Le 13 janvier, le Hot Club de France fêtait ses 85 ans au Jazz Club Etoile. Pour cet anniversaire, il avait convié le big band de Michel Pastre (ts) avec pour special guest, un autre ténor, Nicolas Montier. Soit un beau cadeau d’anniversaire que s’était offert le HCF, d’autant que cette formation compte beaucoup d’excellents solistes: Esaie Cid (as, cl), Luigi Grasso (as), Patrick Backville (tb, voc), Fabien Mary, Malo Mazurié (tp), Enzo Mucci (g), Pierre Christophe (p), Raphaël Dever (b) ou encore François Laudet (dm). La fine fleur des clubs parisiens en somme! Les duos Pastre-Montier se sont avérés particulièrement savoureux («Tickle Toe», «Corner Pocket» qui a aussi permis d’entendre Malo Mazurié). Car si l’ensemble produit un swing rugissant, portant haut le répertoire de Count Basie (avec, en plus, le souci pédagogique du leader d’introduire chaque morceau), on apprécie aussi les individualités sur les solos (Pierre Christophe sur «Blues Backstage», Patrick Backville –au chant– sur «After You’ve Gone», François Laudet sur «Poor Butterfly»). Que du bonheur! JP

Le 26 janvier, Sarah Lenka (voc) interprétait pour le public du Jazz Café Montparnasse les titres de son album I Don’t Dress Fine, un vibrant hommage à Bessie Smith. En compagnie de Laurent Guillet (g), Quentin Ghoman (tp), Manuel Marchès (b) et de Fabien Mornet (g, bjo), elle a proposé une vision très folk-blues du répertoire de cette grande figure de la musique américaine, avec une emphase particulière portée sur les moments-clés de sa carrière amoureuse. La chanteuse, qui nous avouera après le concert préférer chanter ces morceaux en continu, comme un scénario, plutôt que de les organiser autour de plusieurs sets distincts, joue brillamment d’un art consommé de la scène pour interpeller, provoquer les personnes présentes, s’arrêtant de chanter, interrompant le cours du gig au gré de l’intensité des réactions recueillies. L’exercice d’approfondissement que propose Sarah Lenka relève davantage d’une intuition propre à l’artiste qui consiste à intégrer la lutte pour l’égalité homme-femme au combat contre la xénophobie et les discriminations. On sait que Bessie Smith a été l’une des premières chanteuses afro-américaines à bien gagner sa vie avec son art, bien que cela ne l’ait aucunement empêchée d’être en butte au racisme et à la misogynie. Surmontant les difficultés au moyen d’une force de caractère hors du commun, les textes de ses chansons n’en expriment pas moins le regret d’avoir dû vivre et gérer de tels antagonismes. De ce point de vue, si Sarah Lenka est très à l’aise avec les tempos rapides de «Cake Walking Babies» et «Do Your Duty» qui semblent tout droit issus du monde de Dorothy Parker, elle devient proprement émouvante sur les rythmes mid-tempo ou lents de «Sing Sing Prison Blues» et «After You’re Gone». En authentique front woman instinctive, Sarah Lenka ne se dérobe pas à la mise à nu émotionnelle proposée par ces titres, suscitant l’adhésion des fans de l’ancien Petit Journal Montparnasse, bien aidée en cela par des musiciens irréprochables et brillants qui évoquent les orchestrations dépouillées prisées par l’autre grande source d’inspiration de la chanteuse, Billie Holiday. Un spectacle qui conjugue l’authenticité et la sincérité comme le faisait Bessie Smith. JPA

Le 5 février, c’était la fête à Gérard Naulet (Jazz Hot n°681)! Le pianiste s’était en effet fait plaisir en réunissant ses amis, sur scène et dans la salle du New Morning, plein comme un œuf. Après une première partie assurée par le trio Ahmet Gülbay (p), Nicola Sabato (b), Germain Cornet (dm), le plus cubain des retraités de l’administration fiscale (le nombre de musiciens qu’il aide à remplir leurs déclarations est long comme le bras…) s’est mis en piste avec Orlando Maraca Valle (fl), Orlando Poleo (dm), Irving Acao (ts), Felipe Cabrera, Felix Toca (b), Philippe Slominski, Tony Russo (tp), Simon Ville-Renon (perc) et Carlos Esposito (voc). Ce fut une belle fête en musique, éclatante et cuivrée. Une célébration de l’amitié (Viaje a la Amistad est le titre de l’album de Gérard) entre un musicien français épris de jazz et de rythmes cubains et des musiciens cubains qui l’ont adopté comme l’un des leurs. Un moment heureux qui s’est achevé sur un quatre mains au piano avec Orlando Maraca Valle. Viva Cuba! JP

Le 8 février, au Sunside, Yoann Loustalot (tp, flh), nous présentait son nouveau projet, Old and New Songs (Bruit Chic, label dont il est fondateur), une œuvre issue d’un collectif de musiciens soudés. Avec François Chesnel (p), Frédéric Chiffoleau (b), et Christophe Marguet (dm), le groupe nous invite à un véritable tour du monde au travers de titres empruntés au répertoire traditionnel, au folklore de pays si divers qu’on croirait presque toucher, çà et là, au registre de la world music. Mais il s’agit bien davantage, en l’espèce, d’un état d’esprit et d’un certain sens de l’ouverture au monde que de dilution dans un multivers nourri de références cosmiques et de croyances globalisantes. Dans le répertoire du groupe, «Une jeune Filette» et «File la Laine» rappellent la rencontre sur les bancs de l’école du trompettiste et du bassiste dans l’Ouest de la France, tandis que «Edo No Komoriuta» et «Oshima Ankho Bushi» évoquent le Japon de Matsuo Basho. L’esprit de la formation, comme de la prestation musicale offerte ce soir, est bien loin de toute prétention intempestive, comme attesté par chacun des commentaires burlesques qui présentent les morceaux joués au public du Sunset (et par l’interprétation de la très originale introduction virtuose à la batterie de «Old and New Drums»). Le Brésil de «Bachianas Brasileiras N°5 Aria» et «Villa Lobos», l’Italie de «La Romanella», sur laquelle brille le piano de François Chesnel, témoignent chacun à leur niveau de cette entreprise de réappropriation que constitue toute relecture fidèle, parce que sincère, de mélodies appartenant au patrimoine musical mondial. Ici, la formation se permet même de swinguer avec grâce, entre de multiples brisures de tempos altérant avec talent la signature de compositions ayant traversé le cours du temps et qui, ce faisant, bénéficient du surcroit de vitalité suscité par chacune des reviviscences proposées en révélant leur œcuménisme. «Kristallen Den Fina», par son atmosphère intimiste, porte l’émotion à son comble, et «La Belle s’en va au Jardin des Amours» offre à Frédéric Chiffoleau l’occasion d’une des digressions dont il est friand, accusant le grand écart entre tradition et modernité matérialisé par le quartet avec un tel sentiment d’évidence, qu’il évacue la complexité pourtant patente des arrangements écrits collectivement. La maîtrise du timbre de Yoann Loustalot, de facture très classique, les phrasés impressionnistes privilégiés par les musiciens, et la cohésion d’ensemble de la prestation achèvent de propulser le concert dans une dimension essentielle marquée par une intensité et une cohérence incontestables. JPA

Le dernier trimestre de l'année 2017 fut un des sommets de cette saison de blues dans la petite commune de Tournon-d'Agenais autour de l'équipe du toujours passionné Christian Boncour et de son association Blues Station. Un rendez-vous incontournable depuis plus de 20 ans qui a vu défiler tout le gotha de la note bleue. En ce 20 octobre, c'est la formation du chanteur et harmoniciste Sugar Ray Norcia qui illumina la scène de l'ancien presbytère du Périgord Agenais transformé en club du «Chitlin circuit». Dans une ambiance surchauffée par un nombreux public d'amateur de blues et de chili con carne, les Bluetones de Sugar Ray ont démontré qu'ils restent l'une des plus authentiques formations de blues contemporain. Ils viennent de fêter leur 40_^e anniversaire et représentaient déjà à l'époque la crème du «west coast blues», avec le formidable Ronnie Earl à la guitare. Ils croisèrent ainsi la route de figures majeures du blues tels les légendaires Big Joe Turner ou les incontournables de Chicago de Jimmy Rogers (g), Roosevelt Sykes (p) et Big Walter Horton (hca). L'harmoniciste reste l'influence majeure de Sugar Ray Norcia qui au-delà d'une totale maîtrise de l'instrument, excelle dans un jeu à la sonorité ample et chaude avec un sens du swing toujours présent. Après une longue parenthèse au début des années 90 au sein des fameux «Roomfull of blues», il reforme ses Bluetones et cultive une carrière de sideman auprès de Duke Robillard (g), Pinetop Perkins (p), Joe Louis Walker (g) avant la consécration de l'album «Superharps» où il partage les chorus avec Billy Branch, James Cotton et Charlie Musselwhite. La présence ce soir de Little Charly Baty (g) apporte au-delà de l'école de T. Bone Walker propre à l'idiome west coast, une touche jazz dans ses interventions. L'ancien membre des fameux «Nightcats» de la baie de San Francisco est aujourd'hui une pièce importante de la formation, ses chorus sur «Hoodo man» aux notes tendues à la Buddy Guy doublé d'un jeu en single note font merveille au sein des «Bluetones». Au détour d'un thème original sur les harmonies de «Rock me Baby», le «chase» entre le guitariste et l’harmoniciste fait merveille. On retiendra également une belle version du titre de Lazy Lester «Blues stop Knockin'» entre Swanp Blues et sonorité texanes, qui nous amène sur les rives de New Orleans.
«Rain in my heart» est une forme d'hommage à Fats Domino sous les doigts de l'excellent Anthony Geraci au piano. Sur «Some Day Some Way» une ancienne composition de Sugar Ray Norcia, il est assez surprenant de retrouver l'ensemble de la formation initiale qui entourait Ronnie Earl (g) en 1985 sur l'album Deep Blues avec comme seule innovation la présence de Little Charly Baty (g). Ce dernier se voit offrir une parenthèse jazz en trio pour une magnifique version électrique de «Minor Swing» dans un jeu délié à l'attaque franche évoquant le toucher délicat de Kenny Burrell. «Lester Leaps in» en mode jam session voit le trio inviter le ténor de Gordon Sax Beadle, véritable showman dans la lignée des grands saxophonistes de rythm and blues de King Curtis à Sam The Man Taylor. Son large vibrato peut également rappeler l'école texane des Arnett Cobb, Buddy Tate voire Illinois Jacquet. Originaire de Detroit cet ancien partenaire de Duke Robillard a enregistré plus d'une centaine de sessions aussi bien en jazz avec Jay McShann, Jimmy McGriff ou Herb Ellis et de nombreuses étoiles du blues dont Champion Jack Dupree, Pinetop Perkins, Charles Brown, James Cotton, Junior Wells, Sam Moore, Little Milton, Gatemouth Brown… La rythmique amenée par Neil Gouvin (dm) et Mudcat Ward (b, eb) est un modèle du genre alliant swing et musicalité au service du collectif. Sugar Ray Norcia est quant à lui aussi à l'aise à l'harmonica diatonique que chromatique doublé d'un vocaliste hors pair à l’expressivité exacerbée. Son final sur «Five Long Years» et «Mean of World» reste un modèle du genre.

Le 1_^er décembre, c'est le traditionnel rendez-vous avec la fameuse tournée du Chicago Blues Festival. Pour cette 48_^e édition, on retrouve le guitariste Carl Weathersby originaire de Jackson bien qu'étant chicagoan depuis sa plus tendre enfance. Aujourd'hui, à 64 ans, il est une figure influente du Chicago Blues contemporain ayant comme disciples le prometteur guitariste Corey Dennison ou son partenaire de tournée Rico McFarland. Sa carrière solo a été tardive due à une longue période de sideman au sein des formations d'Albert King son mentor et ami de son père, puis durant une quinzaine d'années au sein des fameux «Sons of the blues» de l'harmoniciste Billy Branch. Pour cette soirée d'exception, plus une seule place disponible démontrant encore une fois que le public du blues est d'une grande fidélité. Débutant sur un shuffle classique, la guitare du leader se veut tranchante, véhiculant une cascade de notes tendues entre l'école du South Side d'un Buddy Guy et la virtuosité d'Albert King. On notera la belle complémentarité des deux guitaristes, Rico McFarland étant plus classique dans son jeu sobre rappelant Jimmy Rogers l'ancien partenaire de Muddy Waters. Il est l'autre attraction de la soirée de par son expérience auprès de James Cotton puis Lucky Peterson, apportant une touche plus traditionnelle. L'ensemble tourne à merveille surtout sur les thèmes funky propulsés par la solide et puissante rythmique amenée par Timothy Lee Waites (b) et Jeremiah Thomas (dm). Le répertoire se veut plus large à l'image de cette version d'«Europa» de Carlos Santana. Cela est peu surprenant surtout lorsqu'on sait l'attachement pour le blues du guitariste mexicain, lui qui cotoya longuement Mike Bloomfield à ses débuts. La venue de Laretha Weathersby (voc) la sœur de Carl, est également un moment fort du concert sur des classiques comme «Let's the Good Time Roll», «Proud Mary», «Kansas city» ou la superbe version toute en expressivité du célèbre «Dr Feelgood» immortalisée par Aretha Frankin. Ce début d'année 2018 reste tout autant active pour l'association ABC dans le cadre de ses Blues Station à Tournon-d'Agenais avec déjà deux concerts autour de l'hamonica de Nico Wayne Toussaint jouant le répertoire de James Cotton et du Californien Mitch Kashmar ainsi que des masters class. Une affaire à suivre!

Le 2 décembre au Café Laurent, Christian Brenner (p) accueillait Damon Brown (cnt), en compagnie de Frédéric Delestré (dm) et de Bruno Schorp (b). «Ceora» de Lee Morgan permet d’entrée, avec son feeling latin, de se rendre compte que le phrasé impressionniste de Damon Brown se marie à merveille avec les standards revisités par ce qui constitue l’une des principales formations d’un pianiste cultivant la complicité et l’amitié au cœur même de son discours musical. «Straight No Chaser» est une piste de décollage pour les improvisations des solistes, avec une liberté de ton et des variations de tempo saisissantes. «On Green Dolphin Street», avec son climat intimiste, augure du climat de complicité esquissé par le groupe, tandis que «Have You Met Miss Jones» prend ses distances vis-à-vis de Chet Baker en développant ses chorus au cœur même de la mélodie, laissant les virevoltes autour du thème aux soins du seul Bruno Schorp, qui brille ici d’une polyvalence confinant à un brio certain. «I Could Write a Book», «If I Were a Bell» et «If You could See Me Now» confirment la veine chorale de la prestation, avec une prédominance de classiques du répertoire chanté choisis avec goût parmi les versions passées à la postérité en tant que fleurons du genre. Enhardi par l’excellente réception des premiers titres, Damon Brown se frotte à la griffe de Clifford Brown sur «Joy Spring», moment clé du set marqué d’une excellente performance de Frédéric Delestré, qui apprivoise les parties de batterie de Max Roach de manière exemplaire au vu de leur complexité (mention spéciale au jeu de cymbales sophistiqué développé pour l’occasion). «In Your Own Sweet Way» témoigne quant à lui de la capacité qu’a Christian Brenner de frayer avec d’autres instruments polyphoniques tels que la guitare, et qui pour mieux incarner cette correspondance délicate que la complicité miraculeuse qu’entretenaient Wes Montgomery et Tommy Flanagan. Le pianiste fait montre ici de toute sa science harmonique, faisant presque entendre le jeu en octaves manquant d’un complice joueur de cordes imaginaire. «Stella by Starlight» est aussi pleine de vie que la version d’Ella Fitzgerald, quoi que jouée avec un arrangement qui en fait un morceau instrumental à part entière, tandis qu’«All Blues» confirme le legs immense de la galaxie Miles Davis aux quatre musiciens, présent de multiples manières dans les atmosphères créées au sein de l’ancien siège du club Le Tabou. JPA

Le 5 décembre, sur la péniche Le Marcounet, Jean-Pierre Como (ep) renouait avec ses racines en réjouissant le public présent des riches harmonies qui lui sont propres, caractéristiques des années jazz fusion et de Weather Report en particulier. Fondateur du groupe Sixun (avec Louis Winsberg et Paco Séry), le pianiste n’a eu de cesse, depuis ses débuts, de valider la vision de Joe Zawinul, qui voulait «jouer électriquement et sonner acoustiquement». Le claviériste fait honneur à cette esthétique en faisant usage d’un piano Rhodes qui ne change pas fondamentalement la donne, mais confère tout de même une énergie supplémentaire aux compositions interprétées par une formation de haute volée qui compte Christophe Panzani (ts, ss), Bruno Schorp (b), et Rémi Vignolo (dm). Bruno Schorp est, quant à lui, un contrebassiste polyvalent, capable de s’adapter à tous les registres. Après une entame de set dédiée aux racines italiennes de Jean-Pierre Como, on s’aperçoit que le quartet évolue comme un poisson dans l’eau au gré des multiples influences latines et méditerranéennes émaillant les compositions du leader, faisant de cette succession de rythmes épicés une véritable odyssée au pays des couleurs chatoyantes, et incluant même, ça et là, un feeling caribéen et sud-américain du plus bel effet. Sans qu’elle prétende à un fil conducteur aussi précis, on peut rapprocher cette appréhension de la musique jazz de l’acception plus orientalisante du Ôm Project de Christophe Wallemme, qui a lui aussi collaboré avec les deux compositeurs principaux de Sixun. Le début du second set est un moment de tension particulière qui voit le groupe étrenner le titre «Lucky Day» en avant-première de la sortie du prochain album de Jean-Pierre Como, Infinite, prévue pour septembre 2018. «Bye Bye Blackbird» prouve à ceux qui en douteraient encore que le pianiste peut renouer quand il le veut de façon fluide et convaincante avec les standards, et «Mandela Forever» est un moment émouvant entre tous, l’artiste souhaitant par là-même célébrer l’anniversaire de la disparition d’une figure appartenant à son  panthéon personnel, façon comme une autre de rappeler que le jazz authentique prend racine dans un universalisme que Sixun traduisait à sa façon par un joyeux métissage. Un premier rappel sur «Chorinho Amalfitano», de Dario Deidda, déjà joué lors du premier set et dont la longue introduction se trouve reprise à l’instigation du claviériste, et le groupe nous quitte sur «Alba» de Louis Winsberg, dont la tonalité acoustique de toute beauté constitue le terme naturel d’une prestation empreinte de sincérité, d’engagement et d’intégrité. JPA

Le 7 décembre au Sunset, le vibraphoniste Jean-Michel Davis fêtait la sortie de son nouvel album Vibraphone Jazz (Frémeaux & Associés). Bien accompagné de Frédéric Loiseau (g), Raphael Schwab (b), Julien Charlet (dm), il nous a concoctés un programme fin, léger, sensible, à base de standards («The Man I Love», «Flamingo», «Stardust», «My Romance»). Il les joue au vibraphone ou au marimba. Ça ne manque pas de classe. Et la présence de l’excellent Francis Varis (acc), si rare sur la scène parisienne, y est aussi pour quelque chose («Luba», «Rosetta», «Carioca»). Car c’est une véritable voix musicale, un jeu, une culture, un esprit. Tout cela aurait suffit à rendre cette soirée délicieuse. Mais qui dit Francis Varis, dit Dominique Cravic. Et les voilà réunis sur scène. C’est le concert dans le concert. Cordes et Lames ressuscité, avec Frédéric Loiseau entre les deux, comme l’était autrefois Didier Roussin. Les retrouvailles ne durent que deux thèmes. «Sweet Valse» et «Nina petite valse». Devant tant de beauté et de mélancolie, on regarde, on écoute. MP



Comment rendre hommage au producteur Gérard Terronès (décédé le 16 mars 2017 à l’âge de 76 ans)? Lui qui a servi le jazz, comme peu l’ont fait, depuis 1965 (date de création de son premier club, le Blues Jazz Museum, dans une cave le l’Ile Saint-Louis), avec cet activisme, cet état d’esprit libertaire, cette curiosité de tous les instants, cette discographie foisonnante? Ce n’était pas simple. Il faut saluer l’énorme travail de préparation du tromboniste François Lemonnier pour avoir organisé une sorte de grand marathon jazzistique à l’image des goûts de l’homme au chapeau. Au programme: du free, du post-bop, de l’improvisation libre. Du jazz dans ce qu’il a plus de vivant, de plus éclectique, de plus cultivé, joué par les musiciens qui sont liés à Gérard et Odile Terronès, à cette grande aventure musicale et humaine. Le dimanche 10 décembre au Sunset et au Sunside, plus de soixante-dix musiciens ont répondu à l’appel (voir plus bas les formations qui se sont succédées).
Il y avait des absents. Dany Doriz, Michel Portal, Alexandra Grimal, David Murray, etc. (On pense aussi à Hal Singer, Joachim Kühn...) Certains étaient à l’étranger, d’autres avaient des problèmes de santé, explique Lemonnier dans son mot d’introduction avant de retracer le parcours de Terronès. Le discours est bref. La musique va parler de 17h15 à 1h du matin, chaque formation jouant une quinzaine de minutes, puis 30-45 minutes à partir de 20h30.



Du jazz, rien que du jazz. Et une kyrielle de performances inoubliables. C’est une certaine histoire du jazz qui défile sur les deux scènes. François Tusques (p), en solo. François Jeanneau (ss) et Alain Jean-Marie (p), pour un «Lush Life» étourdissant. Jacques Coursil (tp), pour un solo épastrouillant. Joëlle Léandre (b), véritable shaman. De l’intensité, des voix créatives, de vraies sensibilités musicales, il n’y avait que ça. Cette soirée méritait d’être enregistrée pour la mémoire comme pour le plaisir de réécouter ces solos, ces thèmes, ces performances. Le bouleversant «St. James Infirmary» joué par François Lemonnier (tb) et Raphaël Lemonnier (p). Le set du magnifique sextet composé de Michel Edelin (fl), Sylvain Kassap (cl), Sophia Domancich (p), Dominique Lemerle (b), Simon Goubert (dm), Françoise Franca Cuomo (voc). Le solo éblouissant d'Alain Jean-Marie (p), accompagné de Gilles Naturel (b), John Betsch (dm), et Sylvia Howard (voc) sur «Just In Time». Oui, c’est toute une histoire du jazz qui a défilé sur les deux scènes du Sunset-Sunside plein à craquer jusqu’à la fin. Une histoire qu’on peut retrouver chez Futura et Marge (http://futuramarge.free.fr), car bonne nouvelle: les disques des labels Futura, Marge, Blue Marge, Hôtel Marge, Impro, Jazz Unité, ne sont pas tous encore épuisés! MP

Les formations qui se sont succédées au Sunside:
Sylvia Howard (voc), Raphaël Lemonnier (p), Nicolas Marinot (eb), Irakli (tp), Eric Barret (ts), Julie Saury (dm)
Claudine François (p), Sylvain Kassap (cl), Jef Sicard (as), Nicolas Morinot (eb), Alridge Hansberry (dm)
François Tusques (p) solo
François Lemonnier (tb) et Peeter Uuskyla (dm)
François Jeanneau (ss) et Alain Jean-Marie (p)
Manuel Villarroel (p), Gérard Marais (g), Noel McGhie (dm)
Eric Barret (ts) et Simon Goubert (dm)
Jacques Coursil (tp)
François Lemonnier (tb) et Raphaël Lemonnier (p)
Bobby Few (p), Harry Swift (b), John Betsch (b), Awa Timbo (voc)
Michel Edelin (fl), Sylvain Kassap (cl), Sophia Domancich (p), Dominique Lemerle (b), Simon Goubert (dm), Françoise Franca Cuomo (voc)
Jobic Le Masson (p), Steve Potts (ts), Rasul Siddik (tp), Gilles Naturel (b), John Betsch (dm)
Alain Jean-Marie (p), Gilles Naturel (b), John Betsch (dm), Awa Timbo (voc), Sylvia Howard (voc)
Laurent de Wilde (p), Gilles Naturel (b), Simon Goubert (dm)



Et au Sunset :
Daniel Beaussier (bcl, sax) et Manu Pékar (g)
Gérard Marais (g) et Christian Lété (dm)
Françoise Franca Cuomo (voc), Cyril Trochu (p)
Jef Sicard (as), Richard Bonnet (g), Claude Barthélémy (b), Makoto Sato (dm)
Hélène Bass (vlc), Mirtha Pozzi (perc)
Joëlle Léandre (b)
François Lemonnier (tb) et Claude Barthélémy (b)
Paul Wacrenier (p), Xavier Bornens (tp), Arnaud Sacase (as), Mario Quaresimin (b), Benoist Raffin (dm), Steve Potts (ts), François Lemonnier (tb)
Richard Bonnet (g), Claude Barthélémy (g, b), Hasse Poulsen (g), Samuel Ber (dm), Caroline Faber (voc)
Alain Pinsolle (vib, acc) solo
Eugénie Kuffler (ts, fl, voc), Dominique Collignon (as, fl), Claire Gillet (b)
Nelly Pouget (as) solo

C’est en sortant de ce genre de concert qu’on se demande bien pourquoi Ernest Dawkins n’est pas plus présent sur les scènes françaises. L’alto est connu pour son tempérament free jazz, il est un des piliers de l’AACM de Chicago. Il n’en reste pas moins à l’aise avec les standards et le straight ahead qu’il joue avec émotion et puissance. Il nous a ainsi montré l’étendue de sa palette musicale le 16 décembre au Square (Paris 11^_e). Un lieu atypique, un espace géant de coworking en rez-de-chaussée. Une association organisatrice de l’événement qui n’a rien à voir avec le jazz, le domaine de prédilection de Quatorze (http://quatorze.cc) étant plutôt l’architecture et la sensibilisation à une approche sociale de cette discipline. Un public composé de curieux. Durant deux sets (45 minutes chacun), Katy Roberts (p), Rasul Siddik (tp, perc), Dominique Lemerle (b) ont tout donné pour accompagner le leader, avouons-le, un brin directif de prime abord, avant de laisser à chacun de longs et beaux solos. Pour le répertoire, c’est à l’image de Dawkins, cultivé et éclectique, de «Beatrice» (Sam Rivers) à «Misty», en passant par le magnifique «Sweet Love of Mine» (Woody Shaw) et des improvisations libres. Et quelle générosité! Le leader invite une jeune poétesse puis un jeune rappeur à se joindre au quartet pour une performance. C’est que nos musiciens sont curieux de tout, ouverts à tout, et bienveillants. Ils nous ont offerts de vrais moments de partage et d’amitié. La soirée se termine avec «Paris Blues». Didier Haboyan (as) a rejoint la formation. C’est splendide. Tout le monde est emballé. Que demander de plus? MP

C’est une découverte. Lynn Adib est Syrienne. Elle a étudié la médecine en France puis la musique au CRR. A 31 ans, elle partage aujourd’hui son temps entre son travail à l’hôpital et son activité de chanteuse. Côté jazz, elle a eu l’excellente idée de traduire les grands standards dans sa langue. Durant un set, on a découvert ainsi le 23 décembre au Sunside «Softly As a Morning Sunrise», «Body and Soul» ou encore «The Nearness of You» chanté en arabe. Il y a une grande sincérité chez Adib, une véritable émotion, une élégance. On sent qu’elle s’est appropriée ces chansons. «Waltz for Debbie», par exemple, elle le dédie à sa fille. Cela devient «Walt for Sara». Elle nous chante aussi deux chants traditionnels syriens, alterne des duos avec les instrumentistes. Alain Jean-Marie (p), Philippe Aerts (b) et Eric Barret (ts), trois musiciens d’exception. MP

Ce film réalisé par Kathryn Bigelow sur un scénario de Mark Boal, journaliste, a été sorti en mémoire des 50 ans des événement; il  relate, dans une reconstitution factuelle clinique, plusieurs scènes survenues lors des émeutes de juillet 1967 à Détroit, tant dans des ambiances collectives (scènes de rues, des locaux de polices, concours pour la Motown, tribunaux) que de huis-clos, dont l’une des exactions s’est déroulée à l’Algiers Motel. Ce rappel historique de violence institutionnelle extrême permet une nouvelle fois de mettre en perspective les motifs (raciaux) avec les conséquences multifactorielles graves et durables sur une société, et de comprendre à quel point la trame dramatique d’une situation antérieure donnée ne se redresse jamais, car elle oblige les humains à se dépasser, ce qu’ils ne font que très rarement, surtout quand leurs avantages et privilèges en dépendent. A Detroit plus encore qu’ailleurs aux Etats-Unis, et y compris sous la récente présidence Obama, les difficultés des Afro-Américains, n’ont fait qu’empirer (augmentation des inégalités à la fin de son second mandat), allant jusqu’à la déclaration de  faillite de la ville en juillet 2013: «Motor City» a perdu son industries, ses emplois, 60% de sa population, 90% de sa superficie habitable, la moitié des 40% restants de ses habitants étant sans emploi, ils sont à la rue, les collections d’art sont en péril, les retraites publiques, les prestations de sécurités, sanitaires et sociales ont été drastiquement réduites, mettant des personnes âgées à la porte des maisons de retraites, parfois à la rue aussi. Le bilan  aujourd’hui: les finances municipales seraient assainies au prix de cette saignée, l’automobile a fait place à la mode du moment, l’agriculture bio, surtout quand le prix de la main d’œuvre reprend le chemin des champs de coton. Ce qui fait que certains manipulateurs pensent que Kathryn Bigelow et Mark Boal n’étaient pas «légitimes» pour faire un tel film, est que rappeler les périodes ouvertement honteuses de l’histoire d’un Etat envers ses citoyens, empêche les esprits de s’endormir dans un révisionnisme déculpabilisant. On pourrait croire que la musique, la Motown, ne concerne que les oreilles et le plaisir, c'est pourtant bien plus compliqué...

Spike Wilner, c’est un pianiste, un patron de club, et une marque: le Smalls, un club new-yorkais qui cartonne (avec un billet d’entrée abordable), une programmation passionnante qui donne sa chance aux jeunes (trois concerts par soir), un état d’esprit 100% jazz, le souci de conserver cette mémoire en enregistrant chacun des sets depuis 2007 (disponibles sur la plateforme Smallslive.com). Le Smalls, c’est un terreau fertile qui a donné des centaines de musiciens et un lieu où des anciens de retour à New York, comme Johnny O’Neal, ou moins présents sur la scène new-yorkaise peuvent s’exprimer. Lorsque Spike Wilner est à l’étranger, en Europe ou en Chine, comme à Paris le 4 novembre au Duc des Lombards, c’est pour défendre cette culture du jazz avec son SmallsLIVE All Stars, composé de musiciens qui, comme lui, ont fait ses armes au Smalls dans les années 1990: l’épatant Ryan Kisor (tp), l’éclatant Joel Frahm (ts), l’efficace Tyler Mitchell (b), le brillant Anthony Pinciotti (dm). Un quintet rompu à toutes les situations. Une soirée pleine de swing et d’enthousiasme. Pour le répertoire, le pianiste pioche dans ses compositions, nous joue son emblématique «Hopscotch» comme le magnifique «East Village Enamorata» ou encore «It’s the Talk of the Town» un de ces thèmes des années 1930 qu’il nous interprète en solo. Du beau jazz. Spike Wilner peut prêcher la bonne parole du jazz dans ses newsletters, lors de tournées ou des master-classes qu’il donne au Prins Claus Conservatorium, à Groningen (Pays-Bas), il en a le talent, comme pianiste et entrepreneur. Dommage que, ce soir-là, les patrons de club parisiens ne soient pas venus jeter un œil et une oreille. MP



En pleine tournée, Dee Dee Bridgewater faisait escale en France début novembre pour jouer son nouvel album Memphis... Yes, I’m Ready (Okeh). Elle nous l’a dit (voir son interview dans ce Jazz Hot n°682), ce disque participe à sa recherche de racines. La démarche est très personnelle. Dix ans après son voyage au Mali, elle est revenue à Memphis, dans le Tennessee, où elle est née et a vécu ses trois premières années. C'est un retour aux sources, plein de chansons qu’elle écoutait, adolescente, à Flint, dans le Michigan sur la radio WDIA (la première station dédiée à la musique afro-américaine, ouverte en 1947 à Memphis). Et c’est une Dee Dee en pleine forme que nous avons retrouvé le mardi 7 novembre à La Cigale, puissante, sensible, émotive, généreuse, pleine de grâce. Elle présente chaque titre en français, plaisante avec le public, raconte des histoires. A Paris, Dee Dee est chez elle. Et elle est venue bien entourée: Farindell «Dell» Smith (p, kb, org), Barry Campbell (eb), Charlton Johnson (g), Carlos Sargent (dm), Curtis Pulliam (tp), Bryant Lockhart (ts), et les excellentes Monet Owens et Shontelle Norman (voc). Deux sets d’une heure chacun (le premier était le plus réussi, notamment avec le titre «Yes, I’m Ready» (Barbara Mason), qui a balayé tout le reste.) Un show bien rodé, bluesy à souhait. Mais avouons-le: la réception du public parisien était assez froide, surtout lors du premier set. Il espérait peut-être du jazz? Et des clins d’œil à Billie et Ella? Plutôt qu’à Gladys Knight & the Pips («Giving Up»), Ann Peebles («I Can’t Stand the Rain») et aux Staple Singers («Why»)? Les spectateurs ont chaleureusement accueilli les tubes de Otis Redding («Try A Little Tenderness»), Big Mama Thornton («Hound Dog»), B.B. King («The Thrill Is Gone»), etc. Le blues et la soul, le patrimoine musical de Soulsville, Dee Dee Bridgewater les célèbre, elle les fête avec son jeu si naturel, sa voix capable de mille nuances. Le magnifique «B-A-B-Y» (Carla Thomas) conclut la soirée, avec, en rappel, un inattendu «Purple Rain». Belle soirée, malgré un public lent au démarrage.
Rien à voir avec le concert donné au Théâtre Simone-Signoret, le vendredi 10 novembre à Conflans-Sainte-Honorine (78). Dès son arrivée, dès les premiers titres joués, la chanteuse tient les spectateurs. Elle attaque avec «Going Down Slow» (Bobby Blue Bland), enchaîne avec «I Can’t Get Next To You» (Al Green), puis «Giving Up» et «Yes, I’m Ready» (Barbara Mason), etc. Cette fois, le courant passe. Entre la chaleur des spectateurs et la générosité de Dee Dee Bridgewater et son Memphis Soulphony, cette musique soul qui touche tant la chanteuse, on la sent vraiment. A Conflans, c’est le blues assuré! MP

Le 11 novembre 2017 à la Bellevilloise, le duo fondateur de MAM, Viviane Arnoux (acc, voc) et François Michaud (vln), fête ses 25 ans de carrière au long d’une soirée jalonnée de multiples performances et apports de leurs invités d’un soir et de toujours. Cette tournée anniversaire, destinée notamment à promouvoir la sortie de leur anthologie, 25 ans, et du DVD Jazz in My Musette, alterne plusieurs dates parisiennes avec des salles de province, ainsi que plusieurs concerts en Corse. Le concert de ce soir célèbre toutes les périodes de la formation, avec les personnes qui ont épaulé les deux leaders tout au long de leur parcours. Bien sûr, l’aspect composite et métissé de la musique proposée par MAM est encore accru par l’évocation simultanée des différentes formules du groupe, et nous n’avons pas là affaire à du jazz dans la plus pure acception du terme. L’appellation de swing musette, tirée d’une de leurs précédentes œuvres, correspond peu ou prou à une définition possible de leur musique, malgré la variété des territoires explorés, accrue encore par le caractère hétérodoxe de la personnalité des musiciens, chanteurs et danseurs qui se succèdent sur scène. Après une introduction en duo, justement intitulée «Simply Two», Alain Grange (cello) rejoint la scène pour un festival de cordes et de rythmes sur «Major Dom Tom» avec Sylvain Pignot (dm), soit un quartet qui n’avait plus joué ensemble depuis 2004, et qu’on retrouvera en plusieurs occasions pendant le concert. C’est peut-être avec François Parisi (acc) que MAM exprime le mieux sa parenté avec l’esprit et les valeurs du jazz, en tout cas de manière particulièrement convaincante. Instrumentiste chevronné, il irrigue les lignes mélodiques de François Michaud de sa verve à la fois aride et généreuse sur «Folk in My Musette», bien que ce soit peut-être sur «Alcantara» que l’alchimie propre à MAM opère le mieux, prouvant par l’exemple sur une composition de l’accordéoniste sicilien les capacités d’adaptation du trio, quelque soit l’idiome de musique populaire abordé. Cela devient évident avec la présentation du «tube» de François Parisi, «Annie Zette», tandis que. «Flammes» fournit l’occasion de présenter la fille de Viviane Arnoux, Pénélope, comédienne et chanteuse, dont les vocalises semblent flotter sur la musique du groupe, avec une sensibilité qui confine presque à la vulnérabilité (l’émotion semble d’ailleurs avoir eu son mot à dire en la circonstance). De par l’inclusion de plusieurs formes d’expression artistique, de la poésie psalmodiée évoquant le slam d’aujourd’hui, aux relents de théâtre nô apportés par le chanteur danseur japonais Sam (avec qui MAM a réalisé un album en 1998), on sent que la représentation tend vers une forme d’art total, à peine démentie par l’humilité non feinte et la bonne humeur manifestée par les protagonistes de la soirée. Viviane Arnoux se trompe avec malice dans ses annonces de titres, mais n’oublie bien sûr pas de remercier le public qui applaudit le climax expérimental de leur musique. Il s’agit en réalité davantage d’un esprit world music (le groupe célèbre aussi ses voyages et sa découverte du monde ce soir) que d’orgueil créatif à proprement parler, ainsi qu’en témoigne la participation remarquée de la danseuse Bérangère Altiéri-Leca sur «Rock Rage». Dans cette acception, les vocalises de Viviane Arnoux font immanquablement penser au jazz vocal des Manhattan Transfer, avec un côté européen qui les rapproche de ce que fait Stella Vander dans Magma. D’un point de vue strictement violonistique, il est sans doute possible de rapprocher les lignes mélodiques de François Michaud du travail effectué par Didier Lockwood et Jean-Luc Ponty à partir des années 70 (phrasés pizzicato, usage spectaculaire de l’archet envisagé comme un instrument à part entière). Il y a d’ailleurs un petit côté atlantiste chez le violoniste, sans doute né de ses liens privilégiés avec le Québec et le Canada.

Le second set, plus moderne dans l’esprit, introduit Paul Vignes (kb, human beat box) qui apporte un souffle electro hip hop sur «Time 4 Grooves», ainsi qu’un «French Gambettes» que n’aurait sans doute pas renié Gene Kelly. Même si la participation de Michèle Arnoux au chant (mère de l’accordéoniste) semble constituer un retour dans le temps par sa reprise de Fréhel «La Môme Catch-Catch» (ponctuée de vivats des spectateurs), cette saudade immanente sert admirablement le propos du groupe lorsque la guitare Selmer de François Hégron (g) s’immisce dans le mix, matérialisant le lien unissant cette musique à l’esprit sinon la lettre des œuvres de Stéphane Grappelli et Django Reinhardt. Le concert se termine sur une reprise presque gospel de «Child in Time», de Deep Purple, classique du rock interprété de façon chorale sur scène par l’ensemble des participants à la soirée anniversaire, et traversé d’un solo de guitare électrique fiévreux comme celui de Ritchie Blackmore en 1970. Une ode à l’harmonie entre les peuples d’une puissance évocatrice certaine en ces temps troublés par le manque de cohésion sociétale. JPA

Vous souvenez-vous de l’interview de Connie Crothers parue dans Jazz Hot n°677? La pianiste nous racontait notamment qu’un soir, elle jouait avec son vieux complice Lenny Popkin au Blue Note un premier lundi de la nouvelle année. Le club était plein. Les amateurs présents ce soir-là ne semblaient pas savoir qui étaient les musiciens sur scène ni vraiment ce qu’ils jouaient: «Durant le premier titre, on sentait le public un peu mal à l’aise. Au deuxième, ça se réchauffait. Au troisième, on les tenait! On le sentait. J’ai fait quelque chose que je n’avais jamais fait là-bas. J’ai dit aux autres membres du groupe qu’on allait faire une longue séquence free en trois parties, et qu’on appellerait ça une suite. (Rires) J’ai donc annoncé au public qu’on allait jouer une suite pour fêter la nouvelle année. Ça a cassé la baraque! Les gens applaudissaient, riaient, s’amusaient! Ils ont adoré!» C’est exactement ce qui s’est passé le vendredi 17 novembre au Sunset lors du concert inoubliable du ténor Lenny Popkin avec son trio, composé de Gilles Naturel (b) et Carol Tristano (dm). Là aussi, le club était plein. Un bon nombre de spectateurs semblaient découvrir le ténor pour la première fois. Les chanceux assis aux premiers rangs entendaient les rares paroles du leader, qui parlait sans micro, presque en chuchotant. Et c’est parti une soirée pleine de standards et d’improvisations vertigineuses. Nous voilà bercés trois sets durant par le son feutré du ténor qui tire des graves une infinie beauté et une puissance de tous les instants. Le tandem Popkin-Tristano est fusionnel, on le sait. Leur musique est d’autant plus intense. Et avec le magnifique contrebassiste, le trio atteint des sommets. Ces trois musiciens se connaissent bien, jouent ensemble depuis longtemps, s’apprécient, sont soudés. Ils donnent tout. Cela s’entend. Puis, Popkin et Tristano se lancent dans une longue improvisation, de celles qui s’envolent dans les airs. Un dialogue sans concession, poétique, superbe. Le feeling de cette musique, les spectateurs l’ont bien senti. Ils applaudissent à tout rompre. En sortant, on y repense encore, à cette musique, à ce feeling, on réécoute Time Set, le dernier album du trio. Quel son! MP

Impossible de rester insensible au gros son du saxophoniste Lew Tabackin au ténor («Tanuki’s Night Out»), encore moins à la beauté des (rares) thèmes joués à la flûte («Desert Lady»). Ce samedi 18 novembre au Sunside, le leader était entouré de l’excellent contrebassiste belge Philippe Aerts (il vient de jeter l’ancre à Paris), qui l’accompagne depuis des années lors de ses tournées européennes, et de l’impeccable Mourad Benhammou (dm), qui affiche six ans de collaboration au compteur. Ce trio magnifique a offert aux amateurs venus nombreux (le club était plein à craquer) trois sets pleins d’intensité et de virtuosité artistique. Il suffisait de voir l’air enchanté du flûtiste classique et chef d’orchestre Patrick Gallois. Et lui, il connaît la musique. MP

Il est des lieux en dehors du temps et des modes. Des salles en dehors du circuit des clubs parisiens et de ce qu’on nomme les «must see» du moment. Des endroits spacieux, bien sonorisés, qui ne souffrent pas de la promiscuité forcée occasionnée par la saturation d’un réseau de salles consacrées. Ainsi en va-t-il de la Maison Pour Tous Gérard Philipe à Villejuif (94) en cette soirée du 23 novembre, où Luigi Grasso (as, ss) va présenter The Greenwich Session, formation née d’une inflation naturelle du Luigi Grasso quartet, partie intégrante de la saison 2017-2018 de Jazz en Ville. Le nonet, composé de Thomas Gomez (as), Balthazar Naturel (ts,engh), Armand Dubois (flh), Emilien Véret (bcl), Malo Mazurié (tp), Yves Brouqui (g), Fabien Marcoz (b) et Stéphane Chandelier (dm), se révèle souverain sur un répertoire composé essentiellement de matériel original conçu, développé et orchestré par le leader. Adoubé par Wynton Marsalis en personne, qui salua en lui l’un des tout meilleurs jeunes saxophonistes de sa génération, Luigi Grasso brille par une polyvalence qui lui permet d’aborder la scène en chef d’orchestre plutôt qu’en simple instrumentiste, un esprit et une ambition présents depuis toujours chez le jeune musicien, et qui trouve en quelque sorte une consécration dans la constitution de ce qui ne représente pas à ses yeux un authentique big band, mais plutôt une petite formation telle qu’on l’envisage en musique classique. Son oreille absolue lui fait clairement distinguer ce que l’oreille du profane ne perçoit qu’à grand peine, comme le registre de la clarinette basse et celui du basson (formidable Emilien Véret). Les titres s’enchainent avec le plus grand naturel, ce soir, devant un parterre d’amateurs de jazz médusés par une telle maîtrise des timbres et de l’image sonore, bien mis en valeur par l’équipe présente à la console. On sent que cette projection précise du son est tout à fait conforme à la vision initiale qu’avait Luigi Grasso de ce projet, et les différentes couleurs apportées aux compositions introduisent à une sorte de musique du monde, qu’il convient de distinguer de ce que d’aucuns nomment la world music en ce qu’elle célèbre les différentes cultures traversées dans toute leur singularité, plus qu’elle ne propose une vision unifiée de la culture planétaire. Le mambo cubain de «Mariposas Mambo» voisine ainsi avec les harmonies turques de «Taksim Olagamustu», après que le feeling d’outre-Rhin du premier morceau interprété a surpris une partie du public présent, qui n’attendait certainement pas un référentiel musical et une grille de lecture aussi riches.

Après une outro de fin de premier set, tirée du répertoire de Thelonious Monk, la pause permet de constater que le public présent perçoit des effluves de New Orleans parmi les influences présentes dans les morceaux interprétés par les musiciens. Le saxophoniste n’oublie pas de célébrer son expérience parisienne au travers de sa composition «The Three Red Trees» qui représente un hommage très personnel aux trois arbres rouges présents devant la fenêtre de son appartement, alors qu’il résidait à la Cité Universitaire. Il introduit également la figure de China Moses qui lui a offert le poste de directeur musical au sein de sa formation, et lui exprime sa gratitude au travers de la mélodie de «Champagne Is to Blame», transfigurée par l’expérience de la scène et une version instrumentale de haute volée. Le moment le plus émouvant du concert est sans aucun doute l’interprétation de «Turbo Shot», conçu par le frère de Luigi, Pasquale Grasso, avec un arrangement du saxophoniste auquel il semble accorder la plus grande importance, tant le morceau comporte des accents fraternels et chaleureux. Le concert se termine sur «Epistrophy» de Monk, que le compositeur préfère sans doute ici pour des raisons esthétiques à un «Round Midnight» qui reposerait essentiellement sur l’inspiration et le feeling du moment. Car c’est peut-être là le véritable secret de Luigi Grasso, dont la formation propose en rappel l’immense «Fontainebleau» de Tadd Dameron, une ballade dont il nous dit qu’elle est peut-être la plus belle jamais composée, et qui comporte des sections bien identifiables, avec des breaks judicieux et structurants qui ne compromettent en rien sa fluidité. Il est sans doute permis de voir là le dessein ultime des blues lents qu’affectionne l’artiste, sorte de théorie de la forme qui vaut confirmation de la vision musicale inhérente aux compositeurs qui l’agréent. Un bien beau concert, en forme de carte postale personnalisée envoyée des quatre coins du monde. JPA

Talib Kibwe connaît bien Paris. Le saxophoniste et flutiste américain y a vécu de 1982 à 1989. C’est pendant son séjour en France qu’il a rejoint la formation de Randy Weston (qui vivait alors à Annecy). C’est aussi grâce à son premier disque en leader, Egyptian Oasis (sorti en 1986), enregistré avec Bobby Few (p), Louis Petrucciani (b) et Sangoma Everett (dm), qu’il a eu l’opportunité de tourner trois fois à travers l’Afrique. Son dernier album, Amour, est un retour en arrière sur ses années parisiennes. Un album sous forme d’hommage, plein de saveurs, exprimé dans un jazz contemporain, exigeant, ancré dans une histoire, et sans nostalgie. Deux standards en tout («Infant Eyes» et «La Petite Fleur»), le reste de l’album se compose de thèmes originaux composés pour l’occasion («Parisian Memoir») ou de thèmes réarrangés, composés dans les années 1980. Bref, un répertoire très riche qu’il est venu partager le samedi 25 novembre dans un Sunside plein à craquer, avec anecdotes racontées en français, une bonne dose d’humour, de clins d’œil, de pensées envers une génération de musiciens qu’il a côtoyés («Abdoulaye», il l’a dédié au batteur et fondateur du groupe sénégalais Xalam, Abdoulaye «Prosper» Niang décédé en 1988, avec lequel il a joué et tourné en Afrique; «ElvinElpus», à Elvin Jones). Cette générosité, ses sidemen n’en manquaient pas: l’étincelant Olivier Hutman (p), l’ultrasolide Nicola Sabato (b) et le vieux complice John Betsch (dm), dont la rencontre avec Kibwe remonte à la fin des années 1970 lorsqu’ils accompagnaient Abdullah Ibrahim. C’est même avec le pianiste sud-africain que le saxophoniste joua pour la première fois à Paris. En 1977, aux Bouffes du Nord, avec John Betsch... Une soirée pleine de réminiscences d’un Paris gorgé de jazz, qui l’était encore un peu plus en 1985, lors du tournage du film Autour de minuit de Bertrand Tavernier. Face à un public qui en redemande, resté toujours aussi nombreux jusqu’à la fin du troisième set, quel meilleur finale que «Round Midnight»? MP

On a beau voir et revoir le pianiste Harold Mabern et le ténor Eric Alexander à chacun de leur passage à Paris, on ne se remet jamais tout à fait de leurs performances, tant elles donnent le tournis. Ce sens du swing, du blues, ce naturel, ce jeu immédiatement reconnaissable où tout est supérieur, l’expression d’une tradition du jazz, d’une façon personnelle de la prolonger avec sa sensibilité, ses racines musicales, c’est tout cela Harold Mabern et Eric Alexander. Un état d’esprit, un enthousiasme, une générosité, une rigueur, une exigence. Et tout cela ne manquait pas le mardi 28 novembre au Duc des Lombards. Pour cette tournée européenne, ils étaient accompagnés de l’épatant Daryll Hall (b) et de l’impeccable Bernd Reiter (dm). Si la veille, ils se sont fait dépouiller du côté de la gare de l’Est, qu’ils n’ont plus un rond, comme ils l’expriment non sans humour dans «How Insensitive» et «Everything Happens To Me», c’est comme si ce n’était plus qu’un mauvais rêve. Ils piochent dans le répertoire de Monk («Blue Monk»), dans les deux derniers albums de Mabern («The Iron Man»; «Bobby, Benny, Jimye, Lee, Blu»), se lancent dans «I Get A Kick Out Of You», réarrangé par Mabern et rendu méconnaissable. La classe! Les programmateurs de festivals de jazz qui brillent par leur absence en clubs seraient bien inspirés de venir écouter ce beau jazz. Pourquoi se braquer? MP

Le 19 octobre, Dan Vernhettes programmait dans le cadre de Jazz en Ville, à la Maison pour tous Gérard-Philippe de Villejuif, Julien Brunetaud, auteur, compositeur, pianiste et chanteur. Accompagné ce soir Sylvain Fetis (ts), Bruno Rousselet (b) et Alex Viudes (dm), il donne la tonalité blues groovy dès les premiers titres. Le répertoire est tiré de son dernier album, Playground, avec «Down in the New Orleans», de «When I Grow»,«Mardi Gras in New Orleans». «Monty’s Boogie» est si vivement accompagné par le battement des mains du public que Julien en lâche son clavier pour marquer le mesure avec lui avant de présenter «Mes idéaux» son unique blues en français. Et le premier set de s’achever sur «When the Saints Go Marchin’ in». En deuxième partie de concert, le pianiste continue de développer sa musique entre blues, boogie et soul («I Wanna Ride», «Catalonian Night»), lequel se conclut sur un «Aladin Boogie» endiablé. Un garçon à suivre et une programmation qui devrait encourage les amateurs parisiens à franchir le périf’. PM

Le 22 octobre, le trio de Jobic Le Masson (p), Peter Giron (b), John Betsch (dm), est une nouvelle fois invité par Steve Potts (as, ss) aux Ateliers du Chaudron, dans une salle où le saxophoniste assume des fonctions de directeur d’enseignement musical, ce dernier bénéficie d’un fort ancrage social. Nous avons déjà eu l’occasion de commenter les mérites de cette formation dans le précédent numéro de Jazz Hot. Si nous y revenons aujourd’hui, c’est parce qu’il est important de dire que c’est grâce à des musiciens de ce calibre et de cette qualité que le jazz d’aujourd’hui peut conserver ses valeurs et ses vertus formatrices. Le concert lui-même est basé, pour l’essentiel, sur les magnifiques titres qui composent «Song», dernier album sorti du combo. Mais conformément à l’esprit explorateur du jazz, ces morceaux sont ici délivrés dans des versions alternatives, assorties de changements de clé déroutants et de moult improvisations ludiques et spectaculaires, à telle enseigne qu’on est tenté de se pincer pour se convaincre qu’on assiste bien à un set donné dans une salle à dimension humaine, sachant que pareil spectacle pourrait aisément être donné en un lieu aux dimensions moins modestes. L’emprunt au précédent album du trio Hill très languide, constitue une sorte d’intermède acoustique avant qu’une intervention saisissante de Steve Potts ne nous régale d’un long solo introspectif et convulsif, cherchant l’inspiration courbé sur l’instrument, projetant subitement son timbre en redressant le buste comme s’il venait de découvrir la pierre philosophale. On songe alors à Ornette Coleman tant le son plein et chargé d’harmoniques que le soufflant arrache de son instrument est bouleversant, l’ensemble du groupe témoignant toujours de ses qualités hors pair. En jazz, l’enfer n’est pas pavé de bonnes intentions et voilà des gens de cœur qui savent aussi ce que gros œuvre veut dire. They make it really happen. Qu’ils en soient ici remerciés. JPA

Le 25 octobre, au Café de la Danse, le Vintage Orchestra poursuivait, dans la foulée de son album récemment sorti, Smack Dab in the Middle (voir notre chronique dans Jazz Hot n°680), sa relecture des arrangements et des compositions de Thad Jones. Sans doute parmi les plus belles enluminures de l’histoire du jazz. Promoteur enthousiaste de cette musique, Dominique Mandin (ts, ss) dirige cet excellent big band avec l’énergie que l’on sait nécessaire pour faire vivre ce type d’entreprise musicale. La qualité de l’ensemble est bien évidemment due à celle des solistes, dont nous connaissons bien les carrières individuelles: David Sauzay (ts), Thomas Savy (ts), Olivier Zanot (as), Jerry Edwards (tb), Fabien Mary (tp), Florent Gac (p), Yoni Zelnik (b), Andrea Michelutti (dm), entre autres. S’y ajoutaient deux vocalistes de premier plan, tout d’abord, la grande Denise King (Jazz Hot n°675), au sommet de son art, et l’Américain Ken Norris (qui vit à Hambourg), une belle découverte.
Chacun des deux sets qu’a comptés cette soirée, a vu le Vintage Orchestra débuter par trois titres instrumentaux, l’occasion d’apprécier les solos de David Sauzay ou de Fabien Mary sur «The Groove Merchant», «Second Race» et «All My Yesterdays» en ouverture du concert. On se délecte sans réserve de ce jazz extraordinairement élaboré, aux harmonies rutilantes et au swing étincelant. Un écrin de choix pour accueillir la voix de Denise King qui d’emblée impose sa présence sur «Yes Sir, That’s My Baby». Ken Norris se situe lui dans un registre de crooner, qui est également celui de Walter Ricci, le chanteur «titulaire» qu’il remplaçait ce soir. Si l’expression de Ken Norris est moins profonde que celle de Denise, celui-ci n’en a pas moins tenu son rôle avec brio, en particulier sur «Evil Man Blues». Le tout servi avec une prestance qui n’a pas laissé insensible le public féminin (des admiratrices étaient apparemment venues pour lui…). La seconde partie fut du même tonneau que la première: des beaux instrumentaux (un «All of Me» très original et «Fingers» qui fit la part belle à la section de saxophones) et des prestations vocales très enlevées qui se conclurent par un duo savoureux entre les deux chanteurs sur «How Sweet It Is». JP

Le 26 octobre, le quartet composé de Jérôme Sabbagh (ts), avec Greg Tuohey (g), Joe Martin (b) et Kush Abadey (dm), monte sur la scène de la Péniche Anako (amarrée sur le bassin de La Vilette) pour deux sets empreints d’une formidable musicalité. Le saxophoniste et le guitariste se connaissent depuis plus de vingt ans, époque à laquelle ils se rencontrent à New York et fondent le collectif Flipside, avec Matt Penman et Darren Beckett. Sur des compositions originales de Sabbagh et Tuohey, le quartet évolue avec une souplesse remarquable, lui permettant d’affirmer une vision moderne du jazz dénuée de cette nostalgie empesée qui limite parfois l’audace et la créativité des musiciens. Le combo attaque son gig avec «Vintage», déjà documenté sur le net dans une version Live at Smalls. On sait Tuohey rompu à d’autres idiomes, délaissant temporairement le jazz pour collaborer avec le chanteur Joe Pug. Le six cordiste semble avoir retiré de cette expérience une certaine science de la dissonance cognitive, au service de phrasés hors phase du plus bel effet. Altérant sporadiquement le son de son ampli vintage au moyen d’une pédale, les intervalles choisis, particulièrement en ce qui concerne les octaves, ne sont pas sans évoquer les explorations soniques de la galaxie Miles Davis, bien qu’il les tempère considérablement en chantant littéralement chaque note jouée, comme le ferait un guitariste de soul music. De son côté, Jérôme Sabbagh brille par un timbre magnifique, bien mis en valeur par des compositions personnelles serties de motifs rythmiques mémorables, sur lesquels ses interventions solo forment autant de modèles du genre, avec des références discrètes à ses influences majeures. L’enchainement «Chaos Reigns», «Vicious», et «You Are on My Mind», proprement renversant, donne le la d’une communication satisfaisante avec le public, après un round d’observation très dépouillé, mais c’est sans doute le titre «Ghostly», sur la setlist, qui caractérise le mieux ce soir l’atmosphère hantée du concert, les deux leaders touchant parfois à un état de grâce poétique qui touche au cœur les auditeurs. Le travail du son, auquel le saxophoniste accorde une importance capitale, lui permet ce jeu tout de fluidité et de charme, évitant avec tact et délicatesse tout excès narcissique, et se rapprochant davantage des esthètes de l’instrument que des colosses qui médusent par leur puissance instrumentale. Les deux leaders sont superbement épaulés par la contrebasse de Joe Martin, sideman très apprécié de la scène new-yorkaise, qui a développé son art consommé au contact de jazzmen comme Mark Turner et Chris Potter, tandis que la frappe sèche et solide de Kush Abadey contraste joliment avec la délicatesse de son jeu de balais. Si la formation n’a pas encore enregistré en studio, elle brille déjà par une cohésion exemplaire qui confère un caractère émotionnel affirmé aux évolutions du quartet. La complicité des musiciens fait d’autant plus plaisir à voir et à entendre que Jérôme Sabbagh incarne à présent, dans sa pleine maturité artistique, le bien-fondé d’un jazz de tradition promouvant l’héritage des grands noms aussi bien au sein de compositions inédites que par l’intermédiaire de reprises inspirées. Cette démarche intègre permet d’évoquer avec crédibilité les mesures atypiques de «Serenity», ou de proposer en rappel le classique «Old Folks», qui rend un bel hommage aux figures tutélaires, sans préjudice des versions antérieures fondant la légitimité de l’esprit immémorial du jazz. Une soirée mémorable, qui continue de produire ses effets positifs longtemps après que la dernière note a été jouée. JPA

Les 27 et 28 octobre, le Spirit of Life Ensemble était de passage au Caveau de La Huchette. Le leader historique du groupe (fondé en 1975), David-Daoud Williams (perc), le directeur musical, Rob Henke (tp), Chip Shelton (as, fl), Tony Godson (perc) et Dwight West (voc) avaient fait le déplacement depuis Jersey City, tandis que le collectif trouvait sur place le renfort de Katy Roberts (p), Dominique Lemerle (b) et Philippe Combelle (dm). C’est un Caveau plein (particulièrement le samedi 28) et enthousiaste qui a accueilli les musiciens. Après deux titres instrumentaux «de chauffe» (dont un «All the Things You Are» avec de beaux arrangements latins), Dwight West a entamé un tonique «All of Me» qui, le deuxième soir, a d’emblée enflammé l’assistance! Suivi par un «Afro Blue», tout en finesse, le Spirit a donné à entendre un beau «My Funny Valentine» marqué par l’intervention profonde de Rob Henke et les élégantes harmonies de Katy Roberts. Soit deux soirées épatantes, menées par un orchestre complice et dynamique qui produit un jazz aussi enraciné que populaire. JP