton latino, conserve une nonchalance qui finit par peser. Le même ton se poursuit par «Seven Days, Seven Night» de l’autorité de Marcus Miller. La voix de Lary Braggs dans le funky «Cant’Get Next to You» plaira peut-être davantage aux amateurs de jazz/blues tout comme les «Moulins de mon cœur / Windmills of Your Mind » et la superbe voix de Randy Crawford. David Sanborn se coule dans l’ambiance tout comme l’accompagnement de Diaz qui s’illustre également sur «Spanish Joint», un thème bien plus dynamique avec un bon groove. Le thème final «Overture», en duo Sanborn-Assaf, reste dans cette mélancolie que l’on trouve tout au long du disque.
Finalement un disque qu’il faut consommer en plusieurs fois pour ne pas se lasser mais que l’on ne peut raisonnablement pas ranger dans les bons disques de bon jazz.

Patrick Dalmace

Aaron Goldberg
The Now

Aaron Golberg (p), Reuben Rogers (b), Eric Harland (dm) + Kurt Rosenwinkel (g)
Trocando em miudos, Yoyo, The Xind in the Night, E-Land, Perhaps, Triste Baía da Guanabara, Background Music, Francisca, One’s a Crowd, One Life
Enregistré en 2009, Stalden (Suisse) et en 2014, New York
Durée: 53' 22''
Sunnyside 1402 (www.sunnyside.com)

Superbe disque! Utilisant le format du trio dans sa conception la plus traditionnelle avec une section rythmique de talent (et le non moins talentueux guitariste Kurt Rosenwinkel sur le dernier thème), rodée par quinze années de vie musicale partagée; Goldberg propose un jazz renouant fortement avec le classicisme d’un Evans par exemple.
S’appuyant sur ses deux partenaires qui assurent parfaitement leur rôle, le pianiste est brillant, virtuose sans excès. Sur des tempi lents le trio dégage de la sérénité, de la spontanéité, du lyrisme et swingue («Perhaps» en particulier) comme le jazz l’exige. Les trois partenaires jouent détendus et les soli de chacun s’enchaînent sans rupture au sein des morceaux. Le répertoire, éclectique, va du Brésil à Charlie Parker en passant par le folklore d’Haïti et les propres compositions de Goldberg. Ces compositions de Goldberg sont les plus récemment enregistrées (2014). Dans « The Wind in the Night » Goldberg est le seul à s’exprimer, Rogers et Harland veillant à mettre le pianiste en évidence. Le court « E-Land » offre du dynamisme, le drummer est valorisé. A chaque phrase de «Francisca» on attend une voix… mais non le morceau est purement instrumental. Les balais de Harland contribuent à l’atmosphère feutrée. «One’s a Crowd» avec un jeu plus percussif du pianiste est gorgé de swing et laisse un espace à l’expression personnelle de la contrebasse et de la batterie. Les autres thèmes étaient depuis plus de cinq ans en stand by. «Trocando» se déroule comme une marche majestueuse; «Yoyo» rythmé est parsemé de breaks. Du nostalgique «Triste Baía da Guanabara» émerge un beau solo de contrebasse. Pour «Back Ground Music» le trio prend un tempo d’enfer! Malgré le temps séparant les deux dates d’enregistrement The Now possède une unité car les thèmes d’auteurs sont bien assimilés et rendus avec personnalité, donnant une homogénéité à presque tout l’ensemble. Presque car l’introduction de la guitare sur «One Life» marque une rupture compte tenue de l’intervention de Rosenwinkel dont la guitare sonne parfois comme une flûte! Il est en effet la voix principale du thème, le piano s’effaçant dans l’accompagnement, mais c’est ainsi que Goldberg a entendu «One Life» en le composant.

Patrick Dalmace

Stan Gtetz
The Quintessence. Volume 2

Titres et personnels détaillés dans le livret
Dates et lieux d’enregistrement détaillés dans le livret
Durée : 1h 12' 48'' + 1h 10' 52''
Frémeaux & Associés 3061 (Socadisc)

Ce coffret fait suite au premier volume (1945-1951) et propose un ou deux thèmes (les meilleurs en principe) des principaux disques du saxophoniste Stan Getz couvrant la période 1953-1958. Après une époque californienne, puis ses passages au Storyville à Boston, Getz fait une «pause studio» dont les conséquences vont être très bénéfiques. Dans la foulée de sa participation au 25_^e anniversaire de Duke Ellington au Carnegie Hall, il enregistre en quintet à New York. «You Turned the Tables on Me» fait partie de cette session. Puis Stan retourne sur la Côte Ouest et, entre les jams au Lighthouse ou au Zardi’s et les tournées, il enregistre dans les studios de Los Angeles. De nouveau en quintet on découvre deux titres où figure l’excellent tromboniste Bob Brookmeyer que Stan a amené avec lui, «The Nearness of You» et «Pernod», chargés en swing.
«I Don’t Mean a Thing» (1953): treize minutes de régal. Les deux premiers titres étaient plutôt cool mais cette fois avec le disque Diz & Getz with The Oscar Peterson Trio le saxophoniste se mêle aux grands boppers : Dizzy Gillespie (tp), Max Roach (dm), Oscar Peterson (p), Ray Brown (b), Herb Ellis (g) complètent le plateau. Stan répond à son aîné Diz sans jamais se soumettre, et l’association du trompettiste et du ténor fonctionne à merveille. Elle est encore meilleure trois ans plus tard lorsque Diz, Brown, Ellis reviennent avec Sonny Stitt (as), John Lewis (p) et Stan Levey (dm). Il en sort un bebop assez fou dans lequel Stitt cherche à tirer les marrons du feu… mais non, ce sont bien Stan et Gillespie – qui font preuve d’un mutuel respect – les acteurs principaux. Max Roach est resté à L.A et récidive avec le quartet du saxophoniste : «Down by the Sycamore Tree» est une jolie ballade. Le batteur revient un an plus tard (1955). Les partenaires de Getz ne sont plus les mêmes et on découvre le remarquable Lou Levy (p) que Stan Getz va beaucoup apprécier et appeler dans ses formations. Les deux thèmes proposés sont très éloignés. «Shine» avec la trompette de Conte Candoli swingue. «A Handful of Stars », courte ballade, montre que Levy, bien qu’issu de Chicago, a su profiter en Californie de ses passages chez Woody Herman puis Shorty Rodgers. Levy a déjà collaboré avec Getz quelques jours avant lors de l’enregistrement que ce dernier réalise avec Lionel Hampton. Ils sont accompagnés par le batteur incontournable du west coast, Shelly Manne, et un bassiste non moins important Leroy Vinnegar, tous les deux s’adaptant facilement au jeu de vibraphoniste. Levy offre un swing superbe sur «Cherokee». Hampton va crescendo jusqu’à se montrer déchaîné – comme souvent – et choisit alors de proposer, sans se calmer, un sensationnel dialogue avec le saxophoniste qui se prolonge trois bonnes minutes, ponctué d’interjections des musiciens qui jubilent!
A la fin de 1955, Stan Getz voyage en Suède et invite trois jazzmen autochtones pour enregistrer. Il en sort un surprenant «Over the Rainbow». On écoute ensuite trois thèmes en quartet, issus de l’album The Steamer. La section rythmique (Levy, Levey et Vinnegar) impressionne sur «There’ll Never Be Another You» mais est bien tenue de le faire pour être à la hauteur de Stan qui mène un train d’enfer durant neuf minutes. Ce morceau contient de beaux échanges entre Getz et Levy et entre ce dernier et Levey. La suite est sur le second CD. «Blues for Mary» est la première composition de Getz proposée dans cette Quintessence. Est-elle dédiée à son grand problème, la marijuana ou peut-être à la secrétaire de Norman Granz. L’interprétation regorge d’idées et de belles phrases. Le quartet enchaîne avec la jolie ballade « You’re Blasé ». Stan Getz fait une infidélité à L.A. pour enregistrer The Soft Swing à New York, ce qui nous permet de l’écouter avec un quartet différent sur une autre composition personnelle «Down Beat». Interprétation très standard, pas de virtuosité, de chorus endiablés, ni de fioritures mais du bon jazz.
Oscar Peterson et son trio reviennent à Los Angeles en 1957 et Stan en profite. Il commence avec le trio auquel il adjoint Connie Kay (dm) et Jay Jay Johnson (tb), coleader, et se produit lors d’un concert, enregistré, dont sort une très bonne version de «My Funny Valentine». C’est vivant et les interventions, parfaitement en symbiose, des deux hommes sont appréciées du public. Extraite du même concert on apprécie «It Never Entered My Mind». Cette fois Getz est à la barre. Peut-être une des plus belles ballades de Stan. Trois jours plus tard le saxophoniste se remet au travail en studio avec le trio. Contrairement à la première opportunité de 1953, l’enregistrement se fait sans batteur et l’on a encore le privilège d’écouter une superbe ballade, «I’m Glad There Is You», permettant de goûter la beauté du son que Getz sait faire surgir de son ténor. Herb Ellis offre également de bonnes interventions. Vraisemblablement le lendemain de cet enregistrement, Stan est invité par le même Ellis qui a en outre rassemblé dans le JATP all-stars Roy Eldridge (tp), Ray Brown et Stan Levey. «Tin Roof Blues» est issu de cette session. Evidemment, la guitare et la trompette se sont mis successivement en évidence puis Getz intervient. C’est assez linéaire mais on y apprécie le son de chacun. Le jour suivant, Getz, gardant Levey et Brown rappelle Lou Levy pour inviter Gerry Mullignan (bs). Le coffret présente deux thèmes émanant de cet enregistrement capital. Entre Stan et Gerry c’est un véritable corps à corps… On trouve de tout dans «This Can’t Be Love», improvisation conjointe, soli, dialogues, fantaisie… Cela tient de la jam-session. «Ballad» composition attribuée (à tort pensons-nous) à Getz permet aux deux hommes de calmer leurs ardeurs et de s’attacher à la mélodie en faisant couler lentement le meilleur de leurs instruments. Au risque de se répéter (mais cela prouve que l’on a bien là la Quintessence de Stan Getz) c’est du bonheur. 1958: Stan Getz et Chet Baker (tp) ne s’apprécient pas vraiment; pourtant les talents de négociateur de Norman Granz suffisent à convaincre le second d’enregistrer avec le premier et la session se passe à Chicago. Ni Stan ni Chet n’offrent une prestation exceptionnelle. On assiste à une espèce de bagarre musicale sur un tempo effréné que ne laissait pas présager les premières mesures de «Half Breed Apache» (composition de Getz), toute en délicatesse! Finalement c’est Getz qui déclenche un petit quart d’heure d’hostilités. Le coffret s’achève sur l’enregistrement de Stockholm de septembre 1958. Getz réunit ses Swedish Jazzmen parmi lesquels Lars Gullin (bs) un excellent musicien de formation classique, passionné de jazz, partenaire dans des tournées européennes de Chet Baker, Zoot Sims, Lee Konitz, etc. Gullin écrit «Stockholm Street». Il faut relever dans la formation la présence du trompettiste Benny Bailey, un Américain installé en Suède à ce moment-là, partenaire de Diz pour le célèbre concert de la salle Pleyel. Du très classique. Getz s’exprime seul, les six Suédois n’assurant que l’accompagnement sur ce thème. Comme l’indique le livret, signé d’Alain Tercinet, le coffret se clôt alors que Stan Getz n’a que trente et un ans; certes avec quinze ans de carrière. Il est à la moitié de sa vie. Cela donne une idée de l’envergure de ce jazzman que ses détracteurs devraient réécouter.

Patrick Dalmace

Serge Merlaud / Jean-Pierre Rebillard
Bear on a Tightrope

Françou on My Mind, Bear on a Tightrope, Peau douce, Allô Romain*, Deep Passion*, Un verre de graves pour Françou, Anaïta, Dorémifanny, Kalimàt, No Way*, L'eau qui dort*
Serge Merlaud (g), Jean-Pierre Rebillard (b), Claude Braud (ts)*
Enregistré les 11 et 12 juin 2014, Epinay-sur-Orge (91)
Durée: 45’ 58’’
Black & Blue 799.2 (Socadisc)

Que voilà un album original et attachant. Bien que l’œuvre de «vieux de la vieille», c’est une agréable «Découverte», même s’il n’est pas classable. C’est une belle conversation entre deux musiciens, le guitariste Serge Merlaud et le contrebassiste Jean-Pierre Rebillard, auxquels vient se joindre, sur quatre titres, le saxophoniste Claude Braud. Les amateurs de jazz ne sont pas habitués à les entendre dans un tel registre. Neuf de ces onze pièces, dont cinq composées par Jean-Pierre Rebillard et quatre par Serge Merlaud, les autres l’ayant été par Steve Swallow et Lucky Thompson, ne relèvent pas de l’idiome du jazz. La musique n’en étant pas moins superbe; et l’on se laisse rapidement envouté par l’ambiance intimiste de cette réflexion à plusieurs voix («Un verre de graves pour Françou»). Ressortent de cet ouvrage les versions de «Peau Douce» (Swallow), dans laquelle la délicatesse de Merlaud, dont la musicalité évoque Charlie Byrd, et la subtilité de Rebillard font merveille, et «Deep Passion» (Thompson) où la sensibilité de Braud s’épanouit dans une élégance réservée de bon aloi.
Un bel album à écouter au coin du feu.

Félix W. Sportis

Miguel Zenón
Identities Are Changeable

Miguel Zenón, (as), Luis Perdomo (p), Hans Glawischnig, (b), Henry Cole (dm), Will Vinson, Michael Thomas (as), Samir Zarif, John Ellis (ts), Chris Cheek (bs), Mat Jodrel, Michael Rodríguez, Alex Norris, Jonathan Powell (tp), Ryan Keberle, Alan Ferber, Tim Albright (tb)
De donde vienes?, Identities are changeable, My Home, Same fight, First language, Second generation Lullaby, Through Culture and Tradition, De donde vienes?
Enregistré les 18 et 19 mars 2014, New York et en 2011, La Havane (Cuba)
Durée: 75’
Miel Music (www.miguelzenon.com)

Dans une très antérieure chronique nous avions souligné l’intérêt que montre Zenón, à travers sa Caravane Culturel, à diffuser le jazz dans les plus petits villages de son l’île, Puerto Rico. Aujourd’hui Zenón est plongé dans des recherches identitaires et s’attache au mouvement migratoire qui depuis plusieurs générations entraîne ses compatriotes vers les Etats-Unis. Les Portoricains constituent à New York une colonie de plusieurs millions de personnes. Ce disque assez étrange ne ressemble en rien à ce que l’on a l’habitude d’écouter. Miguel Zenón se livre à de nombreuses interviews de ces Portoricains vivant dans la gran manzana. Il les questionne sur leurs liens actuels avec Puerto Rico, leur façon de vivre etc... et superpose ces interviews sur les huit thèmes qu’il compose spécialement pour ce projet et dont les titres font référence à ces interviews.
Le quartet de Zenón et le Identies Big Band apparaissent donc en arrière plan chaque fois que les interviews se superposent à la musique. Les thèmes – à l’exception de l’introduction et de la conclusion – excédant les dix minutes on peut quand même percevoir le jazz de Zenón et de ses partenaires, percutant, au sein de laquelle éclatent les trois trombones, à la manière de certaines formations latines aux Etats Unis à l’apparition de la salsa. Toutefois Zenón les équilibre avec le pupitre des saxos et des trompettes. L’ensemble est donc puissant avec toute cette armada de metales. En filigrane très discret apparaissent les bases de la musique portoricaine historique, la plena, peut-être la bomba apportant une référence à la latinité correspondant aux personnes interrogées.
Ce disque s’adresse aux découvreurs de mystères… car pour connaître Zenón, d’autres disques sont plus à conseiller.

Patrick Dalmace

Hetty Kate
Dim All the Lights

The Thrill Is Gone, In the Still of the Night, Bewitched, Bothered and Bewildered, Answer Me, My Love, Why Don't You Do Right ?, Cry Me a River, Something Cool, Wives and Lovers, I Get Along Without You Very Well
Hetty Kate (voc), James Sherlock (g), Sam Keevers (p), Ben Robertson (b), Danny Farrugia (dm)
Enregistré le 15 mars 2013, Melbourne (Australie)
Durée: 40' 50''
ABC Jazz 378 2335 (www.hettykate.com)

Gordon Webster / Hetty Kate
Gordon Webster Meets Hetty Kate

Button Up Your Overcoat***, Blitzkrieg Baby, Peek-a-Boo, Shoo Fly Pie & Apple Pan Dowdy, How D'ya Like to Love Me ?, Eight, Nine & Ten, There's Frost on the Moon*, Busy Line, Sweet Lover no More, I Wanna Be Around, Hard Hearted Hannah, Bésame Mucho**, I Lost My Sugar in Salt Lake City****
Gordon Webster (p), Hetty Kate (voc), Mike Davis (tp), Cassidy Holden (g), Rob Adkins (b), Kevin Congleton (dm) + Joseph Wiggan (tap dancing), Shannon Barnett (tb)*, Adrien Chevalier (vln)**, Adam Brisbin (g)***, Evan Arntzen (cl)****, reste du personnel détaillé dans le livret
Enregistré en septembre 2013, New York
Durée: 49' 03''
Autoproduit (www.hettykate.com)

En juin 2015, nous étions tombés sous le charme de la pétillante Hetty Kate, qui se produisait au Caveau de La Huchette (Jazz Hot n°672). Une rencontre à l'occasion de laquelle ses deux derniers albums en leader, enregistrés durant l'année 2013, à quelques mois d'intervalle, nous sont tombés sous la main. Originaire de Hampshire, en Angleterre, mais élevée en Australie, Hetty Kate vit à Melbourne. Elle appartient donc à cette scène lointaine jazz océanique dont nous avons quelques échos de temps en temps (Joe Chindamo, Jazz Hot n°596) et aussi quelques représentants qui ont leur rond de serviette dans les clubs parisiens : Chris Cody (p), Dave Blenkhorn (g), Sébastien Girardot (b) ou encore Wendy Lee Taylor (voc).
Dim All the Lights est un album de ballades qui s'ouvre avec un «The Thrill Is Gone» joliment mélancolique et qui capte d'emblée l'oreille. La voix sensuelle de Miss Kate évoque le timbre de Peggy Lee, avec un phrasé qui épouse le swing. L'accompagnement du piano («In the Still of the Night») comme de la guitare («Bewitched, Bothered and Bewildered», sobre et élégant, met parfaitement en valeur la chanteuse. Les subtiles variations d'un titre à l'autre maintiennent notre intérêt de bout de bout : des ballades certes, mais les couleurs sont différentes entre «Why Don't You Do Right?», «Cry Me a River» ou «Wives and Lovers». Un disque très plaisant.
Sur le second opus, Hetty Kate partage l'affiche avec le pianiste Gordon Webster, émule canadien de Fats Waller, installé à New York. La rencontre des deux, sous le signe du swing, est des plus réjouissantes ! Webster et Kate nous embarquent dès le premier titre, «Button Up Your Overcoat» et nous convient à une joyeuse évocation du jazz des années trente et quarante, convoquant même un danseur de claquettes sur «Shoo Fly Pie & Apple Pan Dowly». Rien n’est artificiel ni ringard : on a affaire à de bons musiciens qui maîtrisent leur style (le groupe se révèle particulièrement alerte sur Eight, Nine & Ten» et sur «There's Frost on the Moon». Hetty Kate, portée par l’ensemble, est délicieuse sur «Peek-a-Boo», drôle sur «Busy Line», romantique sur «Hard Hearted Hannah» dévoilant ainsi une palette assez large. On ne peut que souhaiter la voir revenir bientôt sous nos climats pour profiter en scène de ses atours vocaux.

Jérôme Partage

Frederic Borey
Wink

Witchcraft, Bess You Is My Woman, You Don’t Know What Love Is, My Man’s Gone Now, Our Love Is Here to Stay, Get Out of Town, I Hear Music*, Blues in Green, Boplicity
Frederic Borey (ts, arr), Michael Felberbaum (g, arr*), Leonardo Montana (p), Yoni Zelnik (b), Fred Pasqua (dm) + Gildas Boclé (b)
Enregistré les 7 et 8 juin 2015, Videlles (91)
Durée : 58' 46''
Fresh Sound New Talent 486 (www.fredericborey.com)

Le clin d’œil de Frederic Borey passe, dans ce nouvel enregistrement, par une relecture de standards parmi les plus connus, revus au filtre d’une filiation hendersonienne (Joe), avouée dans les quelques notes de pochette. Les influences et admirations de Frederic Borey, né en 1967, ne s’arrêtent bien sûr pas là, et s’il est aujourd’hui mis en valeur par le label New Talent (Fresh Sound) de l’excellent Jordi Pujol, ne vous y trompez pas, c’est un musicien expérimenté, diplômé, enseignant lui-même, qui a déjà côtoyé d’excellents partenaires depuis plus de vingt ans sur les scènes du jazz. La présence de Gildas Boclé sur le premier thème, le soutien de Jerry Bergonzi et Lionel Loueke dans les notes de livret, confirment ce statut de musicien reconnu et expérimenté, et la musique jouée vient confirmer cette présentation rapide.
Nous évoquions l’influence de Joe Henderson, et elle est en effet marquante dans cette manière de diffuser un voile aérien de réharmonisations sur toutes les compositions pour créer un véritable univers, captivant. La sonorité même de ténor de Frederic Borey n’est pas sans rappeler l’élégance du regretté et grand saxophoniste de Lima (Ohio). Ses héritiers ne sont pas si nombreux, et c’est donc un plaisir supplémentaire de cet enregistrement.
On apprécie l’apport du très bon Michael Felberbaum, guitariste américain né à Rome et qui vit son actualité jazzique à Paris, tout à fait dans l’esprit de cette musique, particulièrement sur le très réussi « Our Love Is Here to Stay », et le soutien d’un Fred Pasqua à son aise dans cet univers, apportant juste ce qu’il faut avec délicatesse.
Les relectures métamorphosent plus ou moins les standards, mais dans l’ensemble, ce qui est remarquable est l’unité du ton, la création d’un ensemble musical à la personnalité certaine, à la tonalité originale, une construction d’une séance cohérente dans laquelle on s’immerge progressivement, conclue sur un « Boplicity » enlevé et joyeux : un cheminement qui contribue à faire de ce disque un excellent moment musical.

Yves Sportis

Lucy Dixon
Lulu's Back in Town

No Strings, Undecided, Shall We Dance, Lulu’s Back in Town*, Running Wild, Living in a Great Big Way, Get Happy*, Fascinating Rhythm, Darling je vous aime beaucoup, It Don’t Mean a Thing, After You’ve Gone, Nagasaki, When Somebody Thinks You’re Wonderful, When I Get Low I Get High, Me Myself and I
Lucy Dixon (voc, tap dance, dm), Samy Daussat (g), David Gastine (g), Sébastien Gastine (b), Laurent de Wilde (p), Steve Argüelles (dm, perc) + Umlaut Big Band* : Pierre Antoine Badaroux (as, arr), Louis Laurein (tp) Geoffroy Gesser (ts, cl), Fidel Fourneyron (tb)
Enregistré en mai 2014, Juillaguet (16)
Durée : 36' 38''
SideStreet Music (www.thelucydixon.com)

Lucy Dixon est anglaise, elle danse (les claquettes), elle possède un excellent drive, et comme vous pourrez l’entendre sur ce disque, sans trop de moyens apparents, elle a su réunir autour d’elle une bonne section dans l’esprit de Django, avec les excellents frères Gastine, et un Samy Daussat, toujours aussi brillant guitariste de cette tradition, augmentée quand il le faut de Steve Argüelles, qui produit le disque, et d’une section de cuivres.
Son répertoire va des standards à la tradition de Broadway, le tout marqué par l’empreinte de Django, à cause de Paris et du choix des musiciens qui l’accompagnent, et cela donne une résultat musical de belle facture. Lucy possède sur disque, nous ne l’avons pas écouté en live, une vraie personnalité, une belle voix juste, un phrasé swing ce qu’il faut pour ce registre et pose les paroles avec une vraie connaissance de ce répertoire. La mise en place est réussie, les musiciens connaissent leur Django sur le bout des doigts et en donnent une belle illustration tout au long de ce bon enregistrement.
Donc, ce qui pourrait paraître pour un disque promotionnel de plus, dans une présentation économique, en dépit d’une photo sympa et des renseignements de base, est en fait très prometteur, et mérite une attention certaine d’où le plaisir n’est pas exclu. Il évoque tout aussi bien la grande tradition populaire américaine que la tradition française marquée par Django. En direct, les claquettes ne seront pas non plus à dédaigner, car la dame semble se débrouiller parfaitement (« Nagasaki »). Donc si vous croisez ce groupe sur votre route, allez l’écouter et vous pourrez même conserver un souvenir de la bonne soirée.

Yves Sportis

Frank Catalano / Jimmy Chamberlin
Love Supreme Collective

Brooklyn Bridge part 1, 2, 3, Carroll Gardens, Bay Parkway, BAM, Mapletone, Boerum Hill, Neptune Avenue, 7005 Shore Road, Avenue M, Dumbo, Gowanus
Claudio Fasoli (ts, ss), Ralph Alessi (tp), Matt Mitchell (p), Drew Gress (b), Nasheet Waits (dm)
Enregistré les 16 et 17 novembre 2014, Udine (Italie)
Durée : 58' 09''
Musica Jazz 1289 (www.musicajazz.it)

Claudio Fasoli continue son exploration des capitales en musique, aujourd’hui Brooklyn, et pour ce faire il s’est entouré de trois jazzmen de premier plan. Nasheet Waits a été le batteur de Fred Hersh, Andrew Hill, Jason Moran. Dew Gress a joué aussi avec Fred Hersh et Bill Carrothers, il est le contrebassiste préféré de Uri Caine, capable de jouer ses partitions les plus complexes. Matt Mitchell tient le piano chez Tim Berne, Dave Douglas, Lee Konitz. C’est donc une rythmique de rêve. Quant au trompettiste Ralph Alessi il n’est plus à présenter en France.
Claudio déclare qu’il a suivi dans Brooklyn un itinéraire assez illogique, et surtout plus émotionnel que rationnel. Les treize compositions du leader sont de purs joyaux mélodiques. Pour ce disque Claudio Fasoli utilise systématiquement les unissons saxophone-trompette, et parfois s’y ajoutent piano et contrebasse, en variant les intervalles, ce qui donne des couleurs surprenantes et attrayantes aux ensembles.
Ralph Alessi possède un son de trompette légèrement écrasé qui s’intègre à merveille aux sons des saxes de Claudio, un son droit, sans effet ni fioritures, jouant toujours avec une émotion d’autant plus forte qu’elle est contenue. Le quintet est très soudé, déjouant le piège de jouer hard-bop. Claudio a su en faire un bijou tout neuf, par la grâce d’arrangements peaufinés harmoniquement, sans jamais être chargés. Les solos coulent de source. A titre d’exemple il suffit d’écouter « Bam » sur un tempo médium-lent dans lequel brillent la trompette et le soprano lyrique qui n’est pas sans évoquer Steve Lacy. Ou encore « Carroll Gardens », un curieux morceau mené par le ténor qui souffle tout le mystère du jardin. La rythmique coule de source, avec simplicité et efficacité, et les solos de contrebasse sont de grand cru.
C’est une musique limpide, belle et forte. Claudio Fasoli poursuit son chemin créateur, tranquillement et sereinement, hors des modes, pour le bonheur du jazz.

Serge Baudot

European Jazz Cool
1951-1959

46 titres
Henri Renaud (p), André Hodeir (vln), Jimmy Gourley (g), Kenny Clarke (dm), Sacha Distel (g), Maurice Vander (p), Jean-Claude Fohrenbach (ts), Martial Solal (p), René Thomas (g), Joe Zawinul (p), Gianni Basso (ts), Ronnie Scott (ts), reste des personnels détaillé dans le livret
Durée : 1h 15' 55'' et 1h 16' 07''
Enregistré entre 1951 et 1959, Paris et plusieurs villes d'Europe
Frémeaux & Associés 5428 (Socadisc)

A cette époque, « la guerre du jazz » faisait rage et l'événement était très suivi par Jazz Hot (Charles Delaunay, fondateur de la revue, étant d'ailleurs le producteur de nombreuses sessions reprises dans le premier CD). Il fallait choisir son camp... Ce n'était pas facile pour les jeunes musiciens disciples de Lester Young plus que de Charlie Parker ou de Louis Armstrong, d'imposer un style nouveau qu'on appellerait: « Jazz Cool ». Pas évident non plus pour de jeunes arrangeurs de faire admettre leurs idées novatrices. Comme l'indique Alain Tercinet (ancien collaborateur de Jazz Hot et qui a participé, en avril dernier, à l'une des tables-rondes organisées à l'occasion des 80 ans de notre revue) dans son livret très documenté : « Le style Swing avait ses supporters, d'autres se tournaient vers le New Orleans Revival et, après une courte période d'adaptation, le jazz nouveau eut ses adeptes. Peu nombreux dans un premier temps (…). » Enregistrées à Paris mais aussi à Stockholm, Cologne, Baden Baden, Vienne, Francfort, Milan, Rome, Hilversum et Londres de 1951 à 1959, voici 46 petites perles sauvées opportunément de l'oubli au moment même où se pose de plus en plus la question de la conservation durable de la « mémoire du Jazz ». Empruntons encore à Alain Tercinet sa conclusion : « (...) bien naturellement le jazz passa à autre chose (…) reléguant aux oubliettes les tentatives conduites durant une courte décennie (...). Ce qui reste de cette musique, qu'elle soit due à Bobby Jaspar, Lars Gullin, Jean-Claude Fohrenbach, Henri Renaud, Jimmy Gourley, Sadi, Hans Koller, Gianni Basso ou bien d'autres, montre qu'ils eurent raison d'aller voir ailleurs si l'herbe était plus verte ». Des enregistrements essentiels et précieux.

Daniel Chauvet

Act Big Band & Guests
Extrêmes

Pentaprism, Omnitonic, Extremes, In a Sentimental Mood, RE, Easy Fucksong, Rough Business, Ana Maria, Rough Stuff
Félix Simtaine (dm), Michel Herr (p), Philippe Aerts (b), Joe Lovano (ts), John Ruocco (ts) Eric Veraeghe, Serge Plum, Richard Rousselet, Bert Joris (tp, flh), Paul Bourdiaudhy, Marc Godfroid, Jean-Pol Danhier (tb, tuba), Peter Vandendriessche (as), Erwin Vanslembrouck (ss, ts), Kurt Van Herck (ts) Johan Vandendriessche (bs, fl), Jean-Pierre Catoul (vln)
Durée : 1h 04' 44''
Enregistré en novembre 1986, Bruxelles
Igloo Records 044 (Socadisc)

Fondé en 1978 (et en sommeil, semble-t-il, depuis 2011), l'Act Big Band, véritable institution en Belgique, a connu la consécration officielle en recevant en 1986 l'aide du « Conseil de la Musique de la Communauté Française de Belgique » lui permettant de commander quatre œuvres à Francis Boland, Michel Herr, Arnould Massart et Jean Warland et, aussi, d'inviter Joe Lovano et John Ruocco pour les enregistrer. Remastérisé il y a peu, ce disque est une superbe réussite. Aux arrangements tirés au cordeau, les solistes (dont certains sont hélas aujourd'hui disparus), ajoutent leur grain de folie et de génie personnels. Le résultat est passionnant, preuve que la formule magique du big band (doit-on dire « classique »?) est également maîtrisée de ce côté-ci de l'Atlantique. Dommage qu'elle ne soit pas plus souvent (et plus durablement) appliquée.

Daniel Chauvet

The Pete McGuinness Jazz Orchestra
Strength in Numbers

The Send-Off, What Are You Doing the Rest of Your Life, Trixie's Little Girl, The Swagger, Beautiful Dreamer, Spellbound, You Don't Know What Love Is, Nasty Blues, Bittersweet, You Don't Know What Love Is
Pete McGuiness (tb, voc), Dave Pietro (as, ss, fl), Marc Phaneuf (as, fl), Tom Christensen (ts, fl), jason Rigby (ts, ss, cl), Dave Reickenberg (bs, bcl), Bruce Eidem, Mark Pattersonet Matt Haviland (tb), Jeff Nelson (btb), Jon Owens, Tony Kadlek, Bill Mobley, Chris Rogers (tp), Mike Holober (p), Andy Eulau (b), Scott Neumann (dm)
Enregistré le 24 octobre 2013, New York
Durée : 1h 17' 26''
Summit Records 627 (www.summitrecords.com)

A l'exception de « What Are You Doing The Rest of Your Life » (de Michel Legrand), et de « You Don't Know What Love Is », qu'il chante d'ailleurs avec beaucoup d'émotion et sur lesquels il scatte habilement, toutes les compositions (et la totalité des arrangements) sont de la plume du chef d'orchestre et talentueux tromboniste Pete McGuiness. Sur des mélodies très élégantes, et de très riches harmonies, il a façonné des arrangements qui mettent particulièrement en valeur les unes et les autres tout en laissant le champ libre aux très brillants improvisateurs de l'orchestre (tous fines gâchettes du jazz new-yorkais). Renouvelant pour le moins le genre, ce disque comblera tous les amateurs de big bands frustrés par leur absence dans la programmation de la plupart des festivals d'été (à la notable exception de celui de Pertuis dont c'est la spécialité).

Daniel Chauvet

Larry Fuller
Larry Fuller

At Long Last Love, Parking Lot Blues, Daahoud, Both Sides Now, Django, Hymn to Freedom, Reflections In D / Prelude to a Kiss, C Jam Blues, Old Folks, Old Devil Moon, Close Enough for Love, Celia
Larry Fuller (p), Hassan Shakur (b), Greg Hutchinson (dm)
Enregistré les 10-11 décembre 2013 et 14 janvier 2014, Paramus (New Jersey)
Durée 1h 00' 38''
Capri Records 74135-2 (www.caprirecords.com)

Dernier pianiste du grand Ray Brown, le New-Yorkais Larry Fuller revendique l'héritage des musiciens middle jazz. Son jeu très volubile évoque d'ailleurs fortement celui d'Oscar Peterson, le maître absolu. Pas étonnant qu'il soit ici entouré de Greg Hutchinson, qui fit ses classes auprès de Ray Brown, et de Hassan Shakur qui les fit au sein du Duke Ellington Orchestra, et aux côtés de Monty Alexander, autre grand maître. On est donc entre gens de bonne compagnie. Ce trio est un modèle du genre : sens de la mélodie, sens du blues, (boogie-woogie en solo compris), respect des harmonies des standards, swing et parfaite entente. Un CD à recommander dans toutes les écoles...

Daniel Chauvet

Jazz Accordéon
The New Wave

Bebe, Debout, A Better Life, L'impatience, Romance, Même seul, Electrizzante, Spring, Winter, As, Blackbird, Un Beau Souvenir
Didier Ithusarry, Laurent Derache, Antonello Salis, David Venitucci, Roberto de Brasov, Jacques Pellarin, Lionel Suarez, Marcel Loeffler, Richard Galliano, Jimmy Gourley (personnels détaillés dans le livret)
Dates et lieux des enregistrements non communiqués
52e Rue Est 100 (Modulor)

Voici une compilation qui n'aurait pas déplu à Frank Hagège, fondateur des Django d'Or et grand amateur d'accordéon. Elle réunit, dans des styles très différents, quelques-unes des talentueuses figures de la « nouvelle vague » de la « boîte à frissons », du Basque Didier Ithusarry au Rémois Laurent Derache, en passant par l'Italien Antonello Salis, le Grenoblois David Venitucci, le Roumain Roberto de Brasov, le Chambérien Jacques Pellarin, le Manouche Marcel Loeffler et, forcément, la star internationale du genre et initiateur du renouveau de l'instrument : Richard Galliano. Parcours initiatique conseillé à tous ceux qui en sont restés à Marcel Azzola... et qui ignorent encore qu'accordéon et jazz moderne peuvent faire bon ménage.

Daniel Chauvet

Richard Galliano / Jean-Charles Capon
Blues sur Seine

Blues sur Seine, For My Lady, Un pied dans le caniveau, Waltz for Debby, Laura et Astor, Kitou, Les Forains, Tears, Goodbye Miles, Neigerie, Fou rire, Bateau mouche
Richard Galliano (acc), Jean-Charles Capon (cello)
Durée: 50' 21''
Enregistré en février 1992, Paris
Frémeaux & Associés/ Label La Lichère 177 (Socadisc)

En ce temps-là, Richard Galliano n'avait pas encore publié Laurita, New York Tango encore moins Ruby My Dear, et son aura n'était pas celle d'aujourd'hui...mais déjà Napoléon pointait sous Bonaparte. Son duo « audacieux » avec le regretté Jean-Charles Capon, musicien « classique » autant que « jazzman », (qui nous a quittés en 2011), fut un succès discographique inattendu. Le voici réédité et c'est une occasion à ne pas manquer, tant s'accordent les talents de ces deux merveilleux musiciens. Compositions de Capon et de Galliano et standards (de Bill Evans, Toots Thielemans, Django Reinhardt) et même un vieux succès d'Edith Piaf (« Le Chemin des forains »), tout est traité avec le même respect et la même grâce.

Daniel Chauvet

Richard Manetti
Groove Story

Bad town, For JM, Sadness, Loupgaloo, Italian Prelude, Night come back, Océan, Dendrolague, Sun of the road, Emilio
Richard Manetti (g), Stéphane Guillaume (ss, ts), Fred D'Oelsnitz (p), Jean-Marc Jafet (elb), Yoann Serra (dm) + Didier Lockwood (vln), Cédric Ledonne (perc)
Durée : 56' 47''
Enregistré en décembre 2013 et janvier 2014, Antibes (06)
Label Bleu 6718 (L'Autre distribution)

Il faut se faire une raison : Richard Manetti n'a pas vraiment l'intention de marcher sur les brisées de Romane, son père, prem

Chroniques CD-DVD

Emmanuel BailyNight Stork

Valerio Pontrandolfo & Harold Mabern TrioAre You Sirius?

Erroll GarnerThe Quintessence

Melody GardotThe Currency of Man

The Katie Bull Group ProjectAll Hot Bodies Radiate

Eric SévaNomade sonore

Julie Saury / Carine Bonnefoy / Felipe CabreraThe Hiding Place

Jean-Yves CandelaLucie

Céline Bonacina Crystal QuartetCrystal Rain

Jean-Philippe O'Neill QuartetWillie'O

Austin O'Brien Big 5 BandMy Time Is Now

Kenny Barron Trio Book of Intuition

Ella Fitzgerald Live in Paris. 1957-1962

Steve Slagle & Bill O'ConnellThe Power of Two

Lew Tabackin Soundscapes

Chuck Israels Jazz OrchestraJoyfull Noise: The Music of Horace Silver

George Freeman & Chico Freeman All in the Family

José Fallot & FriendsAnother Romantic. Volume 2

Heinrich Von Keilnen / Michael AbeneDreamliner

Perrine MansuyRainbow Shell

Nicole JohänntgenMoncaup

Jacques VidalCuernavaca

Ignasi Terraza Imaginant Miró

Louis ArmstrongLive in Paris. 24 avril 1962

Dmitry BaevskyOver and Out

Cyrille AiméeLet's Get Lost

Champian FultonChange Partners

Champian FultonAfter Dark

Count BasieLive in Paris. 1957-1962

Jeb PattonShades and Tones

Antonio AdolfoTema

European Jazz SextetLive at the International Jazzfest in Viersen

Frank SinatraLive in Paris. 5/7 juin 1962

Bossa Nova in USA1961-1962

Sarah ThorpeNever Leave Me

Mack Avenue SuperBandLive From the Detroit Jazz Festival 2014

Ran Blake / Ghost Tones Portraits of George Russell

Ran Blake / Christine CorreaThe Road Keeps Winding: Tribute to Abbey Lincoln Volume Two

Aaron DiehlSpace, Time, Continuum

Jeff HackworthSoul to Go!

Samy ThiébaultA Feast Friends

On Air & Fabrizio BossoMichel on Air

PG ProjectBack From N.O.

Chico Freeman 4-tetSpoken Into Existence

Chico Freeman / Heiri KänzigThe Arrival

Claude Luter / Barney BigardThe Paris Session

Dee Dee Bridgewater / Irvin Mayfield / The New Orleans Jazz OrchestraDee Dee's Feather

Fred HerschSolo

La Section RythmiqueLa Section Rythmique

David SanbornTime and the River

Aaron GoldbergThe Now

Stan GtetzThe Quintessence. Volume 2

Serge Merlaud / Jean-Pierre RebillardBear on a Tightrope

Miguel ZenónIdentities Are Changeable

Hetty KateDim All the Lights

Gordon Webster / Hetty KateGordon Webster Meets Hetty Kate

Frederic BoreyWink

Lucy DixonLulu's Back in Town

Frank Catalano / Jimmy ChamberlinLove Supreme Collective

Frank Catalano / Jimmy ChamberlinGod's Gonna Cut You Dawn

Andy Emler MegaOctetObsession 3

Christian Brazier QuartetSeptième vague

Pierre de BethmannEssais / Volume 1

Kassap / Touéry / Duscombs8 Détours

Lisa HiltonKaleidoscope

Rich Halley 4The Wisdom of Rocks

Paris-Calvi Big BandR comme René

Fabien MaryThree Horns Two Rhythm

Ramona Horvath TrioXS Bird

B.F.G.Now or Never

Phil HaynesNo Fast Food. In Concert

Christophe LabordeWings of Waves

Philippe Crettien QuartetNovember Dusk

Nicola FazziniMinimum Sax Vol. 1 : Random 2

Reggie WashingtonRainbow Shadow

Emmanuel Baily
Night Stork

Valerio Pontrandolfo & Harold Mabern Trio
Are You Sirius?

Erroll Garner
The Quintessence

Melody Gardot
The Currency of Man

The Katie Bull Group Project
All Hot Bodies Radiate

Eric Séva
Nomade sonore

Julie Saury / Carine Bonnefoy / Felipe Cabrera
The Hiding Place

Jean-Yves Candela
Lucie

Céline Bonacina Crystal Quartet
Crystal Rain

Jean-Philippe O'Neill Quartet
Willie'O

Austin O'Brien Big 5 Band
My Time Is Now

Kenny Barron Trio
Book of Intuition

Ella Fitzgerald
Live in Paris. 1957-1962

Steve Slagle & Bill O'Connell
The Power of Two

Lew Tabackin
Soundscapes

Chuck Israels Jazz Orchestra
Joyfull Noise: The Music of Horace Silver

George Freeman & Chico Freeman
All in the Family

José Fallot & Friends
Another Romantic. Volume 2

Heinrich Von Keilnen / Michael Abene
Dreamliner

Perrine Mansuy
Rainbow Shell

Nicole Johänntgen
Moncaup

Jacques Vidal
Cuernavaca

Ignasi Terraza
Imaginant Miró

Louis Armstrong
Live in Paris. 24 avril 1962

Dmitry Baevsky
Over and Out

Cyrille Aimée
Let's Get Lost

Champian Fulton
Change Partners

Champian Fulton
After Dark

Count Basie
Live in Paris. 1957-1962

Jeb Patton
Shades and Tones

Antonio Adolfo
Tema

European Jazz Sextet
Live at the International Jazzfest in Viersen

Frank Sinatra
Live in Paris. 5/7 juin 1962

Bossa Nova in USA
1961-1962

Sarah Thorpe
Never Leave Me

Mack Avenue SuperBand
Live From the Detroit Jazz Festival 2014

Ran Blake / Ghost Tones
Portraits of George Russell

Ran Blake / Christine Correa
The Road Keeps Winding: Tribute to Abbey Lincoln Volume Two

Aaron Diehl
Space, Time, Continuum

Jeff Hackworth
Soul to Go!

Samy Thiébault
A Feast Friends

On Air & Fabrizio Bosso
Michel on Air

PG Project
Back From N.O.

Chico Freeman 4-tet
Spoken Into Existence

Chico Freeman / Heiri Känzig
The Arrival

Claude Luter / Barney Bigard
The Paris Session

Dee Dee Bridgewater / Irvin Mayfield / The New Orleans Jazz Orchestra
Dee Dee's Feather

Fred Hersch
Solo

La Section Rythmique
La Section Rythmique

David Sanborn
Time and the River

Aaron Goldberg
The Now

Stan Gtetz
The Quintessence. Volume 2

Serge Merlaud / Jean-Pierre Rebillard
Bear on a Tightrope

Miguel Zenón
Identities Are Changeable

Hetty Kate
Dim All the Lights

Gordon Webster / Hetty Kate
Gordon Webster Meets Hetty Kate

Frederic Borey
Wink

Lucy Dixon
Lulu's Back in Town

Frank Catalano / Jimmy Chamberlin
Love Supreme Collective

Frank Catalano / Jimmy Chamberlin
God's Gonna Cut You Dawn

Andy Emler MegaOctet
Obsession 3

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Septième vague

Pierre de Bethmann
Essais / Volume 1

Kassap / Touéry / Duscombs
8 Détours

Lisa Hilton
Kaleidoscope

Rich Halley 4
The Wisdom of Rocks

Paris-Calvi Big Band
R comme René

Fabien Mary
Three Horns Two Rhythm

Ramona Horvath Trio
XS Bird

B.F.G.
Now or Never

Phil Haynes
No Fast Food. In Concert

Christophe Laborde
Wings of Waves

Philippe Crettien Quartet
November Dusk

Nicola Fazzini
Minimum Sax Vol. 1 : Random 2

Reggie Washington
Rainbow Shadow